Secos & Molhados - Sangue Latino

Jurei mentiras e sigo sozinhoAssumo os pecadosOs ventos do norte não movem moinhosE o que me resta é só um gemido
Minha vida, meus mortos, meus caminhos tortosMeu sangue latinoMinh'alma cativa
Rompi tratados, traí os ritosQuebrei a lança, lancei no espaçoUm grito, um desabafoE o que me importa é não estar vencido
Minha vida, meus mortos, meus caminhos tortosMeu sangue latinoMinh'alma cativa
A música "Sangue latino", dos Secos & Molhados, destaca a resistência e a afirmação da identidade latino-americana diante de influências externas e opressão. O verso “Os ventos do norte não movem moínhos” sugere que soluções vindas de fora não resolvem os problemas internos do povo latino, reforçando a necessidade de buscar força e respostas dentro da própria cultura. Ao repetir “meu sangue latino, minh'alma cativa”, a canção expressa o orgulho de pertencer a esse povo, mas também reconhece a condição de opressão e luta constante.
Lançada durante a ditadura militar no Brasil, a música ganha ainda mais força como símbolo de resistência. Versos como “rompi tratados, traí os ritos” e “o que me importa é não estar vencido” mostram a coragem de desafiar tradições e enfrentar a repressão, mesmo que isso traga sofrimento ou isolamento. A letra mistura sentimentos pessoais e coletivos, abordando culpa, luta e pertença. O “grito, um desabafo” representa a necessidade de se expressar diante da opressão. Assim, "Sangue latino" consolida-se como um hino de resistência cultural e celebração da identidade dos povos latino-americanos, refletindo a sua trajetória de superação.
Sangue Latino - Ney Matogrosso (Por Trás da Canção)Secos & Molhados - Compilação dos anos 1973 e 1974

Manel Cruz com Clã - O Navio Dela

LetraA minha mulher não é minhaÉ da cabeça delaMesmo achando que simNão precisa de mimIsso é o que me agrada nela
Não deseja ser o meu mundoMas tem-me em seus desejosEu noto nos seus olhosA nítida presençaDas nossas aventuras
Voa com seus pássaros fantásticosAgnósticos, simpáticosPor campos de razõesE quando volta traz-me caramelos
Ela não se põe à janelaDe corpo iluminadoMas mostra o universoAo animais de caçaQuando desce ao mercado
Desce nos cabelos das estrelasBem nas barbas dos fantasmasQue aprendeu a desmontarE acaba a transformá-los em brinquedos
A minha mulher não é minhaÉ da cabeça delaMesmo achando que simNão precisa de mimIsso é o que me agrada nela
Ela é o capitão do seu navio
A junção de Manel Cruz com os Clã na interpretação de "O Navio Dela" — uma canção originalmente lançada pelo músico no seu álbum a solo Vida Nova, em 2019 — representa um dos momentos mais felizes da música portuguesa recente, expondo a cumplicidade de longa data entre estes artistas. Do ponto de vista do estilo musical, a versão original assenta numa folk-pop minimalista e acústica, guiada pelo ukulele e enriquecida por arranjos de sopros e violoncelo. Contudo, ao fundir-se com a identidade dos Clã, o tema ganha uma roupagem de pop-rock alternativo muito mais sofisticada, onde a energia instrumental, os teclados texturados e a precisão rítmica da banda abraçam a cadência poética e quase saltitante de Manel Cruz.
O significado da canção centra-se numa celebração absoluta da autonomia, da liberdade e da independência feminina. O tema desarma o ouvinte logo no primeiro verso ao afirmar que "a minha mulher não é minha, é da cabeça dela", desconstruindo de imediato a ideia patriarcal de posse nas relações amorosas. O "navio" funciona aqui como uma metáfora visual para a vida, os pensamentos e o destino dessa mulher, que assume o papel de única capitã da sua jornada. O eu lírico não demonstra qualquer desejo de controlo; pelo contrário, expressa uma admiração reverente por vê-la navegar livre e por testemunhar a sua capacidade de enfrentar os próprios fantasmas e transformá-los em brinquedos, resultando numa ode ao respeito pela individualidade dentro do amor.
Quanto ao seu enquadramento, "O Navio Dela" pode ser considerada uma canção de intervenção, embora se distancie do modelo clássico e histórico do género em Portugal. Enquanto os temas de intervenção tradicionais de figuras como Zeca Afonso ou Sérgio Godinho se focavam no combate político direto e na denúncia das injustiças sociais, esta composição alinha-se com uma abordagem moderna de intervenção cultural e de costumes. Em vez do tom de protesto agressivo, a música recorre à poesia, à sensibilidade e à subtileza do quotidiano para transmitir uma mensagem profundamente política sobre o feminismo e a igualdade de género. Ao atacar o conceito de que o amor legitima a posse, a canção intervém diretamente na desconstrução do machismo e das mentalidades conservadoras, provando que a música pode ser uma arma social através do afeto e da consciencialização.

Placebo - Bruise Pristine RE:CUT

Letra

[verso1]

The means are right for taking, fade to grey

Trying to be ruthless in the face of beauty

In this matrix it's plain to see

It's either you or me

[refrão]

Bruise

Pristine

Serene

We were born to lose

[verso2]

Cast a line with a velvet glove

Reading like an open book, in the hands of love

In this matrix it's plain to see

It's either you or me

[refrão]

Encore [echoed]

[verso1]

[refrão]

Original, 1996

Videoclipe realizado por Howard Greenhalgh
A versão RE:CUT refere-se ao relançamento da música em 1997. Originalmente lançada em 1995, ela foi regravada e editada para o álbum de estreia autointitulado Placebo. Tudo sobre a canção e melhor audição aqui
O Placebo é uma banda britânica. Formada em Londres em 1994, a banda tem uma identidade multicultural (o vocalista Brian Molko é belga, tem origens americana, escocesa e judaico-italiana, enquanto Stefan Olsdal é sueco), mas o projeto é radicado e reconhecido como parte essencial do rock alternativo do Reino Unido.
Significado da canção"Bruise Pristine" é um mergulho visceral na estética do rock alternativo dos anos 90, servindo como um dos primeiros grandes manifestos da identidade do Placebo. O título da canção carrega um paradoxo poético fascinante: a junção de "bruise" (hematoma), que evoca dor, trauma e marcas físicas, com "pristine" (imaculado), que sugere algo puro e intocado. Esta combinação resume a filosofia de Brian Molko — a ideia de que existe uma beleza crua e honesta na dor e nas marcas que os encontros humanos deixam em nós.
Brian Molko escreveu esta canção num período em que a bissexualidade estava a tornar-se "chic" na média britânica (o chamado Britpop). Molko, que vivia essa realidade de forma autêntica e andrógina, usava a música para questionar a autenticidade das pessoas ao seu redor. A letra fala sobre ser um "livro aberto nas mãos do amor", mas também sobre a crueza de ser quem se é num mundo que muitas vezes trata a identidade como moda.
A letra explora uma luta de poder emocional e sexual, marcada pela frase repetitiva "it's either you or me", que coloca o eu-lírico num estado de confronto defensivo contra a vulnerabilidade. É uma música que fala sobre a tentativa de manter o controlo e a frieza diante do desejo, apenas para acabar na aceitação de que "nascemos para perder". No fundo, a canção celebra a perfeição que existe no ato de ser "marcado" pela vida, transformando a cicatriz ou a nódoa negra num símbolo de autenticidade e vivência.
Curiosamente, em 2026, a banda lançou o projeto RE:CREATED, onde regravaram "Bruise Pristine" com uma sonoridade mais pesada e dinâmica. Molko descreveu esta nova fase como uma forma de honrar a "inocência" daquela época, mas com a confiança e a escala da banda que eles se tornaram após 30 anos de estrada.

Razan Al Mubarak - Foco e Filosofia

"O futuro do nosso planeta — o nosso futuro — dependerá da nossa capacidade de trabalhar não apenas entre setores, mas também entre geografias e entre culturas." - Razan Al Mubarak

Razan Al Mubarak nasceu em 1979, nos Emirados Árabes Unidos. Razan Al Mubarak é uma líder ambiental e gestora pública reconhecida pelo seu papel fundamental na proteção da biodiversidade e na luta contra as alterações climáticas.

𝐀𝐥 𝐌𝐮𝐛𝐚𝐫𝐚𝐤 foi incluída na lista das 𝟏𝟎𝟎 𝐏𝐞𝐬𝐬𝐨𝐚𝐬 𝐌𝐚𝐢𝐬 𝐈𝐧𝐟𝐥𝐮𝐞𝐧𝐭𝐞𝐬 𝐝𝐞 𝟐𝟎𝟐𝟒 𝐝𝐚 𝐫𝐞𝐯𝐢𝐬𝐭𝐚 𝐓𝐢𝐦𝐞, consolidando o seu estatuto como uma voz essencial para o futuro do planeta.

Al Mubarak tem um mestrado em Compreensão Pública das Alterações Ambientais pela University College London e uma licenciatura em Estudos Ambientais e Relações Internacionais pela Tufts University.

Em setembro de 2021,fez história ao ser eleita Presidente da União Internacional para a Conservação da Natureza (UICN), para um mandato de 4 anos tornando-se a segunda mulher a liderar a organização nos seus 75 anos de história e a primeira do mundo árabe 

Percurso Profissional e Liderança

O seu impacto é sentido tanto a nível nacional como internacional:

1. Agência do Ambiente de Abu Dhabi (EAD): actuou como Diretora-Geral, sendo a pessoa mais jovem a assumir este cargo. Sob a sua liderança, a agência expandiu significativamente os seus esforços na proteção de espécies ameaçadas e na gestão de recursos naturais.
2. Fundo Mohamed bin Zayed para a Conservação de Espécies: é  a Diretora Executiva desta fundação, que já apoiou milhares de projetos de conservação em mais de 160 países, focando-se em salvar espécies da extinção.
3. COP28: em 2023, desempenhou o papel crucial de Campeã de Alto Nível das Nações Unidas para as Alterações Climáticas na COP28, que decorreu no Dubai. Nesta função, foi a ponte entre o governo e os intervenientes não estatais (cidades, empresas e sociedade civil).

Foco e Filosofia

Razan Al Mubarak é uma defensora acérrima de soluções baseadas na natureza. O seu trabalho destaca-se por:

1. Inclusão: defende que a conservação deve incluir as comunidades locais e os povos indígenas como guardiões da biodiversidade.
2. Multidisciplinaridade: combina a conservação científica com estratégias económicas e políticas públicas eficazes.
3. Identidade de Género: É uma voz ativa no empoderamento feminino em cargos de decisão ambiental.

"A conservação não é apenas sobre proteger a natureza de nós próprios; é sobre proteger a natureza para nós próprios." — Razan Khalifa Al Mubarak

Reconhecimento

 Em 2018, o Fórum Económico Mundial nomeou-a Jovem Líder Global do Fórum. Em 2013, a Câmara de Comércio Americana de Abu Dhabi atribuiu a Al Mubarak o Prémio Mulheres nos Negócios.

clubdrugs - Heart 2 Break

A banda clubdrugs é um duo originário de Chicago, nos Estados Unidos, composto pelos músicos Maria Reichstadt e John Regan. Fundado oficialmente por volta de 2019, o projeto consolidou-se rapidamente na cena underground norte-americana. O seu estilo musical é uma fusão magnética de Goth Pop, Darkwave e Synthpop, caracterizado pelo uso de sintetizadores densos, batidas eletrónicas pulsantes e vocais etéreos que evocam uma nostalgia sombria dos anos 90.

Após alguns anos a lançar singles independentes e a construir uma base de fãs sólida em festivais de música alternativa, a banda atingiu um marco importante na sua carreira no início de 2026. Com o lançamento do seu álbum de estreia, "Lovesick", em março desse mesmo ano pela editora Artoffact Records, os clubdrugs afirmaram-se como uma das vozes mais promissoras da música eletrónica gótica contemporânea, equilibrando temas de melancolia e desejo com uma estética visual e sonora polida.

Melhor som do álbum Lovesick (2026) aqui

Curiosidade (e talvez crítica social por parte da banda)

O termo "club drugs" é muito utilizado para se referir a substâncias recreativas comuns em raves (como MDMA ou Ketamina)

François Fressinier

A obra "The Blue Anemone" (2005), de François Fressinier, é um exemplo fascinante de como o artista equilibra a herança do Renascimento com uma sensibilidade moderna e vibrante. Através de um grande plano focado no olhar penetrante da figura feminina, Fressinier convida o espectador a entrar num mundo de introspeção e força silenciosa. A paleta de cores, marcada pelo contraste dramático entre o vermelho intenso dos lábios, o azul elétrico da maquilhagem e a suavidade da flor branca, cria uma composição que é simultaneamente etérea e assertiva. As linhas verticais e as gotas de tinta que escorrem pela tela conferem à pintura uma textura contemporânea, quase urbana, que quebra a perfeição clássica do rosto, sugerindo que a beleza e a resiliência feminina são forjadas através do tempo e da experiência. É nesta fusão de delicadeza floral e olhar inabalável que reside a sua abordagem única ao empoderamento, transformando o retrato numa celebração da consciência e da autonomia da mulher.

François Fressinier (pintor Francês, nascido em 1968)

A sua obra é marcada por uma mistura de influências dos Mestres Antigos com elementos modernos, focando quase sempre na figura feminina e em atmosferas serenas e simbólicas. Ele estudou na prestigiada École Brassart, em Tours, e as suas obras são amplamente exibidas e colecionadas, especialmente nos Estados Unidos.

Dia Internacional da Mulher - International Women’s Day

Nenhum país do mundo atingiu a igualdade legal entre homens e mulheres [ONU]

The Silent Architect
"She is the interval between the notes,
The steady hum that holds the sky.
While the world demands a roar,

She offers the Inspirit -
The breath that turns bone into wing.

We need her because she is the anchor
In a sea of hollow noise.

A weaver of grace, a vessel of light,
Building worlds in the quiet,
Holding the pulse until it learns to sing.

Without her, the earth is merely stone.
With her, it is a symphony. "

João Soares 08.03.2026

Apelo à justiça igualitária marca o Dia Internacional da Mulher 2026

A verdadeira história da canção "Heroes" de Bowie e a interpretação de KinGeorg and Apoptygma Berzerk - Helter (David Bowie cover)

Helter significa Heróis em Norueguês 

Para escutar os 3 temas do álbum aqui

A canção Heroes foi escrita a dois, David Bowie e Brian Eno e originalmente cantada por David Bowie.

"Heroes": O Triunfo do efémero e a resistência do instante

A canção  foi escrita em 1977, durante o período em que Bowie vivia em Berlim Ocidental, imerso no que viria a ser conhecido como a sua “trilogia de Berlim” — Low, Heroes e Lodger — ao lado de Brian Eno e do produtor Tony Visconti. A cidade não era apenas o cenário: era o conceito. Dividida por um muro, carregada de tensão política, ideológica e emocional, Berlim oferecia a Bowie algo que ele procurava naquele momento da vida: distância do caos de Los Angeles, onde o vício em cocaína e o isolamento criativo quase o destruíram, e uma paisagem urbana que refletia a sua própria fragmentação interna.

O beijo sob o olhar da Stasi

A história por trás da canção é conhecida, mas nunca banal. Bowie escreveu “Heroes” inspirado num episódio real: ao observar pela janela do estúdio Hansa, localizado a poucos metros do Muro de Berlim, viu Tony Visconti a beijar uma mulher junto à barreira que separava o Leste do Oeste. A mulher era Antonia Maass, corista do álbum e, à época, envolvida com Visconti, apesar de ambos terem outros relacionamentos. O gesto, simples e arriscado, transformou-se no núcleo emocional da música. Não se tratava de amantes a desafiar apenas uma circunstância pessoal, mas de um ato de intimidade num dos espaços mais vigiados e simbólicos do planeta.

Engenharia de som como dramaturgia

Musicalmente, “Heroes” também nasce de uma experiência. Brian Eno construiu a paisagem sonora com sintetizadores e tratamentos electrónicos que expandiam a ambição do rock para além da sua forma tradicional. Visconti criou um sistema de microfones posicionados a diferentes distâncias da voz de Bowie, que se abriam progressivamente à medida que ele cantava mais alto, captando não apenas a performance, mas a própria arquitetura do estúdio.

O resultado é uma interpretação que cresce em intensidade, como se a canção literalmente ganhasse espaço físico à medida que Bowie se aproxima do clímax. É a técnica ao serviço da emoção.

A recusa do heroísmo grandioso

A letra, por sua vez, é deliberadamente simples. “We can be heroes, just for one day.” Não há promessa de eternidade, glória ou redenção total. Há apenas um instante. Um dia. Um gesto. Bowie nunca romantiza a vitória definitiva; ele oferece resistência temporária. E é exatamente essa recusa do heroísmo grandioso que torna a música tão poderosa. Num mundo de muros — físicos, políticos, afetivos —, ser herói por um dia já é um ato de coragem.

Do insucesso ao estatuto de Hino

Quando lançada, “Heroes” não foi um sucesso imediato nas tabelas de vendas. Alcançou posições modestas no Reino Unido e passou quase despercebida nos Estados Unidos. A crítica, entretanto, reconheceu desde cedo a sua singularidade, e a música começou a construir a sua reputação não pelo consumo rápido, mas pela sedimentação cultural. Com o tempo, tornou-se uma das faixas mais emblemáticas da carreira de Bowie, ao lado de “Space Oddity”, “Life on Mars?”, “Let’s Dance” e “Changes” — o quinteto que hoje define o coração do seu legado. 

Em 6 de junho de 1987, Bowie tocou "Heroes" no Reichstag, em Berlim Ocidental, o que foi considerado um catalisador para a queda do Muro.

 

Porquê agora?

Nada disto, porém, explica sozinho por que motivo “Heroes” ressoa tanto agora. Talvez porque vivamos novamente num mundo de muros, não apenas geopolíticos, mas simbólicos: polarização, guerras culturais, ansiedade coletiva, isolamento tecnológico. . Talvez porque, em tempos de exaustão moral, a ideia de um heroísmo possível, ainda que breve, soe mais honesta do que qualquer promessa de redenção total. “Heroes” não diz que o amor vence tudo. Diz que ele pode, por um instante, desafiar o impossível. E isso, para quem vive em 2026, não é pouco.

Em 2017 o tema foi remasterizado

Um legado em datas

Após a morte de Bowie, em janeiro de 2016, o governo alemão agradeceu o músico por "ajudar a derrubar o Muro", acrescentando que "você está entre os Heróis"

Em 8 de janeiro de 2026, “Heroes” completou 49 anos desde o seu lançamento. Dois dias depois, a 10 de janeiro, assinalaram-se dez anos da morte de David Bowie. A coincidência de datas não é apenas cronológica; é simbólica. Bowie construiu uma carreira inteira baseada na transformação e na coragem de se reinventar.

Hoje, a canção é mais do que um clássico; é a prova de que, num tempo em que ser herói parece exigir façanhas impossíveis, às vezes tudo o que temos é um dia. Um gesto. Um beijo à beira de um muro. E, ainda assim, isso basta para mudar tudo.

Unkle feat. Moby - God Moving Over The Face Of The Waters

O vídeo em questão, intitulado "UNKLE feat. Moby - God Moving Over The Face Of The Waters", é uma montagem que combina a música de Moby com cenas de um dos filmes mais icónicos do ano 2010, resultando numa fusão entre música eletrónica e cinema.

Significado da Canção

A música "God Moving Over The Face Of The Waters" foi composta por Moby para o seu álbum Everything Is Wrong (1995) e tornou-se famosa mundialmente como o tema de encerramento do filme Heat.

Título e Espiritualidade: O título é uma referência bíblica direta ao livro do Génesis 1:2 ("...e o Espírito de Deus pairava sobre a face das águas").

Interpretação de Moby: Moby descreveu a canção como a sua favorita, afirmando que a compôs com uma visão da criação — um estado de vazio e escuridão antes de algo novo surgir. Musicalmente, a mistura de arpejos de piano delicados com sintetizadores orquestrais simboliza a dualidade entre a luz e a escuridão, a esperança e a tristeza.

Quem é UNKLE?

No contexto deste vídeo específico, UNKLE aparece como o responsável pela mistura ou edição sonora. Fundado por James Lavelle em 1994, o UNKLE é um projeto britânico de música eletrónica e trip-hop conhecido por colaborar com grandes artistas (como Thom Yorke, DJ Shadow e o próprio Moby).

Conexão com o Cinema: O UNKLE tem uma relação profunda com o cinema. Neste caso, o UNKLE atua como um curador audiovisual. James Lavelle (o fundador) sempre teve a visão de que o UNKLE não é apenas uma banda, mas uma experiência estética. Ao colaborar com Ross Cairns, eles pegam em "Elite" (2010) um filme que por si só já é uma obra de arte sobre a condição humana - e dão-lhe uma nova camada emocional através da música.

Ao unir as imagens de "Elite" (violência pura, esforço físico e dor) com esta música espiritual, o vídeo representa a beleza no sofrimento.Os golpes são reais. O filme é um retrato visceral de boxeadores de "bare-knuckle" (combate sem luvas) e lutadores profissionais. Cairns utilizou câmaras de alta velocidade (Phantom) para captar o impacto real dos punhos no rosto, a ondulação da pele e o suor, criando uma estética crua e hipnótica Os "socos genuínos" tornam-se metáforas para as pancadas da vida, enquanto a música de Moby sugere uma elevação espiritual ou superação através dessa dor.

Este vídeo é considerado por muitos fãs como a união perfeita entre a estética da dor e a euforia sonora.

Hoje é dia de Janis Joplin - Raise Your Hand

Tema actualíssimo!
Raise Your Hand(Eddie Floyd, Stephen Lee Cropper, Alvertis Isabell)
If there's somethin' you needHon that you've never, ever, ever hadI know you've never had itOh, honey, don't you just sit there cryin'Don't just sit there feelin' badNo, no, noYou'd better get upNow, don't you understand?And raise you handHey, hey, heyI said, raise your hand
You know I'm standin' about, yes I amWant to give you all my love, oh, I doOh, honey, won't you come on and open upI said, open up in your heartPlease won't you let me try?Yeah!!
Got to be goodDon't ya understand?Raise your handHey, hey, heyI said, raise your handRight here, right now, babe!
Whoaaaah, yeah!
Whoaaaah!!Raise your hand
RaiseGonna raise
Said, raise your hand, come on!Raise your hand, feel it!Raise your hand, I gotta have it!Raise your hand
Raise your hand, yeah!Raise your hand, yeah!Raise it up, on up to meCome on, raise it up, on up to meOh, raise it up, on up to me, yeah!Yeah!
"Raise Your Hand" é uma canção cover de Janis Joplin, originalmente escrita por Eddie Floyd, Steve Cropper e Alvertis Isbell, presente no álbum Cheap Thrills (1968) de Big Brother and the Holding Company.​A letra incentiva o ouvinte a abandonar a passividade, parar de chorar ou se lamentar e "levantar a mão" para pedir o que precisa, simbolizando abertura emocional e iniciativa para receber amor ou satisfação.No contexto de Joplin, a música ganha uma energia blues-rock explosiva, frequentemente interpretada ao vivo como um grito de empoderamento e conexão com o público.

1. Biografia e discografia
2. ​Janis Joplin: The Unmatched Voice of Rock, Blues, and Soul

You are really piece of my heart

School of Seven Bells - I Got Knocked Down (But I'll Get Up)

Chuva que somos

Chuva que somos

"A chuva cai

como quem devolve ao mundo

a memória do que é simples.

Não molha a terra —

acorda-a.

E cada gota, ao tocar o solo,

faz o planeta respirar mais fundo,

como se dissesse:

“Estou vivo contigo.”

Há um silêncio verde

que cresce entre as raízes,

um pensamento que não é meu

nem de ninguém,

porque a Natureza pensa sem palavras.

Vejo a chuva cair nos campos,

e percebo que não há fronteiras

entre o que sou

e aquilo que se renova.

Sou apenas mais um corpo húmido,

uma pele que o mundo toca

para me lembrar

que pertenço.

E então sinto —

sem querer sentir —

que tudo é suficiente:

a terra que bebe,

o ar que se perfuma,

o chão que se entrega

sem nunca pedir.

A chuva é a mestra mais antiga:

ensina caindo,

e ensina sempre

a mesma lição.

Que viver é deixar-se molhar

pelo que vem do céu

e regressa ao chão

para começar de novo."

The Primitives - Sweet Sister Sorrow

“Sweet Sister Sorrow”, dos The Primitives, apresenta a tristeza como uma presença familiar e constante na vida de alguém. A canção personifica a melancolia como uma “irmã doce”, sugerindo que a dor se tornou íntima e quase confortável, algo de que a pessoa já não se consegue afastar. Há uma ambiguidade intencional: a palavra “sweet” suaviza “sorrow”, mostrando como certos sofrimentos se tornam parte da identidade emocional de alguém. A letra transmite a ideia de dependência emocional, padrões autodestrutivos e uma espécie de aceitação resignada da tristeza, enquanto a melodia, luminosa e típica do indie pop dos anos 80, contrasta com o peso emocional da mensagem, criando aquela combinação habitual do The Primitives entre som leve e significado sombrio.

Ghostbells - Cry4Her

1. Luta internaA canção parece falar sobre conflitos internos — não é apenas tristeza, mas uma batalha com “quem eu sou por dentro”. Os “demónios” mencionados simbolizam traumas, inseguranças, medos ou partes da personalidade que normalmente escondemos ou rejeitamos.
2. Autoaceitação“Cry4Her” sugere um movimento para aceitar essas partes mais sombrias. “Chorar por ela” (“Cry for her”) pode ser uma metáfora para lamentar, abraçar e até amar esse “ela” que representa o lado interno sombrio. É como um pedido de atenção para esse lado de si que muitas vezes é negligenciado.
3. Empoderamento emocionalAo “amar o seu lado mais escuro”, a pessoa ganha força emocional. Em vez de lutar contra essas partes, há uma aceitação que traz um tipo de poder. Reconhecer a escuridão pode ser libertador, porque dá controle — não necessariamente para eliminá-la, mas para conviver com ela.
3. Relação com o outroTambém pode haver uma leitura de que “ela” (her) é uma pessoa real, alguém que despertou esse lado sombrio no eu-lírico. Nesse caso, “chorar por ela” tem duplo sentido: dor por essa pessoa + reconhecimento de como essa pessoa impacta profundamente a psique dele.

Ute Weiner

“Começa de novo todos os diascom um pequeno passo de agradecimentoaprende a te surpreenderes com os olhos do coração
Recomeça todos os diascom um pequeno passo de esperançaAtreve-te a algo novo com ousadia de confiança
Recomeça todos os diascom um pequeno passo de perdãosemear um grão de paz
Recomeça todos os diascom um pequeno passo de amordescobre uma imagem em ti
Ensina-me algo de novo todos os diaso caminho dos pequenos passoscom ela nos momentos da vida quotidianao presente se ilumina"
Tradução livre da autora Ute Weiner - "Dem Klang der Liebe lauschen: Meditationen und Gebete"

L.A.Witch - Get Lost

A canção “Get Lost” da banda L.A. WITCH tem um tom misterioso e melancólico, típico do estilo do grupo — um garage rock psicadélico com influências de surf, punk e dark rock.

🌙 Significado geral

“Get Lost” pode ser interpretada como uma canção sobre fuga e desconexão emocional. A expressão get lost significa literalmente “perde-te” ou “vai-te embora”, mas também pode evocar a ideia de perder-se de propósito — numa viagem, num sentimento, ou em si mesmo.

🖤 Temas principais

1. Liberdade e evasão:
   A letra sugere uma vontade de escapar das amarras da rotina, das relações ou das expectativas.

   “You better get lost, before I find you”
   soa como uma mistura de ameaça e libertação — alguém a dizer que é melhor desaparecer do que enfrentar a dor de um confronto.

2. Desapego e poder feminino:
   Como muitas músicas da L.A. WITCH, há um tom de independência e uma rejeição da vulnerabilidade romântica. É uma mulher a tomar o controlo da narrativa, a dizer “não preciso de ti”.

3. Ambiguidade emocional:
   O ambiente sonoro — reverb, guitarras sombrias, voz etérea — reforça um estado entre o sonho e a realidade, entre o querer e o afastar-se.

🎸 Em suma:

“Get Lost” fala sobre perder-se para se encontrar, sobre o poder de dizer adeus antes que alguém ou algo te destrua. É tanto um aviso como um manifesto de autonomia.

Anne Teresa De Keersmaeker - Rosas danst Rosas

Leitura simbólica e filosófica de Rosas danst Rosas
1. O corpo como linguagem e pensamentoAnne Teresa De Keersmaeker parte da ideia de que o corpo pensa — que o gesto é uma forma de raciocínio.Em “Rosas danst Rosas”, o corpo deixa de ser mero instrumento expressivo e torna-se um sujeito que reflete, insiste e questiona.A repetição de movimentos banais (mexer o cabelo, cruzar as pernas, cair, reerguer-se) torna-se uma meditação física sobre a existência:
“Sou corpo, logo insisto.”Assim, a peça aproxima-se de uma fenomenologia do corpo, no sentido de Merleau-Ponty — o corpo como modo de estar-no-mundo, como consciência encarnada.
2. Repetição e diferençaA repetição obsessiva dos gestos não é redundante; é criadora.Inspirada no pensamento de Gilles Deleuze, podemos ver aqui uma “repetição que gera diferença”:cada volta, cada gesto repetido, transforma-se subtilmente — porque o tempo, o corpo e a intenção mudam.A dança torna-se um laboratório da diferença no seio do idêntico.
Esta repetição também evoca o ciclo da vida: o nascer, o cansar-se, o recomeçar — um ritmo existencial que espelha o modo como o ser humano insiste na construção do sentido.
3. O feminino como resistênciaA presença de quatro mulheres que dançam até à exaustão é simultaneamente um gesto de poder e vulnerabilidade.Os gestos femininos, por vezes sensuais ou domésticos, são reapropriados e amplificados, libertando-os da sua carga social ou sexualizada.A mulher não é objeto, mas sujeito da sua própria repetição.O corpo feminino, ao resistir à fadiga e à monotonia, afirma-se como força criadora, como uma espécie de revolta silenciosa.Neste sentido, a obra pode ser lida como um manifesto feminista do corpo — não por representar “a mulher”, mas por fazer do corpo feminino um espaço de pensamento e autonomia.
4. O tempo e a duraçãoA peça é também uma reflexão sobre o tempo vivido — o tempo que não corre “para a frente”, mas que se dobra, se repete, se expande.O tempo na dança é corporal: o público sente o peso da duração, o tédio que se transforma em transe.Há aqui um eco de Henri Bergson, que via a duração (durée) como uma experiência interior, fluida e não mensurável.“Rosas danst Rosas” faz o espectador sentir o tempo como matéria física, como respiração, como desgaste e renascimento.
5. A coletividade e o indivíduoAs quatro intérpretes formam uma unidade, mas cada uma tem um ritmo ligeiramente distinto — como vozes de um mesmo coro.Simbolicamente, isso reflete o tenso equilíbrio entre o coletivo e o singular, entre o eu e o outro.É uma metáfora da coexistência humana: seres que repetem o mesmo padrão, mas cada um à sua maneira, num mundo que partilham.
6. A estética do essencialDe Keersmaeker retira tudo o que é decorativo. O cenário é austero, o figurino simples, os movimentos mínimos.Esse despojamento é ético — é uma busca pela verdade do movimento, pela essência da presença.Nesse sentido, a coreografia aproxima-se de uma espiritualidade laica, onde o gesto repetido se torna ritual e meditação.

7. Síntese filosófica

Em “Rosas danst Rosas”, o corpo:

1. Pensa (fenomenologia do gesto);
2. Repete e transforma (Deleuze: diferença na repetição);
3. Resiste e afirma-se (feminismo existencial);
4. Habita o tempo (Bergson: duração vivida);
5. Partilha e coexiste (ética do coletivo).

A obra, portanto, é uma metáfora do ser humano no mundo: persistente, cíclico, sensível, vulnerável e criador.É uma dança da existência — onde o movimento é pensamento e o cansaço é revelação.
Saber mais:Henri Bergson, vitalismo e teoria social

Desilusão com Dino d’Santiago

Nos últimos 13 meses, a associação Mundu Nôbu, presidida pelo músico Dino D’Santiago e gerida pela sua parceira Liliana Valpaços, conseguiu encontrar um verdadeiro mundo novo de financiamento público através de alegadas prestações de serviços a empresas municipais de Lisboa.

À margem dos habituais concursos e candidaturas públicas, a que estão sujeitas dezenas de organizações não-governamentais, a associação criada no final de 2023 pelo músico residente no Algarve, mas com forte projecção mediática na capital, já conseguiu firmar, desde Agosto do ano passado, quatro contratos directos com estruturas da Câmara Municipal de Lisboa, no montante global de 481 mil euros (equivalente a 385 mil euros acrescidos de IVA)

O expediente foi simples: em vez de subsídios ou apoios sujeitos a regras de concurso, a Mundu Nôbu passou a figurar como prestadora de serviços, assinando contratos de aquisição directa — ora para a execução de projectos sociais com a Gebalis, empresa municipal de habitação, ora para a organização de concertos a preços manifestamente inflacionados com a EGEAC, responsável pela gestão cultural da cidade. 

O primeiro grande contrato surgiu em Agosto do ano passado, quando a EGEAC assinou com a recém-criada associação um acordo de 130 mil euros para a “concepção, coprodução e apresentação ao público do Festival Mundo Novo 2024”. O evento, integrado nas Festas na Rua, foi apresentado com o tema “A interculturalidade portuguesa no topo do Spotify”, mas, na prática, resumiu-se a uma conferência com Dino D’Santiago e convidados, seguida de um concerto nocturno na Praça do Município, com actuações de Dino D’Santiago, Irma, Soluna, Crioulo, Maro e Bateu Matou. Pelas imagens disponíveis, o público presente não terá ultrapassado o milhar de pessoas, embora o evento tenha contado com a presença do presidente da autarquia, Carlos Moedas.

O ritmo de contratos acelerou este ano. Em Junho, a Gebalis adjudicou à Mundu Nôbu um contrato de 20 mil euros, por ajuste directo, para um projecto de intervenção comunitária denominado “O Teu Lugar no Mundo”, destinado a jovens entre os 14 e os 22 anos. A descrição contratual era vaga: realização de reuniões semanais de duas horas com até 160 participantes, divididos por grupos. Não há registos fotográficos nem informação sobre o local de realização das sessões, mas a empresa municipal pagou integralmente a verba correspondente a oito encontros, uma vez que o contrato teve a duração de 60 dias. Curiosamente, o valor adjudicado coincidiu com o limite máximo legal que dispensa concurso público.

Mal terminou esse contrato, a Gebalis renovou a prestação de serviços por mais doze meses, agora no valor de 125 mil euros, sob a designação “fase de desenvolvimento”. Este novo acordo, celebrado em Agosto, foi classificado como uma “contratação excluída” — expressão que, na prática, significa um procedimento fora das regras habituais da contratação pública, situação de legalidade duvidosa no contexto deste serviço. Assim, um apoio temporário transformou-se num contrato anual que assegura mais de 10 mil euros mensais à associação de Dino D’Santiago, com cláusulas invulgares.

Mais do que um instrumento de intervenção social, o contrato revela-se um veículo de promoção da própria associação. De acordo com o documento, e sob o pretexto de “articulação” com a empresa municipal, prevê-se a realização de visitas mensais aos bairros para “apresentar o projecto e convidar jovens e famílias a conhecer a Mundu Nôbu”, bem como a produção de conteúdos digitais com menções expressas à entidade.

Em vez de actividades concretas e metas mensuráveis, o contrato estabelece uma rotina de reuniões, relatórios e intercâmbios vagos, que acabam por servir sobretudo para dar visibilidade e notoriedade à associação beneficiária, mais do que para gerar resultados tangíveis junto dos moradores dos bairros municipais.

O quarto e mais recente contrato foi assinado no passado dia 19 de Setembro, novamente com a EGEAC, para a coprodução e apresentação do “Mundo Nôbu Experience 2025”, por um valor total de 110 mil euros. O evento, previsto para 12 de Novembro no Capitólio, está descrito apenas como um “concerto” entre as 20h30 e as 23h00. O documento não especifica o conteúdo artístico, nem há qualquer referência a orçamentos detalhados. Curiosamente, nem o Capitólio, nem a EGEAC, nem a Agenda Cultural de Lisboa incluem o espectáculo nas respectivas programações, o que levanta dúvidas quanto à efectiva execução do contrato.

Mais surpreendente ainda é o contraste entre estes valores e os cachês de Dino D’Santiago. Nos últimos anos, os concertos do músico, de ascendência cabo-verdiana, têm oscilado geralmente abaixo dos 20 mil euros. A Câmara de Lisboa pagou-lhe 6.000 euros em 2018, no âmbito da Moda Lisboa; em 2019, recebeu 5.500 euros da Associação Vicentina, 17.000 euros da Câmara de Alcobaça e 15.000 euros da de Aveiro (num espectáculo conjunto com Branko). Em Viana do Castelo o valor foi de 10.500 euros, na Figueira da Foz de 5.000 euros, e apenas em Albufeira, sua região natal, atingiu o valor excepcional de 71.400 euros no ano passado. Em 2024, só se encontra um contrato público de espectáculo, com a Câmara de São João da Madeira, no montante de 9.000 euros.

A associação Mundu Nôbu parece, assim, ter descoberto um modelo engenhoso: usar uma figura pública de grande visibilidade para obter financiamentos públicos regulares, com um modelo de gestão pouco transparente, sem depender de candidaturas competitivas ou de voluntariado associativo. Apresentando-se como uma organização sem fins lucrativos, actua de facto como uma estrutura profissional, concentrada e opaca. Apesar de se afirmar aberta a novos sócios, apenas duas figuras estão visivelmente associadas ao projecto: Dino D’Santiago, presidente, e Liliana Valpaços, responsável pela execução dos contratos e, desde o ano passado, alegadamente remunerada após uma alteração estatutária.

O PÁGINA UM contactou por duas vezes a associação Mundu Nôbu, solicitando esclarecimentos sobre as contas do exercício de 2024, o plano de actividades dos seus dois anos de existência, os órgãos sociais e o número de sócios efectivos. Não houve qualquer resposta — talvez por se entender que não é necessário prestar contas à imprensa quando se gerem dinheiros públicos.

No site da associação surge a equipa da Mundu Nôbu constituída por uma psicóloga, uma responsável pela comunicação e marketing, um responsável administrativo e financeiro e três monitores. Nada consta de relatórios, nem os nomes dos órgãos sociais (direcção, assembleia geral, conselho consultivo e fiscal único), nem planos de actividades. Apenas se exibem fotografias genéricas e frases inspiracionais sobre “interculturalidade” e “empoderamento”.

Não há sequer referências a eventos realizados nem a iniciativas futuras, e mesmo o anunciado concerto de 12 de Novembro no Capitólio permanece envolto em silêncio. Já a lista de parceiros institucionais e privados é extensa e bem exposta — mais de uma dezena —, uma espécie de convite da Mundu Nôbu para se apoiar uma história de sucesso: só com sorrisos, palmadinhas das costas, dinheiro público… e sem questionamentos.

Novidades:

A fortuna de Dino d’Santiago: em cinco anos, Estado dá-lhe 1,6 milhões de euros para ‘empoderamento social’

Dia dos Povos Indígenas EUA - Indigenous Peoples Day

O Dia dos Povos Indígenas é um feriado oficial municipal e estadual em várias localidades dos Estados Unidos que celebra e homenageia os povos indígenas americanos e comemora suas histórias e culturas. É comemorado na segunda segunda-feira de outubro.

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My tribute to the enduring strength, cultural richness, and vibrant spirit of various Indigenous communities.

O impacto ambiental dos povos indígenas norte-americanos

Ao contrário do que se pensa, os povos indígenas da América do Norte não viveram em completa ausência de impacto ambiental — mas a forma como interagiram com o território foi notavelmente equilibrada e sustentável.

Muitas tribos, como os Cherokee, Apache, Yurok e Ojibwa, praticavam o “fogo cultural” — queimadas periódicas e deliberadas. Era uma técnica que renovava ecossistemas, promovia o crescimento de plantas úteis e evitava incêndios de grandes proporções. 

Povos como os Pueblo, Iroqueses e Mississipianos desenvolveram sistemas agrícolas sofisticados tais como  o cultivo integrado das “três irmãs” (milho, feijão e abóbora), que mantinha a fertilidade do solo. Usavam rotação de culturas, compostagem e controle da erosão.

A caça era cuidadosamente regulada, garantindo a reposição natural das espécies. Obras como terraços agrícolas e valas de irrigação mostram também um domínio técnico adaptado aos ciclos naturais - povos Cahokia e Hopewell)

Curiosamente, após o declínio populacional indígena causado pela colonização europeia, as florestas voltaram a expandir-se tanto que alguns estudos sugerem um pequeno efeito de arrefecimento global, conhecido como “Pequena Idade do Gelo”.

Os povos indígenas norte-americanos deixaram, assim, um legado profundo de gestão ecológica tradicional, cuja lógica de respeito e reciprocidade com a Terra continua a inspirar a conservação ambiental contemporânea.

Poema aos Jovens da Geração Alfa

Foto: Greg Ponthus

"Jovens,

que trazem o sol nos olhos

e o vento nas mãos,

não deixem que o medo

vos ensine o caminho.

Há em vós um fogo antigo,

feito de curiosidade e sonho,

um rumor de mares por navegar,

de florestas ainda por semear.

Não aceitem o mundo gasto

como quem herda ruínas —

recriem-no!

Dai-lhe novas cores,

novas perguntas,

novas formas de amar.

Sede sementes e tempestades,

raízes e asas.

O tempo pertence-vos,

não o desperdicem em silêncios.

Ergam pontes onde há muros,

plantem árvores onde há cinza,

façam do amanhã

um lugar digno do vosso nome.

E quando o cansaço vier,

recordai:

cada gesto justo,

cada palavra limpa,

faz germinar a esperança."

João Soares, 12.10.2023