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quinta-feira, 18 de junho de 2026

Mild Orange - This Kinda Day

Keep moving
To the out-lies
Of your head

Like an ocean
So often
In change

Yeah it's this kinda day
For a long kinda night
Yeah it's this kinda day
For a long kinda night

Let it getaway
Let's get away

'Cause I can tell there's something wrong
Usually it's not like this
All these things inside of our heads
Are okay - this moment too
Will all make sense someday

Keep your eye on
The horizon
Always

'Cause I can tell there's something wrong
And usually it's not like this
All these things inside of our heads
Are okay - this moment too
Will all pass someday
It's not like you're always like this
Remember how it felt moving forward
But for now - this moment too
Will all make sense someday

Yeah it's this kinda day
For a long kinda night
Yeah it's this kinda day
For a long kinda night

Let it getaway
Let's get away

'Cause I can tell there's something wrong
And usually it's not like this
All these things inside of our heads
Are okay - this moment too
Will all pass someday
It's not like you're always like this
Remember how it felt moving forward
But for now - this moment too
Will all make sense someday
It's not like you're always like this
Remember how it felt moving forward
But for now - this moment too
Will all make sense someday

Significado
Com uma letra minimalista e repetitiva, a canção aborda a importância da pausa, da autorreflexão e da gratidão. O eu lírico descreve o ato de deitar-se ao sol e refletir sobre as próprias ações passadas, concluindo que a paz daquele dia específico desperta uma vontade incontrolável de dizer "eu te amo". Longe de ser apenas uma declaração romântica tradicional, o refrão funciona como uma expressão de amor à vida, ao momento presente e à sensação de contentamento puro.

O videoclipe da música, dirigido por Simon Oliver e pelo vocalista Josh Mehrtens, aprofunda esse conceito ao explorar visualmente o contraste entre a monotonia do isolamento urbano e a libertação proporcionada pela natureza e pelos laços comunitários. Filmado com uma estética analógica e vintage que evoca nostalgia, o vídeo acompanha jovens que deixam suas rotinas solitárias e fechadas para se moverem em direção às paisagens naturais da Nova Zelândia, como praias e colinas verdes. O foco em elementos sensoriais, como a luz do sol e o vento, culmina na reunião desse grupo de amigos na praia. Assim, o videoclipe transforma a faixa num manifesto sobre saúde mental e desaceleração, sugerindo que a cura para os dias pesados está na reconexão com o mundo natural e na celebração das conexões humanas simples e genuínas.


"Estivemos recentemente em confinamento na Nova Zelândia e o tempo estava deslumbrante, por isso montámos o nosso estúdio no jardim e gravámos esta pequena sessão ao vivo enquanto convivíamos com os pássaros, as borboletas e... os dinossauros. A vida selvagem na Nova Zelândia é simplesmente excecional. Aproveitem"

sábado, 16 de maio de 2026

Kalandra - Everything In Its Right Place


Alt eg ser (4X)

Flyt medstraums (4X)

Her i går, eg kava - sta imot ein storm
Her i går, eg kava - sta imot ein storm
Eg stod imot stride straumar utan form
Eg, eg kava sta imot ein storm

Alt eg er (3X)

Flyt motstraums (4X)

Alt eg ser er berre svart og kvitt (2X)
Men kva, kva freistar eg å nå?
Det, det er vonlaust å få sjå

Å få sjå (4X)

Kalandra é uma banda norueguesa-sueca que se define por um estilo folk-rock nórdico cinematográfico, misturando melodias etéreas com instrumentação grandiosa e expansiva. Na sua interpretação de "Everything In Its Right Place", o grupo transforma o clássico eletrónico dos Radiohead numa peça orgânica e mística, caracterizada pelas texturas atmosféricas e pelos poderosos vocais de Katrine Stenbekk, que evocam uma sensação de natureza selvagem e isolamento ancestral.
O significado da música, originalmente escrita por Thom Yorke, centra-se na dissociação mental e na tentativa desesperada de encontrar ordem dentro do caos. A letra minimalista e a famosa metáfora de "acordar a chupar um limão" sugerem um estado de amargura ou um colapso sensorial, onde repetir que tudo está no seu devido lugar funciona como um mantra para manter a sanidade mental. Enquanto a versão original parece claustrofóbica e tecnológica, Kalandra dá à faixa um tom de melancolia ancestral, transformando a sensação de alienação urbana numa aceitação profunda e sombria do destino.


Kalandra | Nerver Live session

domingo, 15 de março de 2026

Urze de Lume - Besta Soberana


Na linha de bandas como ROMErepresentando a melancolia das cinzas da Europa, os Urze de Lume são o fogo que ainda arde nas serras portuguesas. Falar da filosofia deste projeto nacional, liderado por Ricardo de Castro e Tiago de Castro, é mergulhar no que eles próprios chamam de "Música das Terras Ásperas", uma missão de resgate cultural que vai muito além da estética. O pilar central do seu pensamento é o atavismo, a recuperação de instintos ancestrais que a modernidade tentou apagar, focando num Portugal profundo, rural e pré-cristão. Esta música serve como uma ponte para um tempo em que o homem e a terra eram um só, manifestando um saudosismo espiritual e telúrico em vez de político.

A própria materialidade do som é uma declaração filosófica, rejeitando o sintético através do uso de instrumentos tradicionais como adufes, bandolins e gaitas-de-fole transmontanas, além de elementos orgânicos como ossos, pedras e o som do ofício manual de pastores e ferreiros. O nome "Urze de Lume" simboliza esta resiliência: a urze que cresce em solos pobres e o lume que purifica e aquece, sugerindo que a cultura portuguesa, embora pareça esquecida, pode sempre voltar a arder com a faísca certa. Diferente do Neofolk nórdico, a filosofia da banda foca no animismo ibérico e na sacralidade do solo, celebrando divindades pré-romanas como Endovélico e integrando sons reais das serras da Estrela ou do Gerês. Em resumo, os Urze de Lume propõem uma "Ecologia da Alma", um convite para olhar para as montanhas e para o silêncio dos campos, ecoando em cada batida de adufe o sentimento de que nascemos da terra e a ela voltaremos.

Site oficial
Urze de Lume

ROME – Hate Us And See If We Mind


[Verse 1]
We could never have won this;
We were fighting blind
Now we've all but conquered fate
So hate us, and see if we mind
Washing off the dust
Like the first rains of the raining season
And encircling rage and reason, we postponed our grieving
But the rains, they never seem to come

[Chorus]
To have you here
To make you see
The wild hoax we pulled; it's all over
What care for glory?
What care for thee?
By now, you know it's all over

[Refrain]
All over
All over

[Verse 2]
To this house of stone we flock
Hiding like the snails between the reeds and rocks
And they'll be searching the valleys in vain
As we'll be waiting for the rain
A nation reborn; a lame shepherd
One must wait and go for the throat when hunting leopard
Now, we're blinking back each tear
There's no changing the balance of fear
You might also like
One Fire
Rome
The River Eternal
Rome
A Country Denied
Rome
[Chorus]
To have you here
To make you see
The wild hoax we pulled; it's all over
What care for glory?
What care for thee?
By now, you know it's all over

[Refrain]

[Chorus]
To have you here
To make you see
The wild hoax we pulled; it's all over
What care for glory?
What care for thee?
By now, you know it's all over
To have you here
To make you see
The wild hoax we pulled; it's all over
What care for glory?
What care for thee?
By now, you know It's all over

[Outro]
All over
All over
All over

"Hate Us And See If We Mind" (Odeie-nos e veja se nos importamos) é uma música de desafio e resiliência.
Estoicismo e isolamento: a letra fala sobre manter a própria posição e identidade, independentemente do julgamento externo ou do ódio alheio. É um hino àqueles que vivem à margem ou que escolheram um caminho difícil e impopular.
Identidade europeia: como é comum no ROME, há uma camada de melancolia sobre o destino do continente. A canção sugere um orgulho silencioso e uma resistência contra a homogeneização do pensamento moderno.
Referência histórica: o título ecoa o lema romano Oderint dum metuant ("Que odeiem, desde que temam"), mas Jerome Reuter o transforma em algo mais introspectivo: não se trata de causar medo, mas de uma indiferença soberana perante a hostilidade do mundo.

domingo, 15 de fevereiro de 2026

Chelsea Wolfe - Feral Love


[Verse]
Run from the light
Your eyes, black like an animal
Deep in the wander
And care for no one but the offspring of your might

Run from the one who comes to find you
Wait for the night that comes to hide

Your eyes, black like an animal
Black like an animal
Crossing the water
Lead them to die

[Chorus]
We press for the water
Press for the river, press for the rain

"Feral Love" é a primeira faixa do álbum Pain is Beauty (2013) de Chelsea Wolfe. A música foi utilizada no trailer da quarta temporada de Game of Thrones.

Conflito primal e desejo de liberdade em “Feral Love”
Ao abrir o álbum "Pain Is Beauty" com "Feral Love", Chelsea Wolfe destaca o conflito entre instinto selvagem e as regras da civilização, tema inspirado no romance "Sons and Lovers" de D.H. Lawrence. A repetição do verso “Your eyes, black like an animal” (Seus olhos, negros como os de um animal) enfatiza a animalidade e a recusa em se submeter à luz, que simboliza exposição, controle social e racionalidade. O trecho “Run from the light” (Fuja da luz) reforça essa fuga consciente do que é civilizado em direção ao que é primal e instintivo.

O refrão “We press for the water, press for the river, press for the rain / We press for the water, press for the river, press for the pain” (Buscamos a água, buscamos o rio, buscamos a chuva / Buscamos a água, buscamos o rio, buscamos a dor) mostra uma busca intensa por algo essencial, mas também perigoso e doloroso. A água pode simbolizar vida e renovação, mas também travessia e risco, sugerindo a vontade de ultrapassar limites em busca de liberdade, mesmo que isso traga sofrimento. O videoclipe e o filme “Lone” ampliam essa interpretação, ligando a música a temas de natureza, sexualidade e mortalidade, onde o desejo de fuga e autopreservação se mistura à dor inevitável. A presença da faixa em “Game of Thrones” reforça o clima sombrio e a luta pela sobrevivência em ambientes hostis, intensificando o tom da composição.
Versão [espectacular]
Ao vivo - aqui e aqui

quarta-feira, 12 de novembro de 2025

Tito and Tarantula - After Dark


A música “After Dark”, da banda Tito & Tarantula, ficou especialmente famosa por aparecer no filme From Dusk Till Dawn (Do Amanhecer ao Entardecer, 1996), durante a icónica cena de dança de Salma Hayek.

🌙 Significado geral

“After Dark” é uma canção sensual, misteriosa e sombria, que mistura erotismo e perigo — temas centrais do filme. O título (“Depois do Escuro”) sugere um momento em que as regras mudam, em que desejos reprimidos e instintos selvagens vêm à tona.

🩸 Interpretação simbólica

  • “After dark”: simboliza a passagem para o mundo noturno, onde o proibido e o desconhecido dominam.

  • Letra e atmosfera: evocam sedução, vampirismo e tentação, tanto no sentido literal (no filme, há vampiros) quanto no metafórico (a entrega aos desejos).

  • Tom musical: o ritmo lento e a voz rouca de Tito Larriva reforçam o clima hipnótico e sensual, quase como um feitiço.

🔥 No contexto do filme

Durante a cena, a música acompanha o momento em que o personagem de Salma Hayek dança antes de revelar sua natureza vampírica. Assim, o tema “After Dark” reflete a transformação, a atração fatal e a dualidade entre o prazer e o perigo.

Em resumo, “After Dark” fala sobre o fascínio do proibido, a beleza que seduz antes de destruir — um convite a se perder na escuridão.

sábado, 7 de dezembro de 2024

Música do BioTerra: The Sugarcubes - Regina


[Verse 1: Einar]
Came from the east
Relative forgot
To scrape away
Land in south
Exhausted engine
No teeth
No chance to stop
Meet Johnny

[Verse 2: Björk]
Came from the east
Like the sun
But with tired engine
Regina otherwise magnificent
Regina in good bloom

[Chorus 1: Björk]
Oh oh as old as the sun
Oh oh with white teeth
Oh oh Regina, oh oh Regina
Oh oh Regina, oh oh Regina

[Verse 3: Einar]
Land on islands
Meet Johnny
Examine my red
Basalt cluster
Bottomless dust, terrific sun
And wetting quite nicely thank you
I do say nicely
I do mean that
Actually

[Chorus 2: Björk]
Blow into the chastity belt
Regina, Regina
Oh oh Regina, oh oh Regina

[Verse 4: Einar]
Hex and bitch and
Deserves lobster and fame
Oh, Johnny
Teeth and gums
In my life
Moon and sun
In my life
Lobster and shrimp
In my life
I don't really like lobster (like lobster)

[Verse 5: Björk]
Regina is too old
But the sun is much older
Still the sun with white teeth
But Mrs R. with none
Sun with false teeth
Give me lobster and fame

[Bridge: Einar]
I really don't like lobster!

[Outro: Björk]
Oh oh Regina, oh oh Regina...

“Regina”, lançada pelos The Sugarcubes em 1988 no álbum Life’s Too Good, é uma música com o humor surreal, irônico e poético típico da banda — especialmente da escrita de Einar Örn e dos vocais imprevisíveis de Björk.

O significado da música não é literal, mas vários elementos ajudam a entender o seu espírito.

“Regina” é uma canção que mistura absurdo, crítica social e imaginação fantástica. A personagem Regina é retratada como uma figura quase mítica, uma mulher poderosa e selvagem, vinda das “montanhas” e associada a forças naturais, ciclones e tempestades. Ela é descrita com exagero deliberado, como se fosse maior que a vida, uma entidade que perturba e desarruma o mundo civilizado. Esse tom exagerado funciona como sátira: os Sugarcubes gostavam de brincar com a forma como a Islândia era percebida — um país “exótico”, “selvagem”, habitado por pessoas supostamente estranhas. Assim, Regina pode representar a Islândia caricaturada, uma imagem absurda que os estrangeiros projetam. Ao mesmo tempo, a letra trabalha a tensão entre natureza e modernidade, entre comportamento “civilizado” e impulso primal, apresentando Regina como alguém que rompe com normas sociais e traz caos criativo. Como muitas músicas da banda, “Regina” não oferece um enredo fixo; é uma colagem de imagens surreais que desafiam interpretações literais. O resultado é um retrato vibrante e irónico de uma mulher indomável, símbolo da energia imprevisível — e muitas vezes incompreendida — da própria cultura islandesa.

quarta-feira, 3 de julho de 2024

A civilização é a causa original do ecocídio


Recentemente li um texto chamado It’s Not Capitalism that’s Driving Ecocide; it’s Civilization (Não é o capitalismo que está impulsionando o ecocídio, é a civilização), escrito por Kollibri terre Sonnenblume, e resolvi escrever algo sobre isso. Você pode ler a tradução aqui. Eu concordo que não é apenas o capitalismo que está impulsionando o ecocídio e que a sociedade colonialista já estava fazendo isso desde muito antes. Pelo título, algumas pessoas podem achar que ele está dizendo que o capitalismo não é um grande problema, o que seria equivocado já que o texto afirma que “o capitalismo não pode ser reformado e deve ser desmantelado”.

O ponto central do texto deve ser lido como uma pergunta: é possível conciliar o marxismo e o ambientalismo? Embora ecossocialistas garantam que sim, existem algumas complicações a serem resolvidas, especialmente quando se consideram conceitos como “supremacia humana” e antropocentrismo. E com isso não estou dizendo que movimentos como o Earth First sejam mais coerentes. Não tenho condições pra fazer essa avaliação.

O problema é que boa parte da ecologia e do socialismo são antropocêntricas. A maioria dos ecologistas e ecossocialistas não problematizam a civilização. Uma parte do eco-anarquismo compreende essa crítica porque se abriu para outras perspectivas ecológicas. O Estado também não pode ser reformado e deve ser desmantelado. A crise ecológica torna o capitalismo ainda mais contraditório, mas a contradição civilizatória está presente desde a fundação da sociedade de classes: a oposição entre ser humano e outros seres.

A questão é: quão longe o ecossocialismo pode ir na sua crítica ao domínio humano sobre a natureza? Para refletir sobre isso, podemos começar pensando nas palavras de Ailton Krenak: “Botei em questão se tem algo possível de se pensar como sustentável no modo de vida urbano e moderno que nós compartilhamos em vários lugares (…). Qual atividade pode ser sustentável dentro de um sistema desse?”

Se a civilização iniciou o ecocídio muito antes do capitalismo, como pode o fim do capitalismo ser o fim do ecocídio? É possível uma civilização socialista, ecológica e sustentável?

Continuando com a reflexão de Krenak, “a produção de alimento com certeza não é sustentável”. A revolução agrícola (também chamada de revolução neolítica) é considerada um grande avanço na história da humanidade, assim como a revolução verde (uso de novas tecnologias para o aumento da produção agrícola, a partir dos anos 60). Mas ambas foram desastrosas para a natureza e para a vida humana. A biotecnologia representa um próximo passo na mesma direção, enquanto a agroecologia promete reverter os efeitos devastadores dessas “revoluções”, transformando a agricultura numa prática sustentável.

Mas consideremos a sustentabilidade enquanto mito, ou “como uma narrativa que foi criada pelas corporações para continuar conquistando consumidores com a ideia de aquilo que você está consumindo é produzido de uma maneira sustentável, mas é uma mentira”. Neste sentido, como saber se a agroecologia é realmente sustentável?

Mesmo com a agricultura mais ecológica do mundo, é possível que “a conta não feche”, como diz Krenak. Isso porque as necessidades que temos agora não correspondem às necessidades naturalmente sustentáveis para seres humanos. São necessidades criadas pela civilização, que jamais seriam possíveis sem um modo de vida baseado em patriarcado, exploração, acúmulo, expansão, invasão, escravidão, genocídio, epistemicídio e ecocídio. Se de fato “a infraestrutura que existe nas cidades vai sofrer um colapso” e “todas as tentativas do mundo de regular o consumo, produção, distribuição de mercadoria são insustentáveis”, o que fazer?

Bem, nós sabemos o que não fazer. Não podemos continuar assumindo as mesmas premissas de que basta acabar com o desperdício gerado pelo capitalismo, ou investir em avanços científicos e tecnológicos que visem o bem comum (da humanidade) ou invés do lucro de empresas. Isso ainda pode ser insuficiente. A tecnologia nos confere poderes extraordinários. Podemos usar todos esses grandes poderes produzidos pelo nosso “avanço” tecnocientífico para o bem de todas as espécies e do planeta como um todo? Isso é humanamente possível? Isso é possível sem antropocentrismo ou excepcionalismo humano?

É preciso entender que “estamos fazendo escolhas erradas”. Não apenas os capitalistas, mas todos nós estamos fazendo escolhas erradas há muito, muito tempo. Podemos assumir toda a responsabilidade que vem junto com os poderes concedidos pelo desenvolvimento tecnológico? Ambientalistas em geral não criticam a tecnologia ou o modo de vida urbano em si. Pelo contrário, falam de cidades sustentáveis e tecnologia verde. Mas e se o modo de vida urbano e tecnológico for, necessariamente, uma “armadilha”, algo inerentemente insustentável?

A proposta de Krenak é uma sociedade humana que não deixe rastros de sua passagem pela terra. “Nós deixamos rastro demais e toda cultura que deixa rastros é insustentável”. O mais importante dessa ideia, para mim, passa despercebido para a maioria das pessoas: que estamos aqui só de passagem. Não apenas nós enquanto indivíduos, mas a humanidade como um todo está aqui só de passagem. Isso é, a humanidade tem uma existência finita. A civilização é, em muitos sentidos, a negação desse fato. A nossa cultura não se perdeu, não se tornou insustentável por um acidente de percurso. Ela é insustentável desde que nasceu.

Estamos alienados “em relação a origem de tudo que a gente come, bebe, veste”. Mas também estamos alienados em relação ao descarte, isso é, do destino final de tudo que a gente come, bebe, veste, e até do nosso próprio destino final. Nosso modo de vida, nosso consumo e nossa própria existência se tornou insustentável. E por isso tentar ser individualmente “mais sustentável” é uma “vaidade pessoal”. Não mudaremos nada se não mudarmos tudo.

A ideia de que você pode salvar o planeta fazendo sua parte cria “um ambiente psicológico que despista a verdadeira razão” da crise ecológica. O modo como estamos vivendo, num sentido mais fundamental que apenas o sistema econômico, é a causa da crise ecológica. Mas somos levados a crer que não há outro modo de viver, já que estamos no modo mais “avançado”, e já que não podemos “retroceder” ou “voltar no tempo”.

Há outras maneiras de viver, mas como diz Krenak, algumas delas são “racistas e de classe, sugerem que quem sabe viver no mundo são os ricos”. Esta frase pode ser reinterpretada ou completada do seguinte modo: sugerem que quem sabe viver no mundo são os brancos. São os povos que criaram a revolução industrial. São os povos que criaram impérios. São os povos que criaram um modo de vida baseado no uso intensivo de animais e do solo. Percebe? Quem inventou a riqueza e a pobreza?

Podemos impedir os processos industriais de acabar com nossa água? Em outras palavras, podemos impedir a civilização de destruir o mundo? Para citar um dos problemas mais difíceis: como abandonar o uso de combustível fóssil? Como diz Krenak, “o combustível fóssil já deveria ter sido abandonado na década de 90”. Sabíamos que era preciso parar, mas não paramos. Por que vai ser diferente agora?

A esperança numa civilização sustentável guarda uma crença, uma mitologia moderna, que é a “ideia de autossuficiência” da humanidade. Acreditamos que tudo é possível se nos esforçarmos. Basta um sistema melhor. “Com o avanço disso que foi chamado de civilização, e com o advento da globalização, esse circuito tomou conta do planeta inteiro”, diz Krenak. A civilização tem se apresentado como sustentável desde sempre, e tem sempre falhado nisso. Repito: por que seria diferente numa nova civilização?

A experiência urbana nos afastou da natureza. A simplicidade dessa frase é enganadora. Estar afastado da natureza não é somente não saber como viver sem geladeira e fogão. Significa, antes de tudo, não lembrar QUEM você é e o que está fazendo AQUI. “Muitos valores que temos, que achamos fundamentais para a humanidade foram criados e foram incutidos na nossa cultura, na nossa mentalidade”. Não são valores da humanidade, são valores de uma cultura que nega a humanidade, porque nega a natureza. Assim como nega a vida, porque nega a morte.

Essa “perda de memória” é um conceito central. Quando o poeta diz “as pessoas não são más, elas só estão perdidas”, ele reflete uma ideia ancestral. Quando alguém fazia algo errado, os outros membros da comunidade se juntavam para LEMBRAR àquela pessoa das coisas boas que ela fez de de QUEM ELA É.

Desse modo, a pergunta central para a crítica ao ecocídio não é: “como ser sustentável?”, mas sim “quem somos nós?”, ou ainda, “o que é o ser humano?”. Não parece uma pergunta muito pragmática e você pode protestar que precisamos de mais ação e menos filosofia. Porém, a aderência a essa filosofia silenciosa e não questionada da civilização é que nos trouxe até este pesadelo.

É por isso que considero tão importante que Krenak decida falar sobre “cosmovisão”, e mais especificamente, a cosmovisão de que “a Terra é um organismo vivo”. Isso não deve ser interpretado como metáfora. Não é tratar a Terra “como se” ela fosse um organismo vivo. Se a Terra é realmente um organismo vivo, tudo que a civilização entendeu sobre o mundo está errado, porque todo conhecimento civilizado está baseado na objetificação do mundo natural.

O aquecimento global é apenas a febre da Terra. Não é a doença em si, mas um sintoma. Ambientalistas tradicionais se concentram em tratar o sintoma, mas como tratar a doença? Como diagnosticar a doença?

O ser humano é capaz de sobreviver se largado pelado no mato, mas não é capaz de causar muito dano ao meio ambiente. Para destruir o seu habitat, é preciso criar ferramentas e técnicas especiais para isso, que nada tem a ver com a necessidade de sobrevivência. As culturas que não criaram esses aparatos “não estão engajados no consumo planetário”. Se esses povos são o “remédio”, nos dizeres de Krenak, quem ou o que é a doença? Como ele diz, “sobrou gente fora desse balaio civilizatório que ainda sabe, ainda reflete sobre uma cosmovisão, estão protegidos por essa memória e são capazes ainda de pensar outros mundos e construir outras perspectivas de mundo”. Isso sugere que nós, civilizados, somos aqueles que esqueceram quem são, estamos presos numa única forma de pensar e construir o mundo. Nossa visão é restrita. O peso do sistema técnico que criamos para alterar o mundo como bem entendermos pode ser impossível de carregar, insustentável num sentido mais profundo da palavra.

A tecnocultura civilizatória “é fascinante”, mas também “é um veneno”. “Todo mundo cria dependência com relação a esse grande abarcamento do mundo das aparentes necessidades humanas”. É um vício, como também diz Kollibri. Agora imagine o quanto é difícil se livrar de um vício coletivo que nos domina há milhares de anos… Lógico que parece utópico. Mas ao mesmo tempo, nada poderia ser mais irrealista do que permanecer nesse vício. Como deveria estar nítido, o maior dano desse vício não é exatamente à Terra, mas ao espírito humano. Do mesmo modo que, aquele que pesa excessivamente na vida da sua própria família, causa mais dano à sua própria auto-estima que à sua família.

Não conseguimos eliminar esse peso da nossa consciência. Estamos experimentando uma “dissociação” entre a experiência humana e o planeta. Porém, não destruímos o mundo sem saber o que estamos fazendo. Utilizamos toda nossa inteligência nesse projeto. A necrocivilização, para fazer um paralelo com o necrocapitalismo, nos colocou num mundo simulado, no qual gostamos de estar. Nos leva a fingir que tudo vai ficar bem, quando obviamente não vai. Obviamente o dano que causamos ao mundo não pode ser simplesmente apagado. Como uma mentira que foi sendo mantida a todo custo, as consequências de admitir a verdade agora são necessariamente desastrosas para nós.

“Fomos convertidos a uma ideia de humanidade que não é real. É uma pós-humanidade”, diz Krenak. A humanidade que tentamos realizar não pode se realizar. A tentativa de realizar esse ideal, passando por cima dos outros, é o processo civilizatório, “é o núcleo do pensamento colonial”. Os conceitos de civilização e de humanidade que usamos estão impregnados de colonialidade. “O colonialismo diz: vamos modernizar, vamos civilizar, vamos humanizar”. A saída não é colonizar outros planetas, mas conhecer a si mesmo.

O quão longe os críticos tradicionais do capitalismo tem ousado ir na viagem “para dentro de nós mesmos”? O quanto tem questionado aquilo que tem sido considerado como humanamente necessário, e o quanto tem simplesmente aceito o processo histórico civilizado como se este contasse a história da humanidade?

O cerne da crítica ao antropocentrismo pode ser resumido na seguinte frase de Krenak: “O problema é quando pensamos que somos a única vida aqui, a ponto de, quando a base para sua continuidade aqui não for suficiente, a gente vai reproduzir em outro lugar”. Isto me leva novamente à negação do limite, do fim inevitável da vida. Tudo que começa tem um fim. Mas o conceito antropocêntrico de sustentabilidade não enxerga um fim para a humanidade. Mesmo quando a perspectiva ecológica se considera ecocêntrica ou biocêntrica, ela não pensa na existência humana dentro de um ciclo com começo, meio e fim. Ela quer barganhar a continuidade do esquema.

Novas mentes, por outro lado, não querem mais a continuidade do esquema. “É isso que os meninos e meninas estão fazendo, estão dizendo ao mundo que os adultos falsificam uma narrativa sobre o mundo, e eles não querem”. Algumas pessoas percebem isso mais facilmente. Como um amigo recentemente me fez pensar, a civilização criou uma linguagem excludente para pensar o mundo, uma linguagem neurotípica ou “normal”, que exclui a diversidade natural de formas de pensamento, porque essa diversidade não é eficiente para a produção de um projeto civilizatório. É comum pessoas com estruturas mentais neurodiversas terem dificuldade de compreender regras sociais e de comunicação, pois elas não parecem fazer o menor sentido. Somos obrigados a reprimir uma parte de nós mesmos para nos tornarmos “funcionais”, e geralmente isso vem com uma sensação de estar agindo como um robô. De certo modo, é exatamente como qualquer pessoa se sente na civilização, em algum grau. Isso apenas passa mais despercebido quando a sua atuação é aceita pela sociedade. Mentes “normais” se esquecem de como é pensar fora da caixinha que a civilização nos coloca, mas mentes “diferentes” não conseguem esquecer, porque são péssimos em fingir.

É por isso que a tolerância ou convivência com o diferente não é suficiente. É preciso uma “alternância”. A alternância implica em saber passar a bola, e também saber quando ir embora, descansar, parar, desistir. Voltar depois, quem sabe. A maioria dos homens que se sentem ameaçados pelas mulheres tem dificuldade justamente nesse ponto: não sabem perder. Acreditam que todo peso de uma estrutura de opressão milenar pode ser dissipado com uma política de “participação” da mulher nos mesmos esquemas que o patriarcado criou, sem deslocá-los ou incomodá-los de modo algum. Ou seja, acreditam na “continuidade do esquema”. Como se as coisas não precisassem pesar para os homens. Isso só seria possível se o patriarcado não tivesse produzido privilégios. Nunca é fácil perder privilégios e confortos, mas algumas vezes é necessário.

Isso não deveria ser lido como uma apologia ao catastrofismo ou um pessimismo paralisante, ou pior, uma conivência com um sistema de descarte de pessoas. Mas é difícil não se parecer com um sádico quando se tem más notícias para dar. Eu não pretendo “contar a verdade e correr”. Eu pretendo ajudar quem está recebendo a mensagem a suportá-la. É preciso coragem pra abandonar certos vícios. Mas talvez o que nos prenda seja de outra natureza, algo bem mais difícil de abandonar.

Volto à questão principal aqui: o que ambientalistas estão dispostos a perder em nome da alternância com o Outro? A julgar pelo discurso ecológico mainstream, a resposta seria: nada. Eu poderia citar um exemplo: “Eu não concordo que mais progresso será feito apelando para o coração das pessoas do que para suas carteiras”, diz o economista ecológico Robert Constanza, fundador da International Society for Ecological Economics, principal referência em economia ecológica. Parece romântico demais dizer que é justamente o coração, e não a razão, que pode nos salvar agora. Se for verdade que a ação humana sempre busca a vantagem comparativa, a cosmovisão apresentada aqui não tem nenhuma chance. Porém, se ela tem algum sentido, a economia como um todo precisa ser questionada, não apenas a economia liberal, mas toda nossa auto-imagem como “ser racional” criado pelo mito do “homo economicus”.

O ecocapitalismo quer colocar um preço na natureza para poder protegê-la. O ecossocialismo quer a propriedade coletiva dos meios de produção (como objetivo final) e uma regulação estatal mais eficaz da economia (como objetivo mais imediato) para proteger a natureza. Como Kollibri sugere, o ecocapitalismo é bem mais fácil de refutar. O ecossocialismo, porém, é bem mais complexo de responder. Isso porque, embora ele possa ser mais ecológico, não é exatamente “sustentável”. Como assim?

A resposta, para mim, começa nessa fala de Krenak: “Em algumas culturas, a ideia de cair está dentro do ciclo da existência. Ela se articula com a ideia da semente, que se enterra, morre e vira a árvore e dá mais semente, e frutas, e vira semente, e enterra de novo. Ciclos”. Nossa cultura judaico-cristã, porém, enxerga a queda como um problema. Nós não queremos cair, somos especiais, estamos destinados a um lugar especial, onde ninguém mais morre e ninguém mais cai. E porque não sabemos cair, não podemos ser realmente sustentáveis, porque negamos a alternância. O ciclo da vida inclui a morte. Não queremos o fim da civilização, queremos evitar o colapso desse modelo econômico baseado em cidades que contemplam a eternidade. Queremos usar as técnicas, os conhecimentos, a ciência e a tecnologia civilizadas para impedir a queda e construir um mundo supostamente avançado, e supostamente mais humano. Ao invés disso, deveríamos aceitar as consequências de um acúmulo imensurável de decisões erradas. Decisões tão erradas que não podem mais ser corrigidas. Precisamos aprender a largar e cair. Podemos fazê-lo, ou o poder civilizado é tentador demais?

domingo, 7 de abril de 2024

Música do BioTerra: Zanias - Thanatos (feat. Lynette Cerezo of Bestial Mouths)

Melhor som aqui
O toque de Thanatos

Zanias, nome artístico da compositora e produtora australiana Alison Lewis - conhecida por ter sido criada no Sudeste Asiático e radicada no epicentro da música eletrónica em Berlim -, uniu forças com a vocalista norte-americana Lynette Cerezo, líder do projeto industrial Bestial Mouths, para criar a faixa Thanatos. Musicalmente, a colaboração se enquadra perfeitamente nas ramificações mais sombrias da darkwave, do EBM (Electronic Body Music) e do post-industrial. A sonoridade é construída sobre sintetizadores densos e batidas eletrónicas pulsantes, servindo de base para vocalizações ritualísticas que alternam entre o tom etéreo de Zanias e a entrega visceral e gutural de Cerezo.

O significado da canção e do seu videoclipe gravita em torno da transitoriedade da vida e do confronto com a finitude. O título remete diretamente ao termo grego para a morte, e a letra funciona como uma catarse ritual sobre a purgação da dor, o colapso dos ciclos psíquicos e o desapego da identidade. No videoclipe, essa atmosfera é traduzida por meio de uma estética minimalista, obscura e altamente corporal. A linguagem visual aposta no transe, na sombra e no contraste de luzes para encenar uma simbiose entre as duas artistas, evocando um ritual de integração da sombra interior (shadow work) e de aceitação do inevitável fim.
Lynette Cerezo (Bestial Mouths) recorre a uma estética vocal post-industrial e gótica visceral, marcada por gritos guturais, projeções dramáticas, respirações audíveis e vocalizações pontuais de transe (mais próximas do sprechgesang ou de cantos rituais do que do lirismo técnico tradicional).

Essa narrativa visual e sonora é profundamente ancorada em referências filosóficas, literárias e psicanalíticas. A principal delas é a teoria freudiana da pulsão de morte (Thanatos), que descreve o impulso inconsciente que impele o indivíduo a buscar a cessação das tensões mentais e o retorno ao estado inorgânico de paz. Paralelamente, a obra dialoga com o existencialismo - abordando a angústia diante da finitude humana presente no pensamento de filósofos como Nietzsche e Kierkegaard - e com o Romantismo Sombrio do século XIX, que enxerga uma beleza trágica na degradação, na melancolia e no mistério que cerca o desconhecido.

Página oficial

Biografia

Entrevista

sexta-feira, 19 de janeiro de 2024

Filme de culto - Decoder (1984)



Decoder é um filme dramático de vigilância burocrática, proto-cyberpunk e bizarro da Alemanha Ocidental, apresentando FM Einheit da banda industrial alemã Einstürzende Neubauten como um jovem fanático por barulho com ambições de hacker empregado numa lanchonete. Ele descobre que substituir o Muzak (música de fundo tocada em lojas e elevadores) imposto pelo governo por ruído industrial alterará o comportamento das pessoas. Inspirado por um encontro com um sumo sacerdote pirata barulhento (interpretado por Genesis P-Orridge dos pioneiros industriais Throbbing Gristle), ele se rebela contra o governo por usar a música como arma de controle mental corporativo e sedação ambiental levando ao consumismo e à massificação. Ele então toca sua mixagem parcialmente composta pelo balido distorcido de um sapo gritando, apenas para se transformar no terrorista barulhento mais procurado do país por incitar tumultos.

Decoder é inspirado na Revolução Eletrónica (1970) de William S. Burroughs, que aparece no filme, tem uma forte mensagem anticonsumista, citações sobre Lady Di (Diana), metáforas bíblicas usando sapos como símbolos para a vagina.

O filme também é notável por não estrelar atores reais: Bill Rice (artista de vanguarda do East Village) é Jaeger, um homem de empresa obcecado por peep-shows encarregado de estrelar monitores de vigilância nevados o dia todo, é designado para pôr fim ao F.M. operação. Christian F. interpreta a namorada de FM, uma funcionária punk de um peepshow que prefere a companhia de seus sapos de estimação aos humanos.

Decoder (Descodificador) de Muscha é um clássico cult e uma obra-prima criminosamente subestimada da estranheza alemã, antes da Internet e da guerra cibernética, filmada em 16 mm, salpicada de tons brilhantes de rosa, azul e verde com trabalho de câmera da vienense / nova-iorquina Hannah Heer. 

Deve ser considerado obrigatório para quem ama os clássicos cyberpunks de Shinya Tsukamoto, Electric Dragon 80.000 V de Sogo Ishii e filmes como They Live, Vortex (1982) e Liquid Sky.

O filme é retalhado e golpeado pela cultura industrial/eletrónica dos anos 80 com uma trilha sonora intensa de nomes como Einsturzende Neubauten, Soft Cell, The The e Psychic Tv.

segunda-feira, 10 de julho de 2023

sábado, 3 de junho de 2023

Texto da Semana - Sweet, sane, still nakedness in Nature


"Sweet, sane, still nakedness in Nature! — ah if poor, sick, prurient humanity in cities might really know you once more! Is not nakedness then indecent? No, not inherently. It is your thought, your sophistication, your fear, your respectability that is indecent. There come moods when these clothes of ours are not only too irksome to wear, but are themselves indecent. Perhaps indeed he or she to whom the free exhilarating ecstasy of nakedness in Nature has never been eligible (and how many thousands there are!) has not really known what purity is - nor what faith or art or health really is."

Biografia

Walt Whitman Birthplace Association

Instituições

domingo, 28 de maio de 2023

The Anthropo-Sin System- por George Tsakraklides

“We are not approaching a collapse. We are experiencing the symptoms of a collapse that has already happened long ago”

Our Game-Ending Love Affair With Technology
Despite their momentum and efficiency, civilizations have always been incredibly naïve when it came to envisioning their future. There was always good food for thought, and plenty of incentive to plan for the immediate next day. However, when it came to tackling the bigger long-term questions, it was as if the future didn’t even exist. Our approach has always been tactical at best: focusing on short-term gains, while completely ignoring the bigger, long-term existential challenges. There was far more interest in achieving progress than in sustaining it. For this reason, the emphasis has always been a technological one: it is the short-term technological tools which provide us with the fastest and most spectacular bursts of growth, bringing about an almost immediate transformation every single time. We quickly learned that technology was viral, it was a profit maker, and for these reasons, virtually unstoppable. We might as well resign ourselves, sit back and observe as technological viruses ravage through our civilizations like wildfires in the wind. In this section, I will explain how we tragically relinquished three things to machines: our freedom, happiness, and responsibility. I will explain why this happened, and what the existential repercussions are.

We surrendered to technology a long time ago. Along with personal gain, it was internalized defeatism towards the inevitability of technology which prevented leaders and planners from stopping and thinking about how humans actually felt: at an individual level, living in these new, magical worlds they had constructed. There was no risk analysis, and perhaps there wasn’t even time to think, as we were all too busy dealing with the changes that each new technological whiplash brought on our doorstep, piling upon still fresh, previous changes. At every step of our technological journey we forgot to ask the most important question: was this progress? Was this really what we wanted?

But the deeper, and more disturbing question we forgot to ask, and which remains unanswered today, was: were we the ones consciously transforming our lives, or was technology transforming us? Were we in control of this process or were these technological viruses in the driver seat, infecting our society, leaving us barely capable of mustering a response while we still processed the shocks of the technological revolution that had come right before the current one? Did there come a point when we just gave up trying to resist, and decided, that we would just have to mold our new life, our entire existence, however best we could, around each new technological monolith that ushered itself into our lives? Had we been violently pushed aside? Had humans simply become vehicles for technology’s expansion and evolution? And most importantly, had we become something lesser, perhaps outdated, given that technology mutates and evolves much, much faster than us?

These are all very valid questions which we should be asking retrospectively, all in the context of a bigger question from a practical and biological perspective: how does a human, essentially an animal that does not physically change over time (especially now that medicine has halted natural selection and therefore evolution), cope in a rapidly changing environment? While in nature species that experience such extreme changes go extinct very quickly, humans had managed to survive, forming a co-dependent relationship with technology based on mutual abuse. But how was their mental and physical health affected? Did our societies actually “adapt” or was this a misconception? Was it more of a case of them having internalized trauma upon trauma? For example, while we may have significantly increased our life span, how meaningful is this new, long, life we are living? Since innovation always moves at breakneck speed, there is never the time, or even the desire to test the effects of new technologies on our well-being. From cigarette smoking to pesticides, humanity has always learned the hard way which of these innovations are good for us and which are not. Human civilization is an ongoing experiment, and humans are the mad scientists: too risk-taking to stop and think, and always willing to be guinea pigs in their own study.

Had we been too quick to accept the conveniences that came with technology, for the price of relinquishing essential parts and needs of our biological existence? We are still made of flesh, blood, feelings and emotions. Yet each successive technological virus appears to bypass these needs, at best adjusting itself to any severe side-effects to the host, who becomes an unsuspecting carrier. Putting aside the dazzling array of consumeristic and other benefits we reaped, are we happier than the generations before us? Or have we completely sold our soul to technology? Today these questions remain unanswered, as technological evolution accelerates and reaches breakneck speed, leaving us to eat dust while it disappears into the distance. Yet we have completely embraced what is happening to us, maybe because many of us feel there is nothing to do but accept it, or maybe because we cannot even fathom ourselves outside of the context of technology anymore. It is easy to make the argument that we have been demoted, turned into a peripheral hardware accessory of a much more efficient, emerging, non-DNA-based AI civilization. Is this the beginning of the end? Or, have we died already? It is easy to look at this situation and concur that it is already way too late for us to go back to ourselves. We are too tech-dependent. But as long as humans are a species made of flesh, blood, water and emotions, they will have needs which are very different to those of machines. We are not machines, and this is precisely the mistake that we have been making: comparing ourselves to them.

In order to understand what is happening to us and answer all of these questions, it is important to go back to the beginning of events, and realize that we have enmeshed in a toxic, unconditional love affair with technology which started millennia ago. In a fashion typical to that of any blind, lovestruck human, we have given ourselves an inferiority complex towards the object of our affection. Our civilization has given itself a self-harming inadequacy complex against machines. In the same way that we rejected, and subsequently destroyed, natural “wilderness”, we are beginning to reject anything “non-machine-like” about us. We want to become more like the non-human entity we are in love with. This is a dangerous moment, and the wrong path for us because again, we are not machines.

This love affair explains why the temptation for humanity to succumb and submit to technology unconditionally, has always been too much to resist. Our freedom was the first to be given up, as we trusted technology with our own life. Facing the unknown future with vacant, unjustified optimism, we replaced uncertainty with the dogma that technology was working for us, when in fact it had almost domesticated us for its own benefit. Our adoration of technology, not simply as a means to an end, but as the ideal ultimate destination for humanity’s rebirth and evolution, continued through the ages as we looked down upon our “human errors” and imperfections. Driven by blind adoration, the expectation that this inanimate entity will be forever on our side and even solve all of our existential problems, including the climate crisis, has been incredibly naïve, and will very likely prove to be catastrophic. But we were too corrupted by the technological goodie bag that had come with the adoption of all of these innovations. Beware of Greeks bearing gifts. Technology was the Trojan horse which was enough to glaze over our eyes and tempt us with more lazy, easy gains. The price? Auctioning off the last remaining free bits of ourselves to an increasingly sentient entity that does not represent the interests of the human species, simply because it isn’t human. It is It, and just like us, it only cares about itself. By putting all of our faith and trust in technology, we had relinquished a substantial part of our freedom. Yes, we did become something “lesser”, because we believed we were lesser.

Along with relinquishing our freedom, we gave up on the notion of true happiness, replacing it with counterfeit versions of happiness which only made sense in a machine world: we started quantifying happiness in the number of consumer goods we own and GDP, rather than meaningful existence, exactly because we increasingly became like machines. Today we are as far away as we have ever been from answering the question “are we happy?”, for a very simple reason: we are trying to answer the question in machine terms. But it is a question that our technologies and machines do not have to worry about. Happiness, and human happiness for that matter, is not their problem. Happiness is exclusively a human problem. Machines don’t have the emotions, feelings of isolation and social needs that we have, and if they do develop these someday, they will be on a separate cosmos of social hierarchy with its own rules and needs very different from ours. Yet despite this risk, we have chosen to increasingly mechanize and automate so much of what makes us intrinsically human. We have stiflingly surrounded ourselves with layer upon layer of digital paraphernalia, naively assuming that the little human buried somewhere within this new ecosystem, would still remain “human”. What we have done in effect is to try and be increasingly more and more like machines: beings that do not need happiness or define it in quantitative measures that bear no relationship whatsoever to true happiness. Even psychotherapy is going digital. We have outsourced our happiness and future of the planet to a techno-economic entity which not only does not understand what happiness is, but it doesn’t fundamentally have a need for it, for itself. Let that one sink in.

There is never enough inquiry about how humans would feel in a new world, surrounded by new machines, infused with new forever chemicals that they invented long ago, the impact of which on the human body we still do not know, decades later. Our insight into ourselves runs at a pace much, much slower than the pace of technology. All we can do is assume impact position and accept the technological, social, emotional and existential whiplash. It is no wonder that the modern human often feels so alienated, disconnected, and many times completely lost. The recurring trauma of successive technological impacts has left its mark on our civilization, which has done its best to adapt each time, by trying to catch up with the machines: to be more machine, and less human. This is a pattern of self-harm that attempts to deal with the original trauma. But all it achieves is further and further distancing from the self.

The third and most troubling aspect which humans have relinquished to machines is responsibility. The hope that technology will save us is misguided, given that technology only cares about itself. It also doesn’t care about clean air, water, or habitable conditions for fragile, DNA-based life forms. We put all of our trust and hope into technology, along with the responsibility for cleaning up our own messes. But responsibility is what happens when we own up to the truth that we are and have always been the one and only master of whatever happens to us. As long as this civilization feels entitled, it will continue to fall victim to its own irresponsibility.

Lovestruck humans have been nurturing a millennia-old delusion about what our future is, and how we get there. In fact, we have been deluding ourselves that we are progressing. Each generation of humans has been reared with the delusion that it is better off than the generation before: better health, better well-being, more happiness. While this may be true when looking at macroeconomic factors, it is safe to say that we are beginning to fail in critical aspects. Our quality of life is diminishing, and this is evident in the fact that increasingly large parts of our economy are focused on ways of managing and healing the many physical and spiritual ailments we are sustaining in the name of progress.

Each example of “progress ” comes with a counterargument. For example, the obesity epidemic is the direct result of so-called progress in our food industry: there has been tremendous progress in increasing the shelf-life of products, while at the same time making them highly addictive and full of chemicals. Mass food production and quantity have been prioritized at the expense of nutritional quality. Frightening progress in the area of marketing boosted the consumption of this overprocessed food even further, making junk and snack food part of the family culture, and setting humans on a path to diabetes, obesity and cancer from the first days they come into existence on the planet. Our wellbeing has been going into reverse for a long time now. We may live longer, but this is due to technologies and medicines addressing modern diseases that did not even exist before. The reality is we have many more ailments today, as well as more things to worry about.

Our current predicament has already answered the question “will humans be happy in this future world?” There are record levels of depression and anxiety, which most of us accept as a benign compromise of “modern living”. We have blindly accepted that in this new, polluted and mechanised world, we are meant to be busy, to be stressed, sleepless, and unhappy. Yet we don’t recognize that this is not an ordinary unhappiness, but a deep existential crisis that is here to stay, simply because we said goodbye to all our previous worlds: we relinquished our freedom, our happiness, and our responsibility. Without thinking twice, in our rush to achieve each new milestone in our civilization we galloped forwards, leaving behind both body and mind.

Continuing to adopt machine-defined as opposed to human-defined ideals of happiness, we naively assumed that we would be happier and more fulfilled in a world that was more functional. All our models of progress focused on increasing our every-day convenience, rather than in developing our well-being. We have left a lot of our life up to automation and “efficiency”, without realizing the negative effects of this. Our mechanised educational system is focused on developing skills, rather than developing humans. It prioritizes building specialized humans with “skills” and “qualifications”, rather than whole ones with a world view, critical thinking, moral compass and a conscience. Our work has moved from real jobs to “bullshit jobs”, from making stuff to handling stuff, and from doing to re-doing. We may have built machines to automate our lives, but we became machines ourselves in the process.

In fact, it would seem that we are beginning to look more and more similar to each other, as if we are industrially-made products ourselves. Just like the cheap, mass-manufactured products that they created, humans have become more single-layered, predictable and plastic. Society has become a factory churning out almost identical humans who are ready to consume more, think less, and never dare to stray away from the assembly line of the factory, or they’ll be quickly chucked into the bin labelled “unsellable”. We have become the sweatshop-made, barcoded, budget version of our former selves. Our worth is pre-set, our whereabouts are known at all times, and our usage is clearly limited by the safety label in the back of the packet.

It is easy to see the damage that our love affair with machines has inflicted on us in as little as just one generation. The conversations I have with my mother about her childhood are most enlightening. In my mother’s house, there was no fridge. Families would prepare their own food and find ingenious ways to store it. People were very poor, but much fulfillment came from being connected to the food production process. I remember my mother’s story about making home-made pasta, using locally sourced flour, butter and eggs which of course have a much higher nutritional content. After the dough was made, sheets and strings of pasta dough were suspended from every piece of furniture in the house in order to air-dry, before it was to be cut to pieces and stored for the winter. The entire family was involved in the production, and my mother’s main role as a little girl was to make sure the cats were kept away from jumping on the strings of pasta while it dried. The food was more nutritious, and the family was making memories, feeling connected with each other, feeling grateful to the mill that gave them the flour, the hens that laid the eggs, the generosity of nature and the community they lived in. Compare this to the five seconds it takes to grab a stale imported packet of bleached pasta and throw it in the supermarket trolley. Are we happy in our new world? Are we even alive?

It is no wonder that some of us are asking this, given that much of our life has become virtual: our friends, our workplaces, our leisurely activities. We are becoming algorithms, avatars, trying to navigate a world that is not just a step change from where we are, but a massive leap into the unknown. Can our mental and physical health handle it? There are signs that many of us are feeling lost as well as oppressed in such a world. There is increasing pressure to conform to stereotypes propagated by the metaverse, projected on to us by an economic system that is only interested in making us efficient consumers. In the name of living up to our online avatar and the perfect person we are expected to be in this new world, we are increasingly asked to compromise our personal life, our data, anything that makes us look “different”, at the risk of being chucked into the “unsellable” bin. Racism and discrimination take on much more covert, digital incarnations, escaping detection.

The more humans become isolated from each other through layers and layers of algorithm, the more they embark on a terrifying, desperate quest to “find themselves” in the dark digital universe, rather than in the right here, right now. It is no wonder that there is a entire industry of life coaching set up to monetize our new insecurities in this environment, and a pathological blogging and social media culture aimed to convince people that they are not good enough, both physically and mentally, so that they purchase “life-yoga solutions”.

Modern civilization is looking increasingly like a botched plastic surgery: we went in for a huge facelift job so that we can look great on the outside, without even asking about the internal complications in the medium term. Rather than stepping back and considering our place, we are adding one plastic surgery on top of another as our psychological coping strategy.

In a much broader sense, our natural world won’t be happy if we don’t manage to be happy first. We are taking out our mental illnesses on Earth, mindlessly destroying our natural heritage in order to fuel consumption and other addictions. In order to finance this habit, some of us accept to take high-paying corporate jobs that increasingly lead to burnout, discrimination, exploitation and further isolation and dehumanisation that we willingly subject ourselves to. We are driving ourselves mad as well as physically ill, for nothing.

And yet we still choose to call all of this, “progress”. Our toxic love affair continues, unabated.

segunda-feira, 22 de maio de 2023

Dia Mundial do Gótico


O Dia Mundial do Gótico é comemorado anualmente em 22 de maio. O site Official World Goth Day o define como "um dia em que a cena gótica celebra seu próprio ser e uma oportunidade de tornar sua presença conhecida no resto do mundo".

O Dia Mundial do Gótico originou-se no Reino Unido em 2009 inicialmente como Dia Gótico, uma celebração em menor escala da subcultura gótica inspirada na transmissão de um conjunto especial de programas na BBC Radio 6.

O DJ gótico baseado no Reino Unido 'Lee Meadows', também conhecido como DJ 'Cruel Britannia' (agora conhecido como 'BatBoy Slim') escreveu um blog no MySpace sugerindo a ideia de iniciar um 'Dia Gótico' para uma recepção muito positiva. Em 2010, ele e o DJ gótico residente em Londres 'martin oldgoth' (minúsculas no nome intencional) decidiram levar o conceito globalmente, tanto 'como um pouco de diversão' quanto para criar um ambiente de positividade e unidade dentro da comunidade gótica. Um site oficial e presença na mídia social foram consequentemente criados com o objetivo de promover a ideia de um 'Dia Mundial do Gótico' e também fornecer uma lista abrangente de eventos internacionais que ocorreriam na data escolhida de 22 de maio. Também neste ponto, John Holley interveio para empreender e continua a administrar a página oficial do Facebook para o Dia Mundial do Gótico.

O Dia Mundial do Gótico celebra os aspectos subculturais da subcultura gótica. Aspectos da cultura como moda, música e arte são celebrados por desfiles de moda, exposições de arte e apresentações musicais. Muitos dos eventos apresentam bandas góticas locais, e alguns assumiram um aspecto de caridade com eventos no Reino Unido e na Austrália apoiando instituições de caridade favorecidas como a Fundação Sophie Lancaster do Reino Unido, uma instituição de caridade que tenta conter o preconceito e o ódio contra as subculturas.

sábado, 20 de maio de 2023

Rebelde: Agustina Bessa-Luís


"Sendo que a vida humana é dominação organizada, e o princípio da realidade é adaptação a essa mesma dominação - há a rebeldia como actividade nobre." - Agustina Bessa-Luís

sexta-feira, 19 de maio de 2023

Encontros Improváveis - Fernando Pessoa e Kira Yustak


A Noite É Muito Escura

É noite. A noite é muito escura. Numa casa a uma grande distância
Brilha a luz duma janela.
Vejo-a, e sinto-me humano dos pés à cabeça.
É curioso que toda a vida do indivíduo que ali mora, e que não sei quem é,
Atrai-me só por essa luz vista de longe.
Sem dúvida que a vida dele é real e ele tem cara, gestos, família e profissão.
Mas agora só me importa a luz da janela dele.
Apesar de a luz estar ali por ele a ter acendido,
A luz é a realidade imediata para mim.
Eu nunca passo para além da realidade imediata.
Para além da realidade imediata não há nada.
Se eu, de onde estou, só veio aquela luz,
Em relação à distância onde estou há só aquela luz.
O homem e a família dele são reais do lado de lá da janela.
Eu estou do lado de cá, a uma grande distância.
A luz apagou-se.
Que me importa que o homem continue a existir?

Alberto Caeiro, in "Poemas Inconjuntos"

Análise
Este poema é datado de de 11 de Novembro de 1915, mesmo ano da morte de Caeiro.

Comecemos pela paisagem do poema. O poeta olha, de noite, uma luz numa casa distante. A princípio ele olha a luz da janela e compreende instintivamente que a luz representa a presença de alguém naquela casa, de uma outra vida. É essa semelhança a si próprio que o faz "sentir-se humano dos pés à cabeça". Mas apenas momentaneamente. Pois se Caeiro olha a luz e é levado a compreender a presença humana por detrás da luz, logo de seguida ele percebe que na realidade ele não quer pensar na existência da luz, mas apenas contemplá-la enquanto luz à distância.
Ver a luz apenas enquanto luz – e não enquanto um símbolo ou um objecto ideal intermédio entre a luz e a presença humana na casa, revela-nos em essência o que de mais importante reside no pensamento filosófico de Alberto Caeiro: ele é um objectivista. Ele diz, no "Guardador de Rebanhos": "Penso com os olhos e com os ouvidos / E com as mãos e com os pés / E com o nariz e a boca” (poema IX).

O que é "pensar com os olhos"? Pensar com os olhos é aceitar simplesmente o que recebemos dos nossos sentidos, sem sentirmos necessidade de pensar nisso. Pensar com os olhos é apenas ver, sem ter necessidade de pensar. Para Caeiro basta-lhe o que os seus olhos vêem – é assim ser natural, é assim que a Natureza funciona. Apenas os homens insistem em ir para além da Natureza, e Caeiro pretende um regresso ao "ser natural", um regresso à simplicidade, à "realidade imediata"; porque "para além da realidade imediata não há nada", diz-nos ele neste poema que agora analisamos.

Tanto é assim que, quando a luz se apaga, também se apaga o interesse de Caeiro. Porquê? Porque ele olhava a luz e não o que a luz significava (a presença humana, da família).
Todo o poema é uma metáfora para o engano que é pensar nas coisas, quando podemos simplesmente observá-las. Os homens, ao verem a luz na janela, nunca conseguem só ver a luz na janela, querem pensar em quem a acendeu e a quem pertence a luz e porque a luz existe, acesa, naquele instante. O exemplo da luz serve para tudo o resto – os homens querem sempre compreender o porquê das coisas, mesmo que as coisas possam não ter um porquê. As luzes acesas são afinal tudo o que vemos, tudo o que ouvimos, tudo o que sentimos e querer compreender o porquê da luz, é querer compreender o porquê de todas as coisas, quando as coisas não têm (para Caeiro) um porquê que seja acessível à compreensão humana.
"Pensar é estar doente dos olhos", diz Caeiro no poema II do "Guardador de Rebanhos. Este poema é um exemplo disso mesmo, de como não devemos ir além do que vemos, porque essa já é toda a realidade e o resto, o pensar na realidade que vemos, é apenas "estar doente".

sábado, 4 de fevereiro de 2023

Escultura - Mount Recyclemore


Rush, now 60, has dedicated his life to recycling, at whatever level. I Am a Mutoid, a new film by Letmiya Sztalryd airing on BBC Four on Sunday, profiles this genial outsider artist who most recently hit the headlines with Mount Recyclemore, a sculpture depicting the G7 leaders in recycled metal and electronic components, positioned to face them as they met in Cornwall this month. That work was created by Rush and collaborator Alex Wreckage (possibly not his real surname) to indict the mountains of defunct computers and outmoded mobile phones slowly choking the planet. Does he think Johnson, Biden and the others will take heed? “Probably not,” he says, “but this is a ground-up movement. Ordinary people around the world seemed touched and inspired by it. Maybe our leaders will eventually catch up.”

Rush’s career as a salvage artist began one midsummer’s morning in the early 1980s when he was in the bath. He decided to shave off his hair. Once shorn, he went out on to Portobello Road in London, but he felt self-conscious so he came back in and glued a rabbit pelt to his bald head, then went out again. Later, he gussied the rabbit fur into a kind of Mohican and became something of a local character, looking like a figure from 2000AD, the British weekly comic he’d loved as a kid that featured a dystopian Mega-City. “You learn a lot from looking funny. Some people get scared, some angry. Sometimes you have to fight. And sometimes you find people who don’t feel threatened.”

He became obsessed with wheels, keeping motorbike spare parts and drip trays for oil in his bedroom. His hands were rarely clean. In London in 1984, he and a bunch of ex-punks formed the MWC. They put on parades down Portobello Road looking like cyberpunk comic book heroes or extras from the Mad Max franchise. They drove mutated motorbikes and flat-bed trucks from which flames rose into the sky, to soundtracks of snarling guitar and dub reggae. These events were a cross between theatre, circus, installation art and – as often as not – really bad traffic jams. “I had no desire to be taken over by society,” says Rush, “or be part of the straight world. I didn’t want to have roots. I wanted to keep on the move.”

He was inspired by his late father, the artist and single parent Peter Rush who, in the late 1960s and 70s, decided the family should hit the road. Peter bought a caravan, painted it jauntily and set off from Romney Marsh in Kent. They got as far as Salisbury, where Peter was knocked over by a car and injured so badly that life on the road came to an end. The MWC was, in part, a reprise of that alternative lifestyle: a collective of artists, musicians and disaffected Britons who creatively reinvented themselves as a tribe of human mutants living on the road, in squats, and – in Rush’s case at one point – a decommissioned Korean war helicopter sitting in a junkyard.

If you don’t mutate, you’re dead. That’s why I'm drawn to being on the road. My life has been about reclaiming the nomadic spirit
They were treated as pariahs by the early 1980s club scene in London, refused admission for looking too weird or potentially troublesome. So they created their own culture, a party scene in squats and abandoned warehouses that predated and inspired late 1980s rave culture. “The Thatcher years were really hard on us,” says Rush. “We became part of the traveller community who experienced persecution.” The culmination of that persecution, Rush tells me, was the Battle of the Beanfield in 1985. The Mutoid Waste Company joined about 140 vehicles known as the Peace Convoy, which headed to Stonehenge for a free festival. But English Heritage took out a last-minute injunction banning the festival and police arrested 537 people from the convoy after a bloody battle.

“That was it for us,” says Rush. “We were effectively driven out of the country.” He and his friends went into exile on the continent for a decade, only occasionally popping back. “In Europe, there wasn’t anything like a party scene or illegal warehouse parties. So we started putting on shows. We were mostly welcomed, unlike at home.” Why didn’t you just settle down? “That wouldn’t have been the mutoid way,” he laughs. But what is the mutoid way? “We’re mutating all the time. If you don’t mutate, you’re dead. That’s why we’re drawn to travellers and being on the road.”

Rush thinks humanity took a wrong turn when we became farmers and set aside the nomadic, hunter-gatherer existence that had characterised our species until then. “My life has been about reclaiming that nomadic spirit. All the festivals we’ve taken part in over the years are really just an echo of what happened when nomadic tribes came into the valleys in summer and partied.”

But he is not the refusenik outsider he used to be. “The key moment came when one of my sons got sick from Agent Orange or DDT or whatever it was left in Berlin’s no man’s land. He needed more serious treatment than dangleberries and herbal tea.” In 1995, after 10 years wandering Europe, he and the MWC returned to Britain, where his son got proper hospital treatment and Rush made his peace with straight society for the sake of his family.

Before Mount Recyclemore, he was probably best known for his long association with Glastonbury. In 1987, the mutoids were allocated a field at the festival site. There, the recyclers built Carhenge and surrounded it with what Rush calls “an apocalyptic Disneyland on acid”. There were sculptures, installations and dinosaurs assembled from scrap metal. Drums were omnipresent and festivalgoers at various levels of consciousness joined the mutoids in beating oil barrels, car wrecks and metal statues.

In later years, Rush’s pyrotechnical spectacles, animatronic robots, sculptures, stage shows and mutant parade of strange vehicles driven by even stranger humans have become key to Glastonbury’s ethos. Rush was behind such annual spectacles as Unfairground, Trash City, Joe Strummer’s Memorial Tree (made from exhaust pipes) and a giant mechanical phoenix that hung over the Pyramid Stage as the Rolling Stones headlined in 2013. Most recently, he built Glastonbury on Sea, a replica of a seaside pier which seemed to imagine the kind of architecture Somerset will need if sea levels rise thanks to the climate crisis.

In 2012, he was invited to art direct and perform the closing ceremony of the Paralympic Games in London. The pariah had become a national treasure. “We’d been hounded out of Britain and now we were representing Britain. The whole thing blew our minds.” During the ceremony, Prince Edward arrived in a mashup of a 1930s gangster car and an Afghan armoured vehicle, and then the MWC drove into the stadium in salvaged, pimped-up rides and put on a show that was as visually compelling as Danny Boyle’s opening ceremony for the Olympics earlier that summer.

Lockdown has given Rush the chance to concentrate on creating other things. Fossil-like works mostly, made from spanners and bike chains, as well as a sculpture consisting of all his dogs from over the years, their heads and bodies crafted from repurposed drills, carburettors and other detritus. It’s a touching memorial: pets reborn as trans-canine mutants.

Some of his work was recently on show at Fulham town hall in London, part of a show called Art in the Age of Now. Does this mean Rush is finally joining the art world, and moving from the street and field to the gallery? “I’ve never wanted to be part of the art world,” he says, “because that would involve cosying up to people I don’t really understand or like.”

While he is a contemporary of such YBAs as Damien Hirst and Tracey Emin, unlike them Rush never went to art school or had his oeuvre collected by Charles Saatchi. That said, he has worked with Banksy and Hirst. The latter gave him tips on how to make bronze versions of sculptures originally created from recycled aluminium.

When lockdown ends, he is hoping to return to his European travels – and put on exhibitions in museums. “I don’t want to be in galleries,” he says. “I want to be in museums like the V&A, Tate Modern and the Musée d’Orsay in Paris.” What’s the distinction? “Private galleries own you and your art. I don’t want that. My principle has long been that if a child thinks a work of art is bollocks, it’s probably no good. Kids can see through nonsense. And I try to remain a child in that sense. Some people think you need to grow up. You don’t. You just need to learn how to keep playing. I’m lucky enough to be still doing that.”