Um livro muito interessante e peculiar e actual. Já é de 2007. Mas recuperei a leitura e identifico-me com este ensaio. Este pequeno ensaio diligencia desenhar os quatro complexos culturais por que Portugal se foi concebendo a si próprio ao longo de 800 anos de História: ora um país gerado exemplarmente no mais remoto dos tempos e contra as mais difíceis circunstâncias (Viriato); ora um país que, durante e após os Descobrimentos, se vê a si próprio como nação superior às demais, sintetizada na majestática arquitectónica do Quinto Império de padre António Vieira, Fernando Pessoa e Agostinho da Silva; ora um país que, fracassado o sonho grandiloquente do Império, se lastima e se penitencia, considerando-se nação inferior, passível de máxima humilhação (Marquês de Pombal); ora, finalmente, país mesquinho, venenoso e bárbaro, permanentemente ansioso de purificação ortodoxa, no qual cada corrente política e intelectual tem sobrevivido da canibalização das correntes adversárias, negando-as e humilhando-as. Por efeito do ambiente educacional e social, cada português percorre na sua vida, recorrente e ciclicamente, estas quatro figurações da sua história e da sua cultura.
A poética da ausência: uma análise existencial, literária e visual de "Medicine"
A canção "Medicine", do projeto britânico Daughter (liderado por Elena Tonra), é uma obra profundamente melancólica e intimista que aborda a dor de testemunhar a autodestruição de alguém querido, geralmente interpretada sob a ótica da dependência química, do abuso de substâncias ou do definhamento causado por uma depressão severa. A letra descreve a perda gradual da identidade de uma pessoa que outrora possuía um "coração caloroso" e um "cérebro bonito", mas que agora vê a sua essência "destinada a degradar-se por causa de todos os medicamentos/remédios". Existe um apelo doloroso por uma "segunda hipótese", um desejo de que o indivíduo consiga escapar daquela realidade e regressar a ser quem era quando se conheceram. A música não foca na raiva, mas sim numa empatia desoladora e na impotência de quem observa o outro a tentar anestesiar a própria existência.
No que diz respeito ao vídeo específico desta performance acústica ao vivo para o canal Watch Listen Tell, gravado num caminho pedonal em Canonbury, o significado visual reside na crueza e no despojamento. Ao despir a canção das suas camadas eletrónicas e de estúdio originais, restando apenas a voz vulnerável de Elena, um violão e o som orgânico e quase fúnebre de um harmónio (órgão de fole manual), o vídeo amplifica a sensação de solidão e isolamento. O cenário natural, à beira de um canal ladeado por vegetação densa e sob uma paleta de cores frias e ligeiramente desbotadas, funciona como uma metáfora visual para a estagnação. A água parada reflete o estado de suspensão em que a pessoa cantada se encontra, enquanto o ato de tocar ao ar livre, expostos aos elementos, reforça a fragilidade emocional e a honestidade brutal da composição.
Do ponto de vista das influências literárias, a escrita de Tonra evoca fortemente o confessionismo poético de escritoras como Sylvia Plath, onde a dor mental, o peso da medicação e a fragmentação do eu são expostos sem filtros ou floreados românticos. Há também traços do Romantismo sombrio, onde a beleza e a decadência caminham lado a lado. Em termos filosóficos, a canção dialoga com o Existencialismo (especialmente na linha de Jean-Paul Sartre), ao explorar a angústia da perda de liberdade interna: o sujeito da canção abdicou da sua agência e da sua essência ("aquilo que disseste que eras") para se tornar um reflexo anestesiado determinado por um elemento externo (a "medicina"). Há ainda uma forte ligação ao conceito budista e filosófico do apego e da impermanência, ilustrando o sofrimento gerado pela tentativa desesperada de nos agarrarmos à versão passada de alguém que já se transformou ou se dissolveu diante dos nossos olhos.
Neil Young! Fez ontem anos (nasceu a 12 de novembro de 1945). Lançou este tema muito bonito há cerca de um mês. Além do seu activismo bem conhecido entre nós, foi considerado o 17º melhor guitarrista do mundo, pela revista Rolling Stone.
Love Earth And your love comes back to you Love Earth Such an easy thing to do Love Earth Till the water and the air is pure From the birds in the sky To the fishes deep in the sea
Love Earth
The place where all the children can live (Love Earth) Really nothing better to give (Love Earth) And your love comes back to you So I’m calling out So I’m calling out to you
Love Earth
The sky was blue and the air so clean The water crystal clear We lived by the sun and have it all We were living in a dream
Love Earth
We can bring the seasons back (Love Earth) Can you imagine that (Love Earth) Your love comes back to you
So I’m calling out So I’m calling out to you Love Earth The sky was blue and the ear so clean The water crystal clear We lived by the sun and have it all We were living in a dream Love Earth
Documentário - O Cante é como eu O Cante Alentejano em Ferreira do Alentejo
Video da própria UNESCO
(legends in English)
Na região do Alentejo, este é um género musical composto por um grupo de amadores sem instrumentos, onde existem duas vozes a solo alternadas com o restante coro.
Antigamente, este estilo musical era feito de forma espontânea por um grupo de pessoas, na qual frequentemente se juntavam aquando os trabalhos do campo. A sua importância era marcada como estímulo, cantando ao ritmo do trabalho da ceifa ou como por exemplo na apanha da azeitona, através do manuseamento da vara. Com o passar dos anos, as formas de trabalhar foram-se alterando e isso fez com que o Cante Alentejano deixasse de ter a importância de outros dias. Passou assim a ser cantado em tabernas, sítio que na altura estava proibido às mulheres. Por esse motivo, o papel das mulheres desapareceu do Cante Alentejano, sendo que apenas depois do 25 de abril é que puderam voltar a constituir grupos femininos e a sua ingressão em grupos masculinos. Também antes do 25 de abril o cante não era bem visto, pois os seus temas eram e são usualmente tristes, dando a conhecer os sentimentos, as saudades, as recordações das suas raízes, amor, melancolia e ainda como cantos de intervenção, o que para o regime era uma afronta. Um grande impulso foi o Grândola Vila Morena de José Afonso que se eternizou na história de Portugal. Após 1974, os grupos de Cante Alentejano voltaram em força a dar voz às suas raízes, cantando sobre memórias passadas referentes às opressões do regime fascista.
Mas claro, também existem canções com humor e cheias de ironia que nos encantam e que as sabemos trautear de cor. Para mim a mais marcante é “Eu ouvi um passarinho”:
O passarinho cantou..." , música que o meu pai me cantava quando era pequenina e que me foi acompanhando na infância. Recordo ainda hoje com saudade esses momentos.
O Cante Alentejano é uma tradição que se ouve e que se entranha. É um estilo musical cheio de alma e carisma que nos remete a um intenso sentimento transportado por um povo através das suas puras vozes.
Todos nós sentimos que temos uma “costela” alentejana quando ouvimos os grupos a cantar de coração cheio. É parte da identidade portuguesa e, por este motivo, foi considerado no ano de 2014 Património Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO, tal como o nosso Fado.
Ao longo dos anos começaram a aparecer mais grupos e projetos de ensinos do Cante em várias zonas do Alentejo e até em Lisboa. Atualmente existem grupos formados por cerca de 15 a 30 elementos, sendo grupos mistos, femininos ou masculinos que continuam a eternizar a nossa cultura, cantando as nossas raízes e passando-as de geração em geração.
NOVA ATENÇÃO COPYRIGHT- Ao partilhar, agradeço atempadamente a indicação do meu blogue Bioterra. Estes dossiês resultam de um apurado trabalho de pesquisa, selecção de qualidade e organização. Obrigado.
