0:00 Appear Disappear 4:07 Systemized 7:47 Hey Amour 12:30 Blackwater 19:42 All My Skin Standing 29:58 Kissing the Sun 34:14 Gasoline Man 38:59 Blue Me Away 43:00 Mes yeux de tous 49:04 Shine That Drone
Um dos grandes nomes do rock eletrónico, o trio suíço The Young Gods está entre as atrações mais prestigiadas do Hellfest deste ano. Acturam no dia 20 de junho no palco Valley.
Formado em Genebra em 1985, o projeto The Young Gods foi lançado por Franz Treichler, Cesare Pizzi e Frank Bagnoud. O mentor do grupo, Treichler, mantém-se como o único membro permanente até aos dias de hoje, após mais de quarenta anos de carreira. Bernard Trontin juntou-se a eles, substituindo Bagnoud, em 1997.
Pioneiros no seu género, os The Young Gods influenciaram muitos artistas que ultrapassaram em muito o seu próprio nível de fama, tornando-os uma referência essencial do underground. David Bowie, Nine Inch Nails, Ministry: todos veneram a prolífica banda suíça que, ao lado de outro monumento da música industrial (a banda alemã Einstürzende Neubauten), representa um dos pilares fundamentais do rock experimental e atmosférico.
Para esta edição de 2026 do Hellfest, tomam conta do palco Valley para um dos concertos mais memoráveis do festival. Uma experiência imperdível trazida até si pela ARTE Concert.
Filmado a 20 de junho de 2026 no Hellfest Open Air Festival, Clisson.
Na canção "Blues From a Gun", lançada em 1989 no álbum Automatic, a sonoridade da banda ganha contornos ainda mais mecânicos e industriais devido ao uso de baterias eletrónicas e sintetizadores. O significado da letra mergulha numa profunda angústia existencial, na paranoia e na autodestruição. O título liga a melancolia do blues ao perigo iminente de uma arma, servindo como uma metáfora para uma crise psicológica volátil. Através de uma interpretação vocal apática que contrasta com o caos das guitarras, a faixa transmite uma sensação de isolamento, alienação urbana e o sentimento de estar sob o escrutínio destrutivo do mundo, funcionando como uma catarse barulhenta para o desespero interior.
Há uma forma indireta de ler uma crítica social na canção, se olharmos para o contexto da época. No final dos anos 80, o Reino Unido vivia o auge do Thatcherismo, um período marcado pelo individualismo extremo, desemprego em massa e desmantelamento das comunidades industriais (especialmente na Escócia, terra natal da banda). O niilismo e a sensação de "não haver futuro" que a canção transmite não nascem no vácuo; são o produto de uma juventude sufocada por esse ambiente cinzento e sem perspetivas.
Ainda assim, a banda nunca teve a intenção de assinar uma panfletagem anticapitalista. Se há uma revolta em "Blues From a Gun", ela é puramente existencial. É o indivíduo encurralado pelos seus próprios demónios e pela hostilidade do mundo exterior, preferindo o barulho e a apatia como refúgio à dor de tentar encaixar na sociedade. É niilismo puro, mas com a marca e a frustração da sua própria era.
Em resumo, é uma faixa que capta a urgência, o desalento e o lado mais sombrio da juventude e da alienação urbana no final dos anos 80.
A versão RE:CUT refere-se ao relançamento da música em 1997. Originalmente lançada em 1995, ela foi regravada e editada para o álbum de estreia autointitulado Placebo. Tudo sobre a canção e melhor audição aqui
O Placebo é uma banda britânica. Formada em Londres em 1994, a banda tem uma identidade multicultural (o vocalista Brian Molko é belga, tem origens americana, escocesa e judaico-italiana, enquanto Stefan Olsdal é sueco), mas o projeto é radicado e reconhecido como parte essencial do rock alternativo do Reino Unido.
Significado da canção
"Bruise Pristine" é um mergulho visceral na estética do rock alternativo dos anos 90, servindo como um dos primeiros grandes manifestos da identidade do Placebo. O título da canção carrega um paradoxo poético fascinante: a junção de "bruise" (hematoma), que evoca dor, trauma e marcas físicas, com "pristine" (imaculado), que sugere algo puro e intocado. Esta combinação resume a filosofia de Brian Molko — a ideia de que existe uma beleza crua e honesta na dor e nas marcas que os encontros humanos deixam em nós.
Brian Molko escreveu esta canção num período em que a bissexualidade estava a tornar-se "chic" na média britânica (o chamado Britpop). Molko, que vivia essa realidade de forma autêntica e andrógina, usava a música para questionar a autenticidade das pessoas ao seu redor. A letra fala sobre ser um "livro aberto nas mãos do amor", mas também sobre a crueza de ser quem se é num mundo que muitas vezes trata a identidade como moda.
A letra explora uma luta de poder emocional e sexual, marcada pela frase repetitiva "it's either you or me", que coloca o eu-lírico num estado de confronto defensivo contra a vulnerabilidade. É uma música que fala sobre a tentativa de manter o controlo e a frieza diante do desejo, apenas para acabar na aceitação de que "nascemos para perder". No fundo, a canção celebra a perfeição que existe no ato de ser "marcado" pela vida, transformando a cicatriz ou a nódoa negra num símbolo de autenticidade e vivência.
Curiosamente, em 2026, a banda lançou o projeto RE:CREATED, onde regravaram "Bruise Pristine" com uma sonoridade mais pesada e dinâmica. Molko descreveu esta nova fase como uma forma de honrar a "inocência" daquela época, mas com a confiança e a escala da banda que eles se tornaram após 30 anos de estrada.
O vídeo oficial foi realizado e produzido pelo cantor Thomas Feiner.
Tendo-se filmado contra um pano de fundo de clipes de IA adaptados e tratados, apresentando elementos simiescos entre outras coisas, Feiner afirma:
"Para o bem e para o mal, os media generativos vieram para ficar. E agora que os artistas foram, de certa forma, roubados, creio que é importante perceber se o propósito artístico pode ser reivindicado neste novo mundo. O vídeo em si é uma tentativa algo satírica nessa direção. Ilustra vagamente temas que inevitavelmente flutuam na minha mente hoje em dia: a história a repetir-se, a manosphere, o ressentimento, a radicalização, os ecrãs, os algoritmos e tudo o mais."
E porquê macacos?
"Se a sobrevivência do mais amigável foi o fator evolutivo que permitiu a civilização - então o que vejo agora parece quase uma espécie de contra-evolução. Por isso, usei os macacos como símbolos desse impulso retrógrado — sem qualquer intenção de desrespeito pelos animais!"
Notas sobre a tradução e contexto:
"Manosphere": Mantive o termo original, pois é o conceito usado internacionalmente para designar o ecossistema online de movimentos masculinos (muitas vezes ligados a ideologias de extrema-direita ou misoginia), que encaixa bem na tua observação inicial sobre o J.D. Vance e o fenómeno do "penedo" (alguém rígido ou retrógrado).
"Simian elements": Traduzido como "elementos simiescos"
"Survival of the friendliest": Esta é uma brincadeira com a famosa frase de Darwin (survival of the fittest). Em Portugal, usamos "sobrevivência do mais apto", por isso a tradução "sobrevivência do mais amigável" mantém esse contraste evolutivo que o Feiner quis destacar.
A força de "Call" reside na exploração profunda do anseio e da conexão, manifestando a urgência de um contato que parece sempre interrompido ou prestes a chegar. A canção mergulha na distância emocional, apresentando o desejo de redenção através do outro como uma força motriz, enquanto a letra alterna entre a promessa de presença e a frustração da espera. Esse sentimento é amplificado por uma marcante melancolia urbana, típica de bandas que emergem do isolamento de metrópoles como Nova York; aqui, a "chamada" do título funciona como um farol de esperança, uma tentativa desesperada de romper o ruído da cidade e escapar do confinamento dos próprios pensamentos.
Tudo isso é emoldurado por uma cinematografia sonora meticulosa, já que LG Galleon projecta suas composições como trilhas sonoras para filmes que nunca foram filmados. Em "Call", essa estética se traduz na tensão constante entre o silêncio do sentimento interior e o barulho esmagador da realidade externa, utilizando as camadas densas do shoegaze para pintar um retrato sonoro onde a forma muitas vezes se sobrepõe à função, criando uma experiência que é, ao mesmo tempo, íntima e expansiva.
Show me a memory And that's where I'll long to be Please don't ask for more from me Cos memory is all I'll be
[Refrão] But I can live In your mind's eye Live, in your heart I'll love you in your dreams But please don't try to hold me in your arms
Show me a fantasy And that's who I'll long to be Please don't ask for more from me Cos fantasy is all I'll be
[Refrão] 2X
O álbum Fairytales of Slavery, lançado em 1994, representa o momento de maior rutura e maturidade artística do Miranda Sex Garden, consolidando a transição da banda de um trio vocal de música antiga para um coletivo de rock gótico experimental e darkwave. Neste disco, a sofisticação das harmonias clássicas funde-se com uma sonoridade industrial densa, marcada por guitarras distorcidas, ritmos tribais e uma atmosfera assumidamente claustrofóbica e sensual. É uma obra que abandona a pureza acústica do passado em favor de um estilo de vanguarda, frequentemente comparado à sonoridade de artistas como Dead Can Dance ou à agressividade artística do movimento pós-punk.
O Fairytales of Slavery é amplamente considerado o disco mais negro, pesado e experimental da banda. Foi produzido por Alexander Hacke(dos Einstürzende Neubauten), o que explica a guinada drástica para o Rock Industrial e para uma sonoridade muito mais metálica e abrasivaoi produzido por Alexander Hacke (dos Einstürzende Neubauten)
A canção que dá título ao álbum funciona como uma metáfora central sobre o voyerismo e a exposição. Através de uma sonoridade que oscila entre o sussurro sedutor e a tensão caótica, a letra explora o desconforto de ser observado e o jogo de poder inerente ao ato de olhar. O termo "Peep Show" sugere um ambiente de cabaré decadente e sombrio, onde a feminilidade não é apresentada de forma passiva ou delicada, mas sim como uma força crua e, por vezes, perturbadora. Ao subverterem a imagem de "anjos" que as acompanhava desde o início da carreira, as integrantes utilizam esta faixa para explorar os desejos, os medos e a complexidade da psique humana, criando uma ponte entre a beleza técnica do conservatório e a rebeldia do submundo industrial de Londres.
O nome Miranda Sex Garden nasceu de uma vontade deliberada das fundadoras - Kelly McCusker, Jocelyn West e Katharine Blake - em unir o erudito ao profano, criando um contraste que definisse a identidade da banda. A primeira parte do nome, Miranda, é uma referência direta à heroína da peça A Tempestade, de William Shakespeare, simbolizando a pureza, a juventude e a herança clássica que as integrantes traziam da sua formação académica em música antiga.
Por outro lado, a adição de Sex Garden serviu como um contraponto irónico e provocador. Sendo jovens estudantes de conservatório que interpretavam madrigais do século XVI, o grupo queria distanciar-se da imagem austera e conservadora associada aos coros tradicionais. Ao introduzirem esta expressão mais carnal e terrena, as artistas estabeleceram uma dualidade entre o "celestial" das suas harmonias vocais e a atitude rebelde da cena underground londrina dos anos 90.
Esta escolha acabou por se revelar uma excelente estratégia de identidade artística, permitindo à banda transitar com naturalidade entre a solenidade da música renascentista e a estética sombria do rock gótico e industrial, sublinhando que a sua arte não estava presa ao passado, mas sim viva e em constante mutação.
As letras de Cult of Dom Keller, especialmente no álbum This Is How It Feels to Live Your Life Dead, são o reflexo perfeito do título: niilistas, existenciais e profundamente obscuras.
A banda não costuma escrever letras narrativas (com princípio, meio e fim); eles focam-se em criar mantras e imagens fragmentadas que reforçam a sensação de desespero e desorientação.
Temas Recorrentes
A Morte em vida: como o título sugere, as letras exploram a apatia, o vazio emocional e a sensação de estar "morto por dentro" enquanto o corpo continua a funcionar.
Decadência mental: há referências constantes a estados de psicose, alucinações e o colapso da sanidade.
Consumo e vício: metáforas sobre substâncias e a necessidade de escapar da realidade através do ruído ou da alteração da consciência.
O "Vazio" (The Void): o conceito de nada absoluto é uma constante, tanto nas letras como na própria estrutura sonora repetitiva.
Quando pensa que as bandas de post-punk e dark scene já não existem, pare. Há muitas bandas novas e entusiasmantes a surgir. Maruja, de Manchester, é uma delas. Mal posso esperar para os ver ao vivo no Porto, em Maio de 2026.
O nome "Maruja" foi inspirado numa placa que o vocalista viu durante umas férias em Espanha.
A palavra Kakistocracy foi cunhada já no século XVII e deriva de duas palavras gregas, kákistos (κάκιστος, 'pior') e krátos (κράτος, 'governo'), que juntas significam um sistema de governo onde os líderes são os piores, menos qualificados e/ou mais inescrupulosos cidadãos.
Em março de 1984, a jornalista musical britânica Muriel Gray visitou Berlim Ocidental para filmar um segmento para o programa musical pioneiro do Reino Unido, The Tube (ITV), guiada pelo músico britânico expatriado e representante da Factory Records, Mark Reeder.
O conteúdo: as filmagens documentaram a vibrante, isolada e caótica subcultura da Berlim Ocidental da Guerra Fria, apresentando entrevistas e cenas da cena musical alternativa, incluindo artistas como Blixa Bargeld.
O contexto: Esta viagem fez parte de um esforço mais amplo e de longo prazo de Reeder para documentar a "cidade-ilha" no início da década de 1980. Imagens dessa época, incluindo a visita de 1984, foram posteriormente incorporadas no documentário de 2015, B-Movie: Lust & Sound in West-Berlin 1979-1989.
Atividade de 1984: por volta desta altura, Reeder estava a transformar a sua banda pós-punk Die Unbekannten (com Alistair Gray) no projeto Shark Vegas, de sonoridade mais eletrónica, pouco antes da digressão com os New Order.
A canção, que faz parte da versão deluxe do aclamado álbum Desire, I Want To Turn Into You, é uma colaboração com o produtor Oneohtrix Point Never. Como o título sugere, a música explora o estado de êxtase absoluto. Não é apenas uma alegria comum; é aquela sensação de estar "fora do corpo", onde o desejo e a realidade se fundem.
Ela utiliza metáforas sensoriais e espaciais para descrever a perda de controle. É sobre o momento em que você para de lutar contra seus instintos e se entrega totalmente a uma experiência ou a alguém.
Conexão com o álbum: o disco inteiro fala sobre a natureza "indomável" do desejo humano, e esta faixa serve como o clímax sonoro desse conceito.
You couldn't guess that she could take you that far
Some things are so hard to say
Even though you'd say them every day
Don't let your life be the butt of a joke
Get your lips round a cool black Pepsi Coke
Here she come
"Here Comes Alice", foi lançada no álbum Automatic (1989). Melhor somaqui
Em "Here Comes Alice", do The Jesus And Mary Chain, Alice surge como uma figura envolvente e ameaçadora. Logo no início, a descrição "her heart is black" (seu coração é negro) indica não só mistério, mas também uma natureza destrutiva. As imagens presentes na letra, como "Think of ice cream sliding into a crack" (pense em sorvete escorrendo por uma fenda) e "The heat sticks to summer's heavy sweat" (o calor gruda no suor pesado do verão), criam um clima sensual e sufocante, sugerindo um desejo intenso que pode ser tanto emocional quanto físico. Muitos interpretam essas metáforas como alusões ao uso de drogas, especialmente quando a música diz "She's got the hit that takes you into space" (ela tem a dose que te leva para o espaço) e "make a deal for that taste" (faça um acordo por esse gosto), reforçando a ideia de Alice como símbolo de uma tentação viciante, seja uma pessoa, experiência ou substância.
A "Femme Fatale": Alice é retratada como uma figura magnética, mas perigosa. Ela "anda como se estivesse em um filme" e "vende o que você não pode comprar". Ela personifica aquela pessoa que domina o ambiente pela sua aura de mistério e autodestruição.
Fuga e Entorpecimento: A repetição de "Here she comes" (Lá vem ela) sugere uma inevitabilidade. Muitos interpretam as figuras femininas nas músicas dos irmãos Reid como metáforas para vícios ou estados de transe. É uma música sobre observação, desejo e o vazio existencial da vida noturna.
Estética "Noir": A letra evoca imagens de ruas escuras, luzes de neon e uma certa elegância decadente. Não é uma música sobre felicidade, mas sobre a beleza que existe no sombrio.
Curiosidade: A música fez parte da trilha sonora do filme The Crow (O Corvo), o que faz todo o sentido, já que a estética gótica e urbana do filme casa perfeitamente com o som da banda.
She'll turn once more to sunday's clown and cry behind the door
And what costume shall the poor girl wear
To all tomorrow's parties
Why silks and linens of yesterday's gowns
To all tomorrow's parties
And what will she do with thursday's rags
When monday comes around
She'll turn once more to sunday's clown and cry behind the door
And what costume shall the poor girl wear
To all tomorrow's parties
For thursday's child is sunday's clown
For whom none will go mourning
A blackened shroud
A hand-me-down gown
Of rags and silks - a costume
Fit for one who sits and cries
For all tomorrow's parties
Solidão e máscaras sociais em “All Tomorrow's Parties”
Em “All Tomorrow's Parties”, do The Velvet Underground, a repetição da pergunta “And what costume shall the poor girl wear to all tomorrow's parties” (“E que fantasia a pobre garota usará em todas as festas de amanhã”) destaca a angústia sobre identidade e pertencimento. A música faz referência ao ambiente das festas da Factory de Andy Warhol, conhecidas por reunir pessoas excêntricas e outsiders. A “pobre garota” representa tanto figuras reais, como Darryl (citada por John Cale), quanto qualquer pessoa marginalizada que tenta se encaixar em um meio marcado por aparências e expectativas sociais. O trecho “hand-me-down dress from who knows where” (“vestido usado, vindo sabe-se lá de onde”) reforça a sensação de exclusão e vulnerabilidade dessa personagem.
O tom melancólico da canção se intensifica com a imagem da garota que, ao fim das festas, “turns once more to sunday's clown and cry behind the door” (“volta mais uma vez ao palhaço de domingo e chora atrás da porta”). O “clown” funciona como metáfora para a máscara social que ela precisa usar, escondendo sua solidão e tristeza sob a superfície festiva. A alternância entre “thursday's rags” (“trapos de quinta-feira”) e “yesterday's gowns” (“vestidos de ontem”) sugere um ciclo de tentativas frustradas de renovação, onde o passado e a precariedade sempre retornam. O verso “For thursday's child is sunday's clown, for whom none will go mourning” (“Pois a criança de quinta-feira é o palhaço de domingo, por quem ninguém vai lamentar”) reforça o anonimato e o desamparo da personagem. Assim, a música faz uma crítica à superficialidade e à efemeridade das relações sociais, especialmente em ambientes artísticos e boémios, onde a busca por aceitação muitas vezes esconde solidão e sofrimento.
A canção “Vollmond” do Elektrokohle foi lançada como single e vídeo oficial em março de 2023, sendo parte do EP de estreia do grupo - que saiu primeiro em 22 de fevereiro de 2023 e depois teve o vídeo de Vollmond publicado em 19 de março de 2023.
“Vollmond”, que significa literalmente “lua cheia” em alemão, é uma música bilíngue (alemão e italiano) que explora a sensação de inquietação e mudança provocada pela lua cheia. Liricamente e sonoramente, a canção utiliza a lua como símbolo de emoções intensas que sobem e descem como as marés, refletindo ansiedade e pensamentos que emergem à tona, enquanto cria uma atmosfera noturna sombria e quase hipnótica, com um ritmo que sugere tensão e inquietação sob a luz lunar.
Just by following our enemy I can lose for a victory And if we wanna change our destiny There’s a way that can set us free
Just by following our enemy I can lose for a victory And if we wanna change our history There’s a way that can set us free
You left me off Right from the start You left me off In exile after my regicide
Go on, arrest me and kill me I know my guilt is not here
Just by following our enemy I can live for a victory And if we wanna change our destiny There’s a way that can set us free… Therе’s a way that can set us There’s a way
You lеft me off Right from the start You left me off In exile after my regicide
Shoot the king to show your better side
Inspirado por Gaetano Bresci, um anarquista que assassinou o Rei de Itália, Humberto I, em 1900 para protestar contra o massacre de manifestantes, Fernando Nuti refere esta figura como ponto de partida: fala do exílio, da violência propositada – "Não matei Humberto. Eu matei o rei. Eu matei um princípio" (frase pronunciada por Bresci imediatamente após o assassinato, em resposta às acusações da multidão) – e da culpa inevitável que este ato deixa para trás.
O termo regicídio, literalmente “assassinato de um rei”, serve de metáfora para a rebelião contra as estruturas de poder ultrapassadas, uma luta que questiona se o fim justifica os meios.
Interpretação Lírica
Os versos:
“Atira ao rei para mostrar o teu melhor lado / Deixaste-me / No exílio após o meu regicídio” combinam temas de vingança, exílio e transformação pessoal. O narrador parece chegar a uma conclusão sobre se o ato violento representa uma verdadeira mudança ou apenas a substituição de uma opressão por outra.
Som e Estilo
Musicalmente, a música mistura guitarras psicadélicas com baixo eletrónico gótico e um ritmo disco nos versos, criando um contraste entre a mensagem violenta e uma atmosfera quase dançante.
Esta dicotomia reforça a ideia do sinistro envolto no sedutor.
Conclusão
“Regicide” é uma reflexão profunda sobre a violência política e moral. Ela questiona:
É legítimo derrubar o poder quando este oprime?
Existe o risco de nos tornarmos naquilo que foi criticado?
O que é sacrificado — a solidão, o exílio, a culpa — em nome da mudança?
A ambiguidade lírica permite múltiplas interpretações, e é esse o propósito: não fornecer respostas fáceis, mas provocar reflexão.
"Sem música, a vida seria um erro" - Friedrich Nietzsche
Head On
As soon as I get my head round you I come around catching sparks off you I get an electric charge from you That second hand living it just won't do
And the way I feel tonight I could die and I wouldn't mind And there's something going on inside
Makes you want to feel, makes you want to try Makes you want to blow the stars from the sky I can't stand up, I can't cool down I can't get my head off the ground
As soon as I get my head round you I come around catching sparks off you And all I ever got from you Was all I ever took from you
And the world could die in pain And I wouldn't feel no shame And there's nothing holding me to blame
Makes you want to feel, makes you want to try Makes you want to blow the stars from the sky I'm taking myself to the dirty part of town Where all my troubles can't be found
Right in front of me A couple makes what could melt the snow Making fun of me A single look never cut me so And I know To save the conversation I know A deeper contemplation Is all I need to make believe Everyone would love me if I could fool the world Walk away from me I see the change in the atmosphere What a way to be To turn the page Just to make it clear And I know To change the conversation I know A deeper contemplation Is all I need to make believe Everyone would love me if I could fool the world
To fear Or to disappear What a waste of time What a troubled mind A fortune find for another day As your passing by You look behind To see what I would say And I know To change the conversation I know A deeper contemplation Is all I need to make believe Everyone would love me So I go And change the conversation I know A deep conversation Is all I need to make believe Everyone would love me If I could fool The world
I can't survive another day in the live Without a day in the sun Before you touch me Here's a word of advice If I were you I would Come get it So won't you tell mewhy it is
That ever corner of my head is a home But every fool is the same It would be tragic if you left me alone But left me no one to blame Well don't it make you wonder what got us here The covers that were under could disappear Promises keep us in chains my dear (If I could fool the world then no one would know where I've been) What am I feeling (If I could fool the world then no one)
Desolation Center foi uma organização independente de música e artes performativas que realizou eventos em Los Angeles e arredores, na Califórnia, no início dos anos 80. Foi organizada por Stuart Swezey e incluía músicos punk locais e nacionais. Depois de apresentar uma série de eventos artísticos em locais do centro de Los Angeles, o grupo realizou três concertos lendários, intitulados Mojave Exodus, no Deserto de Mojave em 1983. Os artistas que aí se apresentaram incluíram Sonic Youth, Minutemen, Meat Puppets, Redd Kross, Einstürzende Neubauten, Survival Research Laboratories, Savage Republic, Swans, Boyd Rice e Psi Com.
