Zanias - Through This Collapse

Zanias é o projeto a solo da artista, produtora e DJ australiana Alison Lewis. Nascida em Melbourne e com uma infância passada entre a Indonésia, a Malásia e a Austrália, estabeleceu-se mais tarde no coração da cena eletrónica e underground de Berlim, após ter deixado a sua marca em Londres à frente de projetos como os Linea Aspera.
A sua sonoridade transita harmoniosamente entre o Darkwave, o Ethereal Wave, a Minimal Wave e a música eletrónica industrial ou EBM. A comparação com os Dead Can Dance é extremamente precisa e recorrente. Tal como Lisa Gerrard, Zanias aborda a voz como um instrumento sacro e vocalização de foro ritualístico sobre fundos eletrónicos densos e pulsantes. Faz um uso abundante e expressivo de melismas - a técnica de cantar várias notas musicais encadeadas sobre uma única sílaba -, o que confere às suas canções uma tonalidade ancestral, xamânica e quase mística, criando um contraste fascinante com a austeridade dos sintetizadores.
Na faixa Through This Collapse, a artista explora a transformação interior através da adversidade, da dor e do desapego. O colapso aqui evocado não representa um fim trágico ou uma destruição passiva, mas antes uma rutura necessária: a dissolução do ego, das ilusões e de velhas estruturas da vida para dar lugar ao renascimento. É uma viagem de catarse onde a dor é atravessada consciente e corajosamente para alcançar a libertação e uma nova forma de perceção.
A escolha da dupla artística OUROBOROS (constituída por Jeremy Carne e Nikolas Kasinos) para a realização, produção e edição do videoclipe de «Through This Collapse» revela uma cumplicidade concetual perfeita com a faixa. O próprio nome da dupla remete para o símbolo mitológico da serpente que devora a sua própria cauda - uma alegoria clássica dos ciclos de destruição, renovação e renascimento. Esta simbiose visual reflete de forma magistral o tema do colapso e da metamorfose espiritual abordado por Zanias. Através de paisagens austeras, jogos marcantes de luz e sombra e uma corporalidade expressiva, o vídeo desenrola-se como um ritual de passagem: a figura central atravessa ambientes de densidade e isolamento até emergir num estado de aceitação e transcendência, espelhando com precisão a travessia do caos interior rumo à clareza.
Do ponto de vista percetivo, a criação de Zanias é profundamente influenciada pela sua formação académica em Arqueologia e Antropologia, assim como por correntes filosóficas e literárias marcantes. Nota-se uma forte ressonância com o Existencialismo e o Niilismo de perspetiva afirmativa, remetendo para Nietzsche e Camus na ideia do Amor Fati - a aceitação plena da dor e da mudança para a construção do próprio sentido vital a partir do caos. Paralelamente, a obra dialoga com a Psicologia Junguiana na exploração da "Sombra" e no processo de individuação, bem como com o estudo dos ritos de passagem, do transe e do fascínio antropológico pela ligação entre o ser humano, o ritual e o cosmos.

Eivør - Spøkilsir - Revenants

Eivør (Eivør Pálsdóttir), uma das artistas mais emblemáticas das Ilhas Faroé — território autónomo do Reino da Dinamarca -, construiu uma identidade artística singular ao fundir as raízes do folk nórdico com dark folktronica, art pop e música ambiente. A canção "Spøkilsir", originalmente lançada em faroês no álbum Slør (2015) e mais tarde adaptada para o inglês sob o título "Revenants" (2017), exemplifica perfeitamente esta estética ao combinar técnicas vocais tradicionais escandinavas, como o kveding e o galdr, com sintetizadores industriais e paisagens sonoras cinemáticas.
Tematicamente, a composição explora o peso do passado e a forma como memórias, traumas e emoções mal resolvidas continuam a assombrar o presente. O termo revenant - referente a um espírito que regressa dos mortos - serve de metáfora para estas presenças internas que habitam o subconsciente, convidando o ouvinte a refletir sobre a aceitação da dor e a coexistência com as próprias sombras em vez da sua negação. No teledisco, esta mensagem ganha vida através das paisagens dramáticas, austeras e enevoadas das Ilhas Faroé, onde a natureza funciona como um espelho da psique humana. A performance de Eivør adquire contornos quase xamânicos e rituais, encenando um confronto poético com figuras veladas que simbolizam o limiar entre o visível e o invisível, a vida e a memória.
Esta abordagem carrega fortes influências literárias e filosóficas. Por um lado, bebe do folclore nórdico e nas sagas medievais, evocando a figura do draugr - o morto que regressa por deixar algo inacabado na terra. Por outro, dialoga diretamente com o conceito de "Sombra" da psicologia analítica de Carl Jung, sugerindo que o crescimento pessoal exige integrar as partes reprimidas da mente, bem como com a angústia existencial da temporalidade abordada por filósofos como Søren Kierkegaard. A obra filia-se ainda no Romantismo Escuro, onde o sublime e o aterrador se entrelaçam para encontrar beleza na melancolia e na impermanência.

Blvck Ceiling - Young

Melhor som aqui

Letra

We are young
So let's set the world on fire
We can burn brighter
Than the sun
Tonight
We are young
So let's set the world on fire
We can burn brighter
Than the sun

O ritual da juventude eterna e a alquimia do som

A faixa "Young", lançada pelo projeto musical BLVCK CEILING, representa uma das produções mais emblemáticas do ecossistema do microgénero witch house. O projeto é a criação a solo do produtor e músico norte-americano Daniel Cuccia (conhecido pelo pseudónimo Dan Ocean), natural de Spokane, no estado de Washington, Estados Unidos. No entanto, a obra visual que acompanha a faixa expande esta geografia artística ao envolver a produtora e duo criativo REDЯUM Image, composta por Katarzyna Widmańska e Amadeusz Wróbel, de nacionalidade polaca. Além disso, no plano puramente sonoro, a faixa ganha vida a partir do retrabalho e da manipulação do vocal da cantora e atriz norte-americana Janelle Monáe, retirado do tema pop "We Are Young" da banda fun. (também dos Estados Unidos). Esta interseção entre a produção eletrónica subterrânea americana, o universo estético e cinematográfico polaco e a desconstrução da pop comercial resulta numa convergência cultural que define o espírito sombrio e atmosférico da faixa.

No plano estético e concetual, o videoclipe oficial desenrola-se numa narrativa visual profundamente imersiva, centrada no mito do renascimento, na preservação da juventude e na transmutação espiritual. As imagens mostram três sacerdotisas encapuzadas que encontram o corpo inanimado de uma jovem noiva numa floresta nevoenta. Através de um ritual necrótico que envolve fogo, incenso e símbolos esotéricos, a figura da noiva é desperta e transformada numa entidade alada superior. Do ponto de vista literário e filosófico, a obra dialoga diretamente com o Romantismo Sombrio e o Gótico do século XIX, evocando a beleza mórbida presente nos textos de Edgar Allan Poe e Mary Shelley, ao mesmo tempo que aborda o desejo faustiano de superar a finitude humana. Esta obsessão pela juventude reflete uma angústia existencialista diante do tempo, onde o ritual e a arte surgem como tentativas de tornar o efémero imortal.

Musicalmente, embora a faixa utilize uma letra preexistente em inglês, o processo de desaceleração, corte (chopping) e alteração de tom (pitched down) desfigura as frases originais até que percam o seu sentido gramatical direto. Este efeito sonoro resulta numa espécie de pseudo-glossolalia, em que o vocal passa a soar como uma ladainha incompreensível ou um encantamento ritualístico. Adicionalmente, as oscilações de afinação e o arrasto sintético aplicados à voz conferem ao tema um caráter melismático e hipnótico, onde as notas se estendem e entrelaçam sobre graves profundos e atmosferas industriais. Desta forma, "Young" transforma uma celebração pop sobre a juventude num mantra soturno e contemplativo sobre a imortalidade.

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Eivør - Drekafljóð (Dragon Maiden)

Melhor som aquiLetraDrekafljóð
Kom drekafljóð   á mína slóð    fest á mín rygggyltar veingir Støkkur tá ivin                           vaknar eitt fyrndarljóð         logar í mínum  hjarta leingi
Tindrar í hválvi vísir mær veg  kyknar í holdi grøðir meg
Kom áræðistreyma nú inn ígjøgnum sprekkurá køldum klettumTá syngur í míni sál                         tín veingjaði máttur                     eg reisi meg upproyni aftur
Tindrar í hválvi vísir mær veg  kyknar í holdi endurføðir meggrøðir meg
English translationDragon Maiden Come dragon maidengrace me on my waybestow me your gift  of sun-soaked wings All my doubts allayeda time-worn song awakessets my heart ablazein lasting light
The stars ignitemy path is litthe fates rewriteheal me
Come lasting lovewash in over methrough every fracturein the cracked cliff-faceNow my soul thrums with your soaring forceI rise againtry once more
The stars ignitemy path is litthe fates rewritegrant me rebirthheal me
Eivør Pálsdóttir, nascida nas Ilhas Faroé - um arquipélago autónomo que pertence ao Reino da Dinamarca -, transporta a herança isolada e mística do Atlântico Norte diretamente para a sua identidade artística. Em "Drekafljóð / Dragon Maiden", faixa que integra o seu álbum Tungl, a cantora opera numa fusão fluida de Folk Nórdico, Folktronica e Art Pop. O estilo combina o peso de batidas industriais e sintetizadores atmosféricos com o pulsar orgânico de tambores xamânicos, resultando num som avant-garde e cinematográfico.
O conceito central da canção e do seu videoclipe gira em torno da rendição ao fluxo e da perda de controlo. A palavra Drekafljóð cruza os termos para "dragão" e "correnteza" ou "inundação", servindo como uma metáfora para as forças inevitáveis da vida. Segundo a própria artista, a obra aborda o momento em que percebemos que a maior demonstração de força não é lutar contra a tempestade, mas sim permitirmo-nos ser carregados por ela. Visualmente, o vídeo ilustra esse contraste ao colocar a performance orgânica e visceral de Eivør em interação com uma estrutura mecânica e industrial imponente; ao tocar-lhe, a energia humana e o espírito da "Donzela Dragão" parecem dar vida e humanidade à máquina, gerando uma catarse.
Para construir esta atmosfera ritualística, Eivør recorre de forma intensa a técnicas vocais avançadas, destacando-se o uso de melismas e glossolália. A cantora utiliza melismas ao estender uma única sílaba por várias notas, misturando a sua formação clássica com o Gvøðu, um canto tradicional feroês. Paralelamente, a glossolália manifesta-se quando Eivør abandona as palavras com significado linguístico real para cantar sons puramente fonéticos, sussurros ritmados e vocalizações guturais, transformando a sua própria voz num instrumento de percussão abstrato que evoca um transe ancestral.
Esta abordagem estética está profundamente ligada a influências filosóficas e literárias. No plano filosófico, a aceitação do destino e a renúncia ao controlo absoluto aproximam-se do Estoicismo e do conceito de Amor Fati de Nietzsche. No campo literário e cultural, a obra bebe diretamente da Mitologia Nórdica e das baladas medievais feroesas (Kvæði). O dragão surge aqui não apenas como uma criatura temível, mas como o próprio símbolo do caos primordial e das forças tectónicas da natureza, reforçando a ligação intrínseca entre o isolamento geográfico do seu povo e as narrativas poéticas de sobrevivência perante o inevitável.
Página OficialEivør

LADANIVA - Here's to you Ararat

Amor por Arménia, símbolo de resistência e de um país, povo e cultura que sofreu imenso e dele tenho imensa admiração!O vídeo é uma homenagem à montanha, um símbolo poderoso para o povo arménio. A letra (cantada em arménio) expressa um profundo amor e admiração pelo Ararat, chamando-lhe "Rei dos Arménios" e "alicerce das nossas almas".

Neste vídeo, destaco os melismas de Jaklin Baghdasaryan. São, aliás, a grande "assinatura" vocal dela e o que torna o som dos LADANIVA tão autêntico.

Aqui estão alguns pontos sobre a técnica dela:

• Ornamentação arménia: Jaklin utiliza muitos elementos do canto tradicional arménio e do Médio Oriente. Esses melismas não são apenas "enfeites"; eles carregam a carga emocional da música. Ela consegue passar por várias notas numa única sílaba com uma precisão cirúrgica.
• Agilidade e fluidez: o que impressiona na voz dela é a rapidez. Ela faz as transições entre notas (os chamados runs) de forma muito fluida, quase como se fosse um instrumento de sopro (como o duduk ou a flauta).
• Controlo de sopro: para fazer melismas tão longos e detalhados sem perder a afinação, é preciso um controlo de diafragma muito forte, algo que ela claramente refinou durante a sua formação académica no jazz e na música do mundo.
• Microtonalidade: em "Here's to you Ararat" nota-se que Jaklin  brinca com intervalos que nem sempre existem na escala ocidental padrão, o que dá aquele toque exótico e hipnotizante.

LADANIVA é um grupo franco-arménio sediado em Lille, França.O nome da banda, "Ladaniva", é uma referência ao famoso carro todo-o-terreno russo Lada Niva, que os pais de ambos os músicos possuíam.Jaklin Baghdasaryan: nasceu na Arménia (Yeghegnadzor) e cresceu na Bielorrússia antes de se mudar para França em 2014. Ela estudou no Conservatório de Lille, o que explica o seu excelente controlo técnicoLouis Thomas: o seu parceiro musical é francês.Louis Thomas toca guitarra [00:46].Os outros músicos são mostrados a tocar clarinete [00:27], um davul (tambor tradicional) [00:38] e um saz (instrumento de corda) [00:49].Eu sabia que o Monte Ararat é visível da Arménia, mas agora faz parte da Turquia, e imagino como o povo arménio se deve sentir ao ver a sua montanha histórica apenas de longe.

Documentário: Beautiful Noise

Direção e ProduçãoO filme foi realizado (dirigido) por Eric Green. Levou quase uma década para ser concluído, dependendo fortemente de uma campanha bem-sucedida no Kickstarter para conseguir licenciar a vasta quantidade de músicas icônicas presentes na trilha sonora.
Bandas em DestaqueO documentário foca no "triunvirato" sagrado da gravadora Creation Records e da 4AD, explorando como elas moldaram o som da época:

1. My Bloody Valentine: O foco na genialidade (e perfeccionismo) de Kevin Shields.
2. The Jesus and Mary Chain: A transição do ruído punk para as melodias pop.
3. Cocteau Twins: A influência da voz de Elizabeth Fraser e das texturas de Robin Guthrie.

Entrevistas e ParticipaçõesUm dos grandes méritos de Eric Green foi reunir tanto os arquitetos do som original quanto os artistas que foram influenciados por eles.
Os protagonistas:Kevin Shields (My Bloody Valentine)Jim Reid (The Jesus and Mary Chain)Robin Guthrie (Cocteau Twins)Emma Anderson & Miki Berenyi (Lush)Neil Halstead & Rachel Goswell (Slowdive)Mark Gardener & Andy Bell (Ride)
Os admiradores (influenciados):Robert Smith (The Cure)Billy Corgan (The Smashing Pumpkins)Trent Reznor (Nine Inch Nails)Wayne Coyne (The Flaming Lips)Bobby Gillespie (Primal Scream)
O que o documentário aborda?O filme não é apenas uma lista de bandas; ele narra a evolução tecnológica e artística de como o ruído (noise) se tornou algo belo (beautiful).
Ele explora o uso de pedais de efeito, a técnica de "glide guitar" de Kevin Shields e como essas bandas foram inicialmente ridicularizadas pela imprensa britânica (que cunhou o termo "Shoegazing" de forma pejorativa) antes de se tornarem cultuadas mundialmente.
Destaque: O documentário é rico em imagens raras de arquivo de concertos em clubes pequenos e bastidores de gravações lendárias.

Música do BioTerra: Eivør - Í Tokuni

In the mist

Walking in the mist

Alone in the deep silence

Can´t see any cairns

Gone are all the houses

I call out but no one answers

In between the gaps

In the mist-clad night

I sense shadows

Seems as though something is moving there

I call out but no one answers me

Friend, friend can you see me

Walking here in the mist

Have you wandered as i have

In the silence deep as death

Did you see the street lights

Shining in the village

Did you see what they did there

Do you remember what the state of things were

Was anyone looking for me

Have you as I have

Walked in the mist

Strayed from the beaten path

Near the mountain edge

Do you know this loneliness

Friend, friend do you understand me

Do you know any secret path

Have you wandered as I have

in the endless uncertainty

Rúnahild - Seidrúnar

Melhor som aquiRúnahild é uma artista francesa radicada nas florestas do oeste da Noruega, cuja ligação profunda com as paisagens e a cultura escandinava moldou toda a sua trajetória artística. O projeto solo Seidrúnar nasceu em 2014, sucedendo a sua antiga banda Eliwagar, marcando uma transição para uma sonoridade ainda mais íntima e espiritual. O estilo musical de Seidrúnar transita entre o Nordic Folk, o Ambient Folk e o Ritual Ambient, utilizando instrumentos tradicionais nórdicos, como a kraviklyra e tambores xamânicos, combinados com gravações de campo dos elementos da natureza.
Nos seus videoclipes, a estética visual carrega um significado puramente contemplativo e ritualístico. As imagens captadas nas florestas e fiordes noruegueses funcionam como uma extensão do som, simbolizando a reconexão com a ancestralidade, a solitude consciente e o respeito pelos ciclos da Terra. Vocalmente, a artista faz um uso marcante de melismas, desdobrando uma única sílaba em múltiplas notas para criar vocalizações hipnóticas. Inspirado em técnicas como o kulning (canto tradicional de pastoreio nórdico), esse recurso transcende a necessidade de letras convencionais, utilizando a voz como um instrumento de transe e encantamento.
Suas influências musicais bebem da música folclórica escandinava tradicional e do ecossistema do pagan folk moderno, além de guardar nuances da estética atmosférica do metal pagão. No campo filosófico, Seidrúnar é fortemente guiado pelo animismo, pelo neopaganismo nórdico e pela própria prática do Seiðr - a antiga magia xamânica nórdica. Essa visão de mundo reflete uma ecologia espiritual profunda, onde a criação musical surge como uma forma de meditação, cura e sintonia com os espíritos da natureza.
Página OficialRúnahild

L'Arpeggiata e Katerina Papadopoulou- Amygdalaki tsakisa

Amygdalaki tsakisa- cancioneiro popular grego

Hilia kalosorisate,

fili mou aghapimeni

parea mou haroumeni

ke kalokardhismeni.

Amyghdhalaki tsakisa

ke mesa se zoghrafisa

amyghdhalotsakismata,

sou stelno heretismata.

As traghoudhiso ki as haro,

tou hronou pios to xeri,

an tha pethano i tha zo,

i tha 'me s' alla meri.

Amyghdhalaki tsakisa

ke mesa se zoghrafisa

amyghdhalotsakismata,

sou stelno heretismata.

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I welcome you,

my dear friends,

happy and

cheerful company.

I cracked an almond,

I painted your picture,

broken almond,

I send you my compliments.

I shall sing and be merry,

who knows what next year will bring,

whether I'll be dead or alive,

or somewhere else.

I cracked an almond,

I painted your picture,

broken almond,

I send you my compliments.

Today, as we celebrate Earth Day, I’m reflecting on the incredible beauty of the cultures "bathed" by the Mediterranean Sea. From the Atlantic shores of Portugal to the vibrant coasts of Turkey, the music of this region feels like the heartbeat of the earth itself.

There is something so tasteful and timeless about these sounds:

1. Portugal & Spain: the raw emotion of Fado and the fire of Flamenco. 💃

2. Italy: the lyrical beauty of the Canzone. 🇮🇹

3. Greece, Turkey, & Albania: the haunting, ancient melodies and complex rhythms that have echoed across these mountains and seas for millennia. 🎻

The "Soul" of the Former Yugoslavia in Music

4.1. Sevdalinka (Bosnia and Herzegovina): often referred to as the "Blues of the Balkans." It is a refined, urban, and melancholic genre that speaks of love, longing, and desire. It shares a powerful emotional connection with Portuguese Fado and Greek Rebetiko.

4.2. Klapa (Croatia): traditional a cappella singing from the Dalmatian coast. It is a celebration of the sea, the land, and love, officially recognized by UNESCO. It is the true embodiment of the Croatian Mediterranean spirit.

4.3. Romani Tradition & Brass Bands (Serbia and North Macedonia): explosive and festive rhythms. These brass bands are world-famous for their high energy and technical complexity, often featuring lightning-fast tempos.

4.4. Byzantine and Ottoman Influence: particularly in North Macedonia and Kosovo, where "odd" time signatures (such as 7/8 or 9/8) create a soundscape that "dances" gracefully between the East and the West.

And I can’t leave out Crete ! The wild, rhythmic sound of the Cretan Lyra is like the wind blowing through the Samaria Gorge. It’s music that feels ancient, grounded, and deeply connected to the soil. A true tribute to the spirit of the Earth!

And how could I forget France? Beyond the cafes of Paris lies the soul of the French Mediterranean. The haunting polyphonic chants of Corsica and the sun-soaked melodies of Provence remind us that the Earth speaks in many voices. It's a reminder this #EarthDay that nature and culture are one and the same. 🌊🎶"

To me, "Earth Day" isn't just about the soil and the sea - it’s about the cultures that grew from them. These musical traditions are a reminder of our shared history and our deep connection to the land we call home.

Let’s protect the planet that gives us such beautiful inspiration. 🌊🌿

A Little Earth Day Fact:

Since it is April 22nd, it’s worth noting that the Mediterranean region is one of the world's most diverse "biodiversity hotspots." Just as the music is a mix of different influences, the environment there is a unique blend of species found nowhere else on Earth!

Ofra Haza - Forgiveness

Ofra Haza with Nusrat Ali Fateh Khan
from CD The Prayer Cycle 1999 of Jonathan Elias (Sony)
Offically last recorded Ofra's song
Words from The Bible - Psalm 23:
The Lord is my shepherd; I shall not want.
Even when I walk in the valley of Darkness
May only goodness and kindness pursue me all the days of my life

O Ciclo de Orações é um álbum coral/orquestral do compositor americano de bandas sonoras para cinema e televisão Jonathan Elias. O álbum foi lançado pela Sony Classical Records nos Estados Unidos a 23 de março de 1999.

O projeto, gravado e misturado pelo co-produtor R. Walt Vincent, consiste numa sinfonia coral contemporânea em nove partes, em treze línguas (húngaro, maliês, suaíli, dwala, tibetano, alemão, francês, urdu, latim, inglês, italiano, hebraico e espanhol). Nas notas do livrete do álbum, Elias descreveu a obra como "um conjunto de nove orações em adágio" influenciadas pelas suas "visões pessoais" sobre o futuro da humanidade e o poder da oração em diferentes culturas. Os músicos que contribuíram "utilizaram poemas que [ele] escreveu como inspiração, interpretando as palavras à sua maneira, em diversas línguas e cantos". Mais informação aqui

A ouvir Kabarnos Panos na catedral Sofia

Canal Youtube

Diamanda Galas - Aman (with Khan)

Às vezes qual mocho caçando em noites de luar intenso, me encantam as sibilas, vampiros e lobisomens...e todas essas trevas densas que povoam os nossos medos, frustrações e dor. Diamanda Galas exprime-as com muita mestria.

Boulogne - Violin Concerto in D Major

Que maravilhoso concerto!! Lembrei-me também de Joseph Boulogne, porque era mestiço, talvez um dos primeiros compositores europeus cuja mãe era ex-escrava negra nas plantações das Caraíbas.
É bom relembrar a História com ensinamentos para um mundo mais tolerante, numa altura em que a Europa está a regressar à xenofobia!!