Vígundr - Draumspaki

A tradução do título Draumspaki vem do nórdico antigo, sendo a junção das palavras draumr (sonho) e spaki (sabedoria ou dom da profecia), resultando em termos como "Sabedoria dos Sonhos", "Adivinhação pelos Sonhos" ou "Aquele que interpreta sonhos". Na tradição nórdica antiga, os sonhos eram encarados como visões proféticas enviadas pelas Fylgjur (espíritos protetores) ou pelos próprios deuses para antecipar o destino imutável (Örlög). Como a música do Vígundr não possui uma letra convencional - utilizando apenas vocalizações atmosféricas, cânticos guturais, sussurros e instrumentos ancestrais -, o vídeo funciona como um poema audiovisual focado no estado de transe e na viagem astral. Ele retrata o limiar entre o sono e a vigília, evocando as antigas práticas de feitiçaria e xamanismo nórdico (Seiðr), onde o isolamento na natureza, o fogo e a fumaça servem de conduíte para desligar a mente do mundo físico e navegar pelo inconsciente.
Musicalmente, a obra transita pelo Pagan e Dark Ambient, com fortes traços de Neofolk e Dungeon Synth, priorizando drones contínuos, tambores xamânicos e texturas soturnas para criar uma atmosfera hipnótica e meditativa, muito alinhada a uma vertente mais abstrata do folk nórdico. Suas influências conceituais bebem diretamente da literatura das Sagas e da Poética Edda - em especial relatos como Baldrs Draumar, onde os sonhos prenunciam o inevitável -, mas também dialogam com a Psicologia Analítica de Carl Jung, tratando o sonho como a linguagem pura dos arquétipos e do inconsciente coletivo. Além disso, há um fundo do Romantismo Sombrio e do Existencialismo, expressos pelo fascínio pela solidão, pelo sublime da natureza selvagem e pelo confronto do indivíduo com o mistério e com a sua própria sombra.Mary Anlezark vive e produz o seu trabalho a partir da Austrália.
Vale a pena rever e ouvir:Viktor Orri Árnason - Hino da Terra

After The Sin - Morning Blue

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A canção "Morning Blue", da banda polaca After The Sin, destaca-se no panorama independente europeu por fundir de forma brilhante a melancolia introspetiva do darkwave e do coldwave com a energia física e pulsante da Electronic Body Music (EBM). Originária de Poznań, um importante polo da subcultura gótica na Polónia, a banda constrói em "Morning Blue" uma atmosfera que une o peso de baixos sintetizados e repetitivos a batidas eletrónicas secas e marciais, herança direta do som industrial das pistas underground dos anos oitenta. O título do tema faz um trocadilho poético entre a luz gélida do amanhecer e o estado de depressão profunda, traduzindo liricamente a paralisia emocional, o isolamento e a obsessão por um passado que o eu lírico é incapaz de superar. Essa angústia é esteticamente representada no seu videoclipe através de sombras marcantes, tons frios e cortes claustrofóbicos que confinam os integrantes nos seus próprios labirintos mentais. No campo das ideias, a composição bebe diretamente do Romantismo Sombrio do século dezanove, onde a dor e a melancolia são as expressões máximas de sensibilidade, ao mesmo tempo que dialoga com o Existencialismo de filósofos como Jean-Paul Sartre e Albert Camus ao retratar o aprisionamento da consciência e a alienação do indivíduo diante de um mundo indiferente. Concluindo, "Morning Blue" é uma obra que traduz a agonia mental contemporânea através de uma interpretação vocal fria e de um ritmo agressivo feito tanto para a reflexão filosófica como para a catarse na pista de dança.

Página Oficial

After the Sin

Haunted House - Deep

LetraIn the corners, where the secrets creep,You bury your lusts in the heart of sleep.Whispers of sin that you can’t confess,Locked in the dark, where the demons rest.
Eyes wide shut, but the visions burn,Desires so deep, they twist and turn.Tangled in chains of your own design,Craving the edge where the darkness binds.
deep, so deep
Fetish of flesh, a forbidden rite,A dance with the void in the dead of night.You taste the taboo, it’s bittersweet,The deeper you go, the more you’re complete.
You drown in the dark, where your fears reside,No escape from the thrill, no place to hide.Desire and dread in a twisted embrace,In the deep, you’ve found your place.
deep so deep
O projeto musical Haunted House, lançado pela editora alemã Cold Transmission Music e concebido pelo músico Philippe Marlat (frequentemente associado à cena eletrónica e darkwave europeia, com fortes ramificações em Itália e França), destaca-se na cena vanguardista de horror abstrato e música eletrónica sombria. No que toca ao estilo musical e visual do tema "Deep", o som de fundo combina elementos de Witch House, Dark Ambient, Industrial e Glitchcore, resultando numa estética musical de vanguarda que recorre a ruídos, batidas distorcidas, sons de estática e frequências desconfortáveis propositadamente desenhadas para gerar ansiedade. Visualmente, o vídeo de animação digital adere à vertente do CGI Surrealista e Voidcore, utilizando uma modelagem 3D intencionalmente rudimentar — ao estilo low-poly ou de jogos de computador antigos — enriquecida com texturas fotorrealistas sobrepostas, como o sangue e os vermes, que visam causar um efeito imediato de asco, estranheza e transe hipnótico.
Relativamente ao significado do vídeo "Deep", e como sucede com a maioria das obras de arte surrealistas e abstratas, não existe uma resposta única ou de "manual", mas a comunidade de arte digital e de horror psicológico costuma interpretá-lo através de metáforas bastante pesadas sobre o subconsciente. Por um lado, a cruz a sangrar representa a espiritualidade corrompida, simbolizando a perda da fé, a culpa religiosa ou o peso do pecado, ao mesmo tempo que mostra o sagrado a ser violado pelo profano, servindo de representação visual de uma mente em sofrimento moral ou espiritual profundo. Por outro lado, a presença dos vermes remete para a decomposição em vida, representando a inevitabilidade da morte, a podridão e a decadência; no contexto do vídeo, estes sugerem que algo dentro da personagem, seja uma memória, um sentimento ou a própria sanidade, está a apodrecer enquanto esta permanece "viva" e se move naquele ritmo mecânico e inexplicável. Por fim, o próprio título "Deep" (Profundo) refere-se ao ato de mergulhar fundo na própria psique, acedendo às partes da mente que habitualmente tentamos esconder, tais como os nossos traumas, medos biológicos, como a aversão a vermes e o medo de sangue, e crises existenciais. Em resumo, o vídeo configura uma representação abstrata de uma mente em colapso ou num estado de depressão profunda, sendo como se o criador tivesse transformado a sensação de agonia interna e de culpa em imagens de um pesadelo computadorizado.
Este poema de Haunted House evoca uma atmosfera gótica, psicológica e intensamente visceral, transitando entre o terror psicológico, o existencialismo e o erotismo sombrio da transgressão. Na filosofia, a influência mais direta reside em Georges Bataille e a sua exploração da relação íntima entre o erotismo, o tabu e a morte, onde o fetiche da carne surge como uma tentativa de alcançar a totalidade existencial através do proibido. Este abismo dialoga com Friedrich Nietzsche e o confronto com a nossa própria escuridão interna, bem como com Sigmund Freud e o conceito de Id, onde os desejos reprimidos e os impulsos de morte e prazer se fundem no confessionário do sono.
Na poesia, o texto ressoa fortemente com as visões de Charles Baudelaire em As Flores do Mal, onde o pecado, a carne e o bizarro se transformam em arte, encontrando eco também no surrealismo violento de Conde de Lautréamont e na obsessão de Edgar Allan Poe pela culpa autoimposta e pelo confinamento da mente.
Esta herança literária e filosófica ganha uma tradução visual e interativa marcante no cinema e nos videojogos. A nível cinematográfico, a referência a "olhos bem fechados" remete imediatamente a Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, com os seus rituais secretos e desejos reprimidos, cruzando-se com o universo de Hellraiser, de Clive Barker, onde o prazer extremo e a dor se abraçam na escuridão, e com o body horror de David Cronenberg, que explora a fusão entre a carne e a obsessão psicológica. Já no panorama dos videojogos, o paralelo perfeito encontra-se em Silent Hill 2, uma obra-prima sobre a punição autoimposta e monstros que materializam fetiches e traumas reprimidos. A estética gótica e industrial de Vampire: The Masquerade – Bloodlines e a descida literal e metafórica às profundezas da mente em Amnesia e SOMA completam este mosaico de referências, onde o medo e o desejo se tornam uma coisa só.

Silentways - Aeon

LetraLeave your lipsOn my neckUtterly sweetTempting tasteYour honeyGive meLeave your handsOn my backTouching meThoroughlySo smoothlyGive meCaptivating invitation
Pull me towards youDominating explorationPull me towards youStimulating timeless pacingPull me towards youFascinating liberationPull me towards you
Significado da cançãoO significado da canção "Aeon" (termo que remete para um éon, um período de tempo imensurável ou eterno) reside na exploração da dualidade entre o desejo físico e a transcendência temporal. Numa primeira fase, a composição descreve uma entrega e uma intimidade pautadas por uma atração física quase magnética, focando-se explicitamente no toque e no magnetismo dos corpos através de versos como "Leave your lips on my neck" e "Leave your hands on my back". Posteriormente, surge o efeito do tempo através da expressão "timeless pacing", momento em que o refrão transforma essa urgência carnal numa experiência hipnótica e espiritual. O uso da palavra "Aeon" e a alusão a um ritmo estimulante que desafia o tempo sugerem que, perante uma conexão profunda com o outro, a perceção temporal simplesmente desaparece. Deste modo, o plano físico transmuta-se em algo eterno, criando um espaço abstrato onde o tempo exterior deixa de importar e os indivíduos se fundem por completo na melancolia e no transe da música.

Clan of Xymox - There´s No Tommorrow

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[Spoken]Woman: What a lovely evening, I wish it would last foreverMan: Forever's a long time, baby, I can't think in those termsI never couldWoman: But when something is good don't you want it to last forever?Man: Sure, but good things never doWoman: Not even us?Man: Are we still good?Woman: Aren't we?Man: Now that you come to mention it, no, not anymoreCome on, let's stop kidding ourselves. Look, it was sweet while it lasted, boy it was sweet, it's going sour, isn't it?
[Verse 1]I wake up in the dark, there’s no tomorrowSomeone said, we are lostI wake up in the dark, there’s no tomorrowSomeone said, we are lostI look up at the stars they portent my sorrowA thousand miles we drift apartCan’t you see I’m all broken heartedAll our love fades away
[Pre-Chorus]Carry the torch for me and give me something newYou said you wanted to but it’s now long overdueAt the summit of perception a blackness starts to riseAt the summit of deception I look into your eyes
[Chorus]I gave you all my love, where did you follow?I see no light in dark, there’s no tomorrowI see the way ahead where love lies fallowI lost you on the way, all seems so hollow
[Verse 2]In the twilight of our dreams, as bad as it seemsSorrow ’s hanging over me, the way it used to beIf only I could change the course, a change in degreeTake a look at your own life, the way you used to be
[Pre-Chorus]Carry the torch for me and give me something newYou said you wanted to but it’s now long overdueAt the summit of perception a blackness starts to riseAt the summit of deception I look into your eyes
[Chorus]
[Bridge]Can’t you see? all comes backCan’t you see? we don’t connectCan’t you see? all comes backCan’t you see? we don’t connect
[Chorus]
O Significado da CançãoO próprio mentor da banda, Ronny Moorings, já explicou em entrevistas que a música aborda o fim doloroso de um relacionamento amoroso, mas sob uma ótica niilista.
A letra descreve alguém que percebe claramente que a relação está a morrer ("All our love fades away" / "I see no light in dark, there's no tomorrow"), mas que ainda assim tenta, de forma desesperada e quase inútil, salvar o que restou. Existe um forte sentimento de frustração, solidão e falta de sintonia mútua ("Can't you see, we don't connect"). O ritmo acelerado da música engana, pois contrasta propositadamente com a sensação de estar preso num vazio emocional e sem perspetiva de futuro (daí o título "Não Há Amanhã").
De onde foi retirado o diálogo inicial?O diálogo dramático entre o homem e a mulher logo na introdução da música foi retirado do filme "Bitter Moon" (Lua de Mel, Lua de Fel), um thriller erótico e psicológico de 1992 realizado por Roman Polanski.
Por que razão foi escolhido?No filme, os protagonistas (interpretados por Peter Coyote e Emmanuelle Seigner) vivem uma paixão avassaladora que gradualmente se transforma numa relação tóxica de codependência, jogos sadomasoquistas e tortura mental.
Ronny Moorings escolheu esse excerto exato porque a atmosfera autodestrutiva do filme reflete perfeitamente a decadência amorosa e o tormento psicológico relatados na letra da canção.

:Wumpscut: - Schrekk & Grauss

O :Wumpscut: é um projeto musical de nacionalidade alemã, criado em maio de 1991 na Baviera pelo DJ Rudy Ratzinger, consolidando-se como um dos nomes mais influentes da música eletrónica industrial, do dark electro e do aggrotech. A faixa "Schrekk & Grauss", lançada em 2011 como música-tema do álbum homónimo, traz no seu título uma grafia estilizada das palavras alemãs Schreck e Graus, que significam literalmente "Susto e Horror" ou "Terror e Pavor". Musicalmente, a obra mergulha numa estética de terror caricato, misturando sintetizadores sombrios, batidas eletrónicas pesadas e vocais distorcidos com melodias que remetem a circos macabros ou bandas sonoras de filmes de terror antigos. Fiel ao estilo do projeto, a canção utiliza o grotesco e o choque para explorar a psicologia humana e a sua estranha obsessão pelo medo e pela violência. Ao criar esta atmosfera de pavor dançável, Rudy Ratzinger coloca o ouvinte diante do desconforto, usando o horror como uma metáfora para a decadência moral, o sofrimento e as facetas mais sombrias da própria humanidade.
Enquanto muitas bandas do género se focam apenas num som puramente agressivo, acelerado e linear, feito exclusivamente para as pistas de dança góticas, o :Wumpscut: sempre teve uma forte componente conceptual e cinematográfica. Rudy Ratzinger constrói camadas melódicas muito melancólicas, quase teatrais, e mantém uma crueza "lo-fi" e analógica que se perdeu no aggrotech moderno, mais limpo e digital. É essa capacidade de unir a violência sonora a uma atmosfera genuinamente doentia e artística que torna o projeto tão único e cativante.
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Klændestine - The Watcher

I am the guardian
The one who sees everything
I do not participate I watch
The details, the gestures and the looks

I pierce the mysteries
The moments of grace
The abandonment of the senses, the reluctance
I film, I examine 

The little abandonments of my love
I watch, I look after, I take care
Three meanings in one word
I am the watcher 

Epileptic Lord
Where are you?

O Klændestine é um projeto musical internacional de origem anglo-francesa que une veteranos da cena underground europeia. A banda é fruto de uma colaboração transfronteiriça entre Usher San, uma figura histórica do movimento coldwave de Dijon, na França, e Martin Bowes e Julia Waller, integrantes da icónica banda de pós-punk e industrial britânica Attrition, baseada em Coventry, na Inglaterra.

O estilo musical do grupo situa-se firmemente dentro de vertentes eletrónicas sombrias, sendo classificado predominantemente como darkwave e coldwave, com fortes pinceladas de dark ambient e eletrónica industrial. Sonoramente, a faixa The Watcher é marcada pelo uso de sintetizadores analógicos minimalistas, batidas mecânicas e linhas de piano melancólicas, contrastando uma voz masculina sussurrada e soturna com vocais femininos etéreos.

O videoclipe de The Watcher, filmado em Dijon sob a direção de Sébastien Fait Divers, carrega um significado profundamente ligado à paranoia urbana, ao isolamento e ao sentimento psicológico de vigilância contínua sugerido pelo próprio título. Visualmente, a produção evoca uma atmosfera cinematográfica claustrofóbica e expressionista que serve para ilustrar a alienação moderna, ao mesmo tempo em que registou o primeiro encontro físico dos músicos após um longo período trocando ideias e arquivos à distância através do Canal da Mancha.

Embora essa atmosfera densa e introspectiva evoque temas comuns à literatura modernista, não existe nenhuma ligação direta ou inspiração oficial na obra do escritor irlandês James Joyce. A associação mental com o autor é compreensível devido a paralelos estéticos espontâneos: a figura do observador solitário que vaga pela cidade remete ao fluxo de consciência de personagens urbanos como Leopold Bloom em Ulysses, o sentimento de paralisia e alienação dialoga com os contos de Dublinenses, e a própria natureza multicultural do projeto Klændestine espelha o trânsito de Joyce entre o mundo anglófono e a Europa continental, em especial a França. 

1. O conceito de "The Watcher" (O Observador): na literatura modernista — da qual James Joyce é um dos maiores pilares — o conceito do observador distante e do fluxo de consciência (uma mente vagando e observando a cidade, como Leopold Bloom em Ulysses) é muito forte. O clipe traz essa mesma energia de alguém caminhando e vigiando uma cidade cinzenta (Dijon).
2. Conexão anglo-francesa: James Joyce era irlandês, mas escreveu e publicou grande parte de suas obras-primas enquanto morava na Europa continental, especialmente na França (Paris) e em Itália (Trieste). O Klændestine é justamente esse "ponto de encontro" cultural entre artistas da França e do Reino Unido.
3. A paranoia e a decadência urbana: assim como Joyce retratava a paralisia espiritual e o isolamento dos cidadãos em Dubliners (Dublinenses), o visual e as texturas sonoras do Klændestine pintam um retrato de alienação e mistério dentro do cenário urbano moderno.

Todavia, o conceito da música e do vídeo permanece puramente fundamentado na poesia visual e sonora clássica das subculturas gótica e industrial.

Der Blaue Reiter - Words of Silence

O nome do grupo "O Cavaleiro Azul" é uma homenagem direta ao movimento expressionista alemão liderado por Wassily Kandinsky, procurando, tal como os pintores da época, traduzir verdades espirituais através de uma arte emocional e simbólica.

Esta faixa consta do álbum Le Paradise Funèbre: L'Envers du Miroir (2006)

As imagens deste vídeo pertencem a uma das obras mais aclamadas do cinema europeu: o filme "Paisagem no Nevoeiro" (Topio stin omichli), de 1988 do realizador: Theodoros Angelopoulos (um dos mestres do cinema grego).

Sinopse: o filme acompanha dois irmãos - uma rapariga de 12 anos chamada Voula e o seu irmão mais novo, Alexandre - que fogem de casa para tentar encontrar o pai, que eles acreditam viver na Alemanha. A viagem leva-os através de uma Grécia desolada, industrial e envolta em nevoeiro.

Estilo: é um filme profundamente poético, melancólico e visualmente deslumbrante, caraterístico do estilo de Angelopoulos, com planos longos e uma forte carga simbólica.

Der Blaue Reiter - Youtube

Der Blaue Reiter - Spotify

Also - Cold Room

"Cold Room" é uma das faixas mais emblemáticas dele. Na verdade, em 2014, ele lançou uma coletânea remasterizada intitulada Locked In A Cold Room 1990-2001, que serve como uma antologia do trabalho da banda ALSO 
Cold Room(Alexander Dust)
[Verso 1]Inside the cold roomNothing to feelThe walls are movingNothing is realI’m waiting for somethingThat I’ve never seenLost in the shadowsOf where I have been
[Refrão]Locked in a cold roomFrozen in timeWatching the rhythmOf a life that's not mineLocked in a cold roomNowhere to goWaiting for secretsI already know
[Verso 2]The silence is screamingInside of my headCounting the wordsThat I never saidThe light is fadingOutside the doorI don’t want to feelThis way anymore
[Ponte / Final]Just a cold room...Just a grey room...Where the shadows danceAnd the memories bloom.
A canção "Cold Room", de Alexander Dust, é uma exploração profunda da estagnação emocional e do isolamento melancólico, servindo como uma metáfora perfeita para um estado de depressão ou de desorientação psicológica. Ao descrever um "quarto frio" onde as paredes se movem e nada parece real, o autor transporta-nos para um espaço mental onde o indivíduo se sente desconectado da realidade. O ponto fulcral da letra reside na sensação de despersonalização, visível quando o eu lírico afirma estar a observar o ritmo de uma vida que já não sente como sua, como se fosse um mero espectador da própria existência, paralisado e "congelado no tempo".
O segundo verso introduz uma angústia mais ativa, onde o silêncio se torna ensurdecedor e as palavras que ficaram por dizer pesam na consciência. Há um desejo de fuga — um cansaço de sentir este vazio — mas a música termina com uma aceitação sombria: o quarto cinzento é o lugar onde as sombras dançam e as memórias, embora dolorosas, são as únicas coisas que ainda "florescem". 

Of The Wand And The Moon - Your Love Can't Hold This Wreath Of Sorrow

Canção do álbum Your Love Can't Hold This Wreath Of Sorrow (2021)

Original (Inglês)

Your love can't hold this wreath of sorrow

Your love can't hold this wreath of sorrow

The stars are falling from the sky

And I am just a passerby

Your love can't hold this wreath of sorrow

Your love can't hold this wreath of sorrow

The sun is setting in the West

And I am just a ghost at best

Tradução 

O teu amor não consegue segurar esta coroa de mágoa

O teu amor não consegue segurar esta coroa de mágoa

As estrelas estão a cair do céu

E eu sou apenas um transeunte

O teu amor não consegue segurar esta coroa de mágoa

O teu amor não consegue segurar esta coroa de mágoa

O sol põe-se no Ocidente

E eu sou, no máximo, um fantasma

A canção de Kim Larsen sob o projeto Of The Wand & The Moon é uma meditação sombria sobre a inevitabilidade da perda e a profunda insuficiência do amor humano perante o destino ou uma dor existencial avassaladora. O centro emocional da obra reside na metáfora da "Coroa de Mágoa" (Wreath of Sorrow), um termo que evoca imediatamente a imagem das coroas de flores funerárias, simbolizando um fardo emocional ou o luto por algo que morreu irremediavelmente. A letra sugere que, por mais genuíno ou forte que seja o afeto de outrem, ele é incapaz de sustentar ou curar a tristeza inerente à própria existência do narrador, que parece carregar um peso que não pode ser partilhado.

Essa atmosfera é reforçada por um sentimento de transitoriedade e niilismo, onde o eu lírico se posiciona como um mero "transeunte" ou, no limite, um "fantasma". Estas imagens revelam um desapego amargo do mundo material e das relações interpessoais, aceitando com passividade que as estruturas do universo estão a desmoronar — como "estrelas a cair do céu" — e que o indivíduo é impotente perante a passagem do tempo.

Inserida numa estética noir e num pessimismo romântico, a música não se manifesta como um grito de desespero, mas sim como uma aceitação sussurrada. É o reconhecimento melancólico de que o amor tem limites intransponíveis e que certas mágoas são de tal forma densas que nem o sentimento mais puro consegue oferecer redenção ou suporte, restando apenas o silêncio e a observação do fim.

IAMX - Artificial Innocence

I serve my Queen Submit and concede Tell me how do I get some relief?Land it somewhere in between my Liege  
Watch the slaughter Every nerve and cell And I bow and I contain the pressure Oh she moves me like a pawnWhy can I not help myself? 
Am I colder now? Artificial innocence What am I silicon?Nothing makes sense, where is our united strength?Why do we have to crash and burn just to return to presence?
I serve my Queen Submit I have extraordinary needs I ping pong from silent to deafening

O IAMX é um projeto a solo de Chris Corner, que tem uma história fascinante de transformação constante. 

 Nacionalidade: O projeto é britânico. Chris Corner nasceu em Middlesbrough, na Inglaterra, e formou o IAMX em Londres. No entanto, a identidade do projeto é fortemente marcada pelas cidades onde ele viveu e gravou: passou muitos anos em Berlim (o que influenciou seu som eletrônico sombrio) e, mais recentemente, baseou-se em Los Angeles. 

 O IAMX foi fundado em 2004 (embora os primeiros passos tenham começado por volta de 2002), logo após o hiato da sua antiga banda de trip-hop, os Sneaker Pimps (famosos pelo hit "6 Underground"). 

 Estilo Musical 

É difícil colocar o IAMX numa "caixinha" só, mas o som é geralmente descrito como uma mistura explosiva de: 

Electronic Rock & Synth-pop: Base de sintetizadores potentes com guitarras ocasionais. 

Dark Cabaret: Uma estética teatral e dramática, muitas vezes com ritmos de valsa e uma vibe "noir". Industrial & Darkwave: Especialmente em álbuns mais recentes, com batidas mais pesadas e texturas sombrias. 

Experimental: O projeto foca muito na arte visual e na performance andrógina e visceral de Corner.

A música "Artificial Innocence" do IAMX funciona como uma crítica mordaz e melancólica à desumanização provocada pelo excesso de tecnologia e pelas aparências sociais. Chris Corner utiliza a letra para explorar a ideia de que a pureza e a ingenuidade originais do ser humano foram substituídas por uma versão sintética, uma espécie de "inocência de laboratório" que usamos para mascarar nossos instintos mais sombrios e o vazio existencial.

Ao longo da composição, percebe-se uma obsessão com a vigilância e com o modo como somos moldados para caber em padrões digitais, onde o sentimento real é sacrificado em favor de uma estética de perfeição. A canção sugere que vivemos num estado de entorpecimento, buscando refúgio em mundos virtuais ou comportamentos artificiais para evitar o confronto com a dor e com a própria mortalidade. No fim, a faixa é um retrato visceral do isolamento moderno: estamos todos conectados por redes e fios, mas profundamente distantes da nossa essência orgânica, celebrando uma beleza plástica que não possui alma.

Chelsea Wolfe - Feral Love

[Verse]Run from the lightYour eyes, black like an animalDeep in the wanderAnd care for no one but the offspring of your might
Run from the one who comes to find youWait for the night that comes to hide
Your eyes, black like an animalBlack like an animalCrossing the waterLead them to die
[Chorus]We press for the waterPress for the river, press for the rain
"Feral Love" é a primeira faixa do álbum Pain is Beauty (2013) de Chelsea Wolfe. A música foi utilizada no trailer da quarta temporada de Game of Thrones.
Conflito primal e desejo de liberdade em “Feral Love”Ao abrir o álbum "Pain Is Beauty" com "Feral Love", Chelsea Wolfe destaca o conflito entre instinto selvagem e as regras da civilização, tema inspirado no romance "Sons and Lovers" de D.H. Lawrence. A repetição do verso “Your eyes, black like an animal” (Seus olhos, negros como os de um animal) enfatiza a animalidade e a recusa em se submeter à luz, que simboliza exposição, controle social e racionalidade. O trecho “Run from the light” (Fuja da luz) reforça essa fuga consciente do que é civilizado em direção ao que é primal e instintivo.
O refrão “We press for the water, press for the river, press for the rain / We press for the water, press for the river, press for the pain” (Buscamos a água, buscamos o rio, buscamos a chuva / Buscamos a água, buscamos o rio, buscamos a dor) mostra uma busca intensa por algo essencial, mas também perigoso e doloroso. A água pode simbolizar vida e renovação, mas também travessia e risco, sugerindo a vontade de ultrapassar limites em busca de liberdade, mesmo que isso traga sofrimento. O videoclipe e o filme “Lone” ampliam essa interpretação, ligando a música a temas de natureza, sexualidade e mortalidade, onde o desejo de fuga e autopreservação se mistura à dor inevitável. A presença da faixa em “Game of Thrones” reforça o clima sombrio e a luta pela sobrevivência em ambientes hostis, intensificando o tom da composição.Versão [espectacular]Ao vivo - aqui e aqui

6.6.6. feat. Angel Of Night - Dreh Die Zeit Zurück

Echo Karma - Lost

Nurse With Wound - I Am the Poison

Música do BioTerra: Coil- The Dreamer Is Still Asleep

O vídeo utiliza filmagens do filme "Nostalghia" (1983), dirigido pelo cineasta russo Andrei Tarkovsky
LetraHush; may I ask you all for silence?The dreamer is still asleepMay the goddess keep us from single visionAnd Newton's sleep
The dreamer is still asleepThe dreamer is still asleepHe's inventing landscapes in their magnetic fieldWorking out a means of escapeWe'll cut across the crop circles
The seer says "noNot much time left for these escape attemptsLook at it this wayIn ten years' timeWho'll care? Who'll even remember?"One dies like that, deep within itAlmost inside itIt's there for a reason
I'll give you my old addressAnd take that little bookTo tear and cut the paper
The beginning is also the endTime defines it, time defines itIt will endLike close friendshipNothing could be furtherWe forgetThe space between people and thingsIs emptyWe forgetAnd don't notice the loss
Crossing into venerable degenerationSuch radiant pollutionThe god with the silver hands surveys this vast contaminationThe dreamer is still dreamingThe dreamer is still dreaming
In the heart of your heartYour "I" remainsIs that hurt you? Is that blister you call loveless?Your whole life is a cold slow shockYour whole life is a cold slow shock
Take all your timeTrack the shabby shadow downThrough hissy mists of history
The dreamer is still dreamingThe dreamer is still dreaming
Hush; may I ask you all for silence?Will he wake in time to catch the sunset?Hush; may I ask you all for silent?May I ask you all for silent?

Encontros Improváveis- José Tolentino Mendonça e Arcana - The New Light (Full Compilation)

Os amigos

"Esses estranhos que nós amamos
e nos amam
olhamos para eles e são sempre adolescentes, assustados e sós
sem nenhum sentido prático
sem grande noção da ameaça ou da renúncia que sobre a luz incide
descuidados e intensos no seu exagero
de temporalidade pura

Um dia acordamos tristes da sua tristeza pois o fortuito significado dos campos explica por outras palavras
aquilo que tornava os olhos incomparáveis

Mas a impressão maior é a da alegria de uma maneira que nem se consegue e por isso ténue, misteriosa:
talvez seja assim todo o amor."

José Tolentino Mendonça

Encontros improváveis- Charles Bukovsky e Coil- Panic

quatro e meia da manhã
(Tradução: Jorge Wanderley)

os barulhos do mundo
com passarinhos vermelhos,
são quatro e meia da
manhã,
são sempre

quatro e meia da manhã,
e eu escuto
meus amigos:
os lixeiros
e os ladrões
e gatos sonhando com
minhocas,

e minhocas sonhando
os ossos
do meu amor,
e eu não posso dormir
e logo vai amanhecer,

os trabalhadores vão se levantar
e eles vão procurar por mim
no estaleiro
e dirão:
“ele tá bêbado de novo,
mas eu estarei adormecido,
finalmente, no meio das garrafas e
da luz do sol,

toda a escuridão acabada,
os braços abertos como
uma cruz,
os passarinhos vermelhos
voando,
voando,
rosas se abrindo no fumo
e
como algo esfaqueado e
cicatrizando,
como 40 páginas de um romance ruim,
um sorriso bem na
minha cara de idiota.

Hajime Mizoguchi - Pride

"Pride" é uma composição instrumental profundamente melancólica do violoncelista e compositor japonês Hajime Mizoguchi. Ela é mundialmente reconhecida por fazer parte da trilha sonora do filme de animação de 1999, Jin-Roh: The Wolf Brigade (conhecido no Brasil como Jin-Roh: A Brigada Lobo).

Aqui está o que torna essa faixa tão especial:

Detalhes da Composição 

Artista: Hajime Mizoguchi

Álbum: Jin-Roh (Original Motion Picture Soundtrack)

Instrumento Principal: Violoncelo

Jin-Roh (English Dub) | Movie Part 1

Estilo: Clássico Moderno / Trilha Sonora / Minimalismo

Atmosfera e Significado: Em "Pride", Mizoguchi usa o violoncelo para evocar um sentimento de isolamento e tragédia. No contexto do filme Jin-Roh, a música reflete o conflito interno do protagonista e a natureza sombria daquela realidade alternativa.

Tom: é uma música densa, que começa de forma contida e cresce em intensidade emocional.

Impacto: É frequentemente citada por fãs como uma das peças mais tristes e bonitas da história das trilhas sonoras de anime.

Sobre o Autor: Hajime Mizoguchi

Mizoguchi é uma figura central na música neoclássica japonesa. Além de seu trabalho solo, ele é famoso por:

Parcerias: Colaborou frequentemente com Yoko Kanno (com quem foi casado), inclusive na trilha de The Vision of Escaflowne.

Versatilidade: Consegue transitar entre músicas relaxantes (estilo "healing music") e composições pesadas e dramáticas para suspenses políticos e ficção científica.

Esperança, Perseverança e Felicidade: O Poder Feminino

 

A 3600 metros acima do nível do mar, na aridez da Puna, um grupo de mulheres indígenas deu à luz a organização mais fértil dos últimos tempos. A ONG Warmi Sayajsunqo - em quechua: "mulheres perseverantes" - criou um modelo de desenvolvimento com os valores dos Povos Indígenas. A partir de Abra Pampa (Jujuy) abarca 3600 sócios em 79 comunidades indígenas do alto planalto. Administra empresas do século XXI e um sistema bancário excepcional. Hoje luta por uma gestão dos seus recursos naturais. A sua líder, Rosario Quispe, foi até convidada pela Universidade de Harvard para contar como o fizeram.[Fonte: IM magazine]

 

"Menina, que combustível é este W? É muito mau?", pergunta um homem, curioso e preocupado, frente ao enorme W que é o logótipo dos fornecedores de gasolina.

A estação de serviço de Abra Pampa é uma das últimas do lado argentino, antes de chegar à Bolívia. A menina que atesta gasolina chama-se Alberta Llampa e, como os kollas das povoações indígenas do alto planalto, tem a pele da cor da chicha (bebida à base de milho), o cabelo muito negro e macio. 36 anos, sétimo ano de escolaridade e sete filhos, todos na escola. Alberta não se cansa de explicar aos clientes da estação de serviço o que peritos em ciências sociais e economistas analisam como o fenómeno mais fértil da puna argentina.

"É um combustível normal. Pusemos W como nome do fornecedor porque é uma empresa comunitária da Warmi Sayajsunqo, a organização proprietária. O nome significa mulheres perseverantes", diz Albertina cobrindo os olhos enormes com a mão para se proteger do sol que não perdoa.

Na puna, a mais de 3600 metros de altura, a natureza é extrema. A beleza abrupta dos montes com os seus ventres inchados de minerais, os dias quentes e noites geladas, o vento feroz e terra seca, feita de pó sobre pó... Nesta Sibéria sul-americana, como a chamavam, as leis sociais reproduziram a crueza do meio ambiente e a crise económica argentina já aí tinha entrado em força mesmo antes das conhecidas manifestações populares de 2001. Mas as mulheres da Warmi desafiaram as leis que dizem que a puna é um deserto ermo, estéril, atrasado. Dispõem de um leque de empresas comunitárias e do século XXI: cybercafé, estação de serviço, restaurante, criação de chinchilas, curtidor, estábulo e um sistema bancário excepcional.

Tanto a origem, como as mulheres que teceram este modelo de desenvolvimento, têm de ser procuradas em Abra Pampa, uma cidade de 14 000 habitantes, onde qualquer pessoa que não seja da etnia kollas é gringo e chama a atenção. Cidade simples: uma praça, um mercado, uma câmara municipal, uma residencial, um punhado de escolas, três ou quatro restaurantes e muitas ONGs. O fervor, ou a necessidade de se agruparem, apareceu nos anos 90, quando as minas da zona - cobre, chumbo, zinco, estanho - encerraram. Milhares de operários tiveram que sair em busca de emprego e habitação, entre eles, o senhor Alfredo, o marido da senhora Rosario Andrada de Quispe, fundadora e presidente da Warmi.

Durante anos, o senhor Alfredo e a senhora Rosario, com os seus sete filhos, viveram nessas povoações que nascem e morrem com a actividade mineira. Fechava uma e mudavam-se para outra que acabava de abrir. Até que se fez noite e não houve mineração no alto planalto argentino. A paridade de câmbio que igualava o dólar ao peso baixou a rentabilidade e terminou com a actividade (na altura).

"Não tínhamos para onde ir", diz Dona Rosario.

Refugiou-se em Abra Pampa, onde a sua mãe tinha uma casa. Já tinha sido empregada doméstica e vendedora ambulante. "Tive a sorte de conseguir trabalho num projecto de promoção de mulheres". Meteu-se nesses caminhos que conduzem a aldeias pequenas e esquecidas. Falou com imensas mulheres e soube que, na puna, elas ficam sozinhas. Até há pouco, os que queriam trabalhar tinham que partir. Para o tabaco, para a cana-de-açúcar, para a mina. A elas cabia colocarem-se de pé e levantar a colheita. "Vi tanta miséria... Soube que, se continuássemos assim, iríamos morrer de fome. Era preciso pensar em algo para sobreviver e começámos a reunir-nos em minha casa", diz Rosario.

As mulheres foram chegando com os seus filhos às costas. Não tinham com quem deixá-los: penduravam-nos ao peito em panos de cores resplandecentes em contraste com a paleta mineral da paisagem. Juntavam trocos entre elas, compravam lã e teciam artesanato. Poucas sabiam tecer, desde que os seus maridos tinham ido para as minas, tinham esquecido os lavores aprendidos em meninas, com mães e avós, enquanto pastoreavam o gado.

- Quando começámos eu ia a Villazón (Bolívia) comprar lã e telas. As raparigas cosiam, cortavam. Começaram a convidar-nos para encontros em Buenos Aires. Para levar mercadoria passávamos noites sem dormir. Em 1995, lembrámo-nos de formar a Warmi. Eu dizia: tem que ser algo diferente. Trabalhei antes na Igreja, com os padres da OCLADE (Organização Claretiana para o Desenvolvimento), mas sentia que ali havia um tecto. Pusemos o nome Warmi Sayajsunqo, que na língua quechua de nossos avós significa mulher perseverante.

De então para hoje as mulheres da Warmi deram um salto. Quando começaram queriam recuperar duas coisas: os artefactos da sua etnia e a saúde. Muitas kollas estavam a morrer devido ao cancro do colo do útero. Apareceram artigos nos meios de comunicação e apareceu também Stephan Schmidheiny, presidente da Fundação Avina, que quis conhecer Dona Rosario. Este senhor, um empresário sueco apaixonado pela América Latina, disse-lhe que pedisse um desejo.

"Gostaria que o meu povo pudesse viver de trabalho digno, com a sua identidade e cultura, que não houvesse escravos de ninguém, como no tempo dos nossos avós".  

Schmidheiny deu-lhe o financiamento. Com esse dinheiro a Warmi equipou um grupo que percorreu as comunidades indígenas às quais não chegam nem os políticos quando estão em campanha. Nesses casarios de adobe, as famílias contaram como viviam e as suas ideias para o futuro. Em 2001, já as comunidades indígenas associadas à Warmi levantavam-se com um Programa de Desenvolvimento Indígena extremamente bem-sucedido. Cerca de 60 povoações de Jujuy estavam ligadas através de um sistema de microcrédito. Já não eram apenas mulheres, mas sim cerca de 3600 famílias. Este banco entregou mais de 1 400 000 pesos em 2000 empréstimos.

A organização é auto-sustentável graças às suas empresas e faz alianças estratégicas. O dinheiro é gerido pelos tesoureiros de cada comunidade e deve participar sempre pelo menos uma mulher. "De vez em quando, alguém se atrasa com o pagamento, mas não há um incobrável", diz Florinda Condori, tesoureira da administração central.

Para além do banco, estão as sua próprias empresas e as que ajudam a pôr em marcha com financiamento e formação. Como a de Sal Puna, nas mãos da comunidade de Cerro Negro, uma das mais rentáveis. O tema comum que as atravessa continua a ser a terra em todas as suas dimensões. Sob os seus sapatos gastos por esse solo pedregoso e inóspito, está a chave de tudo. A titularidade dos terrenos que habitam desde tempos imemoriais é uma ferida que continua aberta, e pela qual lutam corpo a corpo. O meio ambiente é outra batalha quotidiana. Ontem foi o cancro do colo do útero. Hoje é o chumbo que contamina o sangue dos seus filhos.

Tudo isto conta Dona Rosario sem largar o telemóvel pequeno e prateado que a acompanha para onde vá, tal como o seu chapéu negro. Em Fevereiro de 2007 esteve na Universidade de Harvard, convidada a contar a experiência da Warmi na Conferência Internacional Bridge Builders. Diz que admira Evo Morales. Viajou para a Bolívia para o ver tomar posse e emocionou-se. Já a convidaram a participar na política, mas ela diz "sirvo mais ao meu povo aqui onde estou".