Nikolai Gogol - sobre a corrupção de uma classe decadente que domina o povo ignorante e escravo do Estado

“Há momentos em que é impossível encaminhar a sociedade, ou mesmo uma geração inteira, para o belo sem revelar toda a profundidade da sua verdadeira abominação.”

Esta frase de Nikolai Gogol carrega o peso do realismo fantástico e da sátira social que definiram a sua obra. Gogol não era apenas um contador de histórias; era um observador clínico das falhas humanas. Para compreender o que ele pretende dizer, precisamos de olhar para a ideia de choque de realidade.

Em primeiro lugar, surge a necessidade do espelho cruel. Gogol sugere que a sociedade vive frequentemente num estado de negação ou hipocrisia e, para ele, falar sobre beleza, virtude ou progresso moral é inútil se os alicerces da sociedade estiverem podres. O conceito é simples: não se pode curar uma doença se o paciente se recusa a admitir que está doente. Assim, a acção da arte ou da história deve ser a de actuar como um espelho que não embeleza, revelando a abominação — as injustiças, a corrupção e a mediocridade — para que o horror da própria imagem force a mudança.

Esta abordagem liga-se à catarse pelo grotesco, estilo pelo qual Gogol é famoso. Em obras como O Inspector Geral ou Almas Mortas, o autor retrata burocratas corruptos e proprietários de terras absurdos, não apenas para fazer rir, mas para causar um desconforto profundo. Ele acredita que a beleza não pode florescer em solo contaminado por mentiras não reveladas e que a sociedade só se sentirá motivada a procurar a beleza e a ordem moral quando o peso do seu próprio vazio se tornar insuportável. É a ideia de que é preciso chegar ao fundo do poço para, finalmente, olhar para cima.

Desta forma, o papel do artista é o de um revelador. Para Gogol, o escritor não deve apenas entreter, mas sim realizar uma espécie de exorcismo social. Ele afirma que é impossível conduzir uma geração pela lógica ou pelo incentivo gentil porque as pessoas estão anestesiadas. O choque provocado pela revelação da profundidade da verdadeira abominação é o que possui a energia cinética necessária para retirar uma sociedade da sua inércia moral.

Em resumo, Gogol defende que a regeneração moral exige honestidade brutal. Ele acredita que a luz só será valorizada e procurada quando todos compreenderem plenamente a extensão das trevas em que estão mergulhados. É uma visão pessimista no diagnóstico, mas esperançosa no objectivo final: a transformação através da verdade.

Viva o 1º de Maio

Giuseppe Pellizza da Volpedo - "O Quarto Estado" (1901)

Giuseppe Pellizza dá este nome à sua obra porque os trabalhadores sentiam que não eram representados pelo sistema político da época, o chamado parlamentarismo burguês. Eles constituíam um "novo grupo" social que passava a exigir voz própria e participação ativa nas decisões da sociedade. Historicamente, essa nomenclatura marca uma evolução clara: se o Terceiro Estado, liderado pela burguesia, foi o responsável por derrubar o absolutismo do Clero e da Nobreza, o Quarto Estado surgia agora como o proletariado organizado para reivindicar direitos diante da exploração exercida por essa mesma burguesia.

Na representação visual da tela, nota-se que a multidão não está armada; pelo contrário, os trabalhadores avançam de forma pacífica, mas com uma determinação inabalável. Trata-se de uma marcha em direção à "luz" do progresso e da justiça social, um recurso artístico que indica que o futuro pertenceria a esse novo estrato social. Em resumo, o Quarto Estado retratado por Pellizza era a classe operária consciente de si mesma e do seu papel histórico, marchando para ocupar o seu lugar de direito ao lado — ou mesmo à frente - dos três grupos que tradicionalmente detinham o poder.

Saber mais:

1. Primeiro de Maio de 2026: a remuneração dos CEO mais elevados aumentou 20 vezes mais rapidamente do que a remuneração dos trabalhadores em 2025, acusa a Confederação Sindical Internacional, num relatório devastador.
2. Em 2024, a Oxfam apresentou uma queixa formal contra a Amazon e a Walmart às Nações Unidas. Leia mais sobre a vigilância e o sofrimento nos armazéns da Amazon e da Walmart.
3. A 7ª edição do Inquérito Mundial de Valores revelou que metade das pessoas acredita que “os ricos compram frequentemente eleições” nos seus países.
4. A Oxfam estima que os multimilionários têm 4.000 vezes mais probabilidades de ocupar cargos políticos do que as pessoas comuns.
5. Descarregue o relatório da CSI “Corporações que Minam a Democracia 2025”.
6. Mais de 840 mil mortes por ano ligadas a riscos psicossociais no trabalho, diz novo relatório da OIT 

Feliz Páscoa

Josh Clare é um prestigiado pintor contemporâneo norte-americano, nascido em 1982 no estado do Utah. Criado no seio das paisagens imponentes das Montanhas Rochosas, consolidou a sua base técnica na Brigham Young University-Idaho, onde se licenciou em 2007 em Belas Artes (BFA) com especialização em Ilustração. Foi durante o seu percurso académico que descobriu uma ligação profunda com a pintura de paisagem, sob a mentoria de professores que o incentivaram a observar a natureza de forma direta e rigorosa.

O seu estilo artístico fundamenta-se no impressionismo clássico e na tradição do realismo americano, com um foco quase devocional na prática en plein air (pintura ao ar livre). O trabalho de Clare é reconhecido pela habilidade magistral em captar os efeitos efémeros da luz natural, utilizando pinceladas confiantes e uma paleta de cores harmoniosa para traduzir a atmosfera de cenários rurais e montanhosos. Para o artista, a pintura transcende a mera representação visual; trata-se de uma busca por captar a essência e a "verdade" da criação, transformando elementos simples do quotidiano campestre em composições repletas de poesia e profundidade emocional. Atualmente, é considerado uma das figuras mais influentes do movimento de pintura de paisagem nos Estados Unidos, acumulando prémios de prestígio e expondo em importantes galerias nacionais.

Da Mitologia à Tradição: A Origem Pagã do Coelho e do Ovo da Páscoa

A génese desta tradição recua aos cultos pré-cristãos do Norte da Europa, onde a chegada da primavera era celebrada sob o signo da deusa Eostre, ou Ostara, a divindade teutónica da aurora e do renascimento. Para os povos antigos, a transição do inverno para o florescimento da terra exigia símbolos que traduzissem visualmente a ideia de fertilidade e vida latente. Surge aqui a lebre — a antecessora do nosso coelho doméstico — que, pela sua extraordinária capacidade reprodutiva e pelo facto de ser um dos primeiros animais a reaparecer nos campos após o degelo, se tornou o emblema vivo da abundância da deusa.

A ligação específica entre a lebre e o ovo encontra a sua raiz numa narrativa mitológica persistente, segundo a qual Eostre teria transformado um pássaro ferido num animal terrestre para o salvar do frio. Apesar da metamorfose, a criatura conservou a faculdade de pôr ovos, que decorava com cores vibrantes e oferecia à divindade em sinal de gratidão. Este mito serviu para explicar a união de dois símbolos de regeneração: enquanto o ovo representa o microcosmo e o mistério da vida protegida por uma casca que parece inerte, o coelho personifica a força ativa e a rapidez com que essa mesma vida se propaga na superfície da terra. Com a expansão do cristianismo, estas práticas não foram eliminadas, mas sim integradas através de um processo de inculturação, onde o renascimento da natureza foi reinterpretado como a ressurreição de Cristo.

A partir do século XVI, na Alemanha, esta herança consolidou-se na figura do "Osterhase", a lebre da Páscoa que avaliava o comportamento das crianças e escondia ovos decorados nos jardins. A prática foi reforçada pela proibição do consumo de ovos durante a Quaresma; como as galinhas não interrompiam a postura, os ovos eram cozidos e guardados, sendo depois oferecidos e consumidos com festividade no Domingo de Páscoa. Foi apenas no século XIX que a indústria de confeitaria, aproveitando a iconografia já profundamente enraizada no imaginário popular, começou a produzir estes símbolos em chocolate, transformando um antigo rito agrário no fenómeno global que conhecemos hoje.

Para fundamentar esta investigação, podem consultar-se obras como "Deutsche Mythologie" de Jacob Grimm (1835) , que explora as ligações linguísticas e rituais de Ostara, ou o clássico "An Egg at Easter: A Folklore Study" de Venetia Newall (1971) , que detalha a simbologia do ovo através das eras. Outras fontes essenciais incluem "The Stations of the Sun" de Ronald Hutton (1996) , sobre a evolução do calendário ritual britânico, "The Easter Hare" de Charles J. Billson , publicado na revista Folklore (1882), e o texto medieval "De Temporum Ratione" de Beda, o Venerável (775), que constitui o primeiro registo histórico da deusa que deu nome à celebração.  

Quem desejar fazer uma investigação mais profunda, sugerem-se as seguintes referências:

1. Gimbutas, Marija (1982). The Goddesses and Gods of Old Europe. (essencial para compreender os símbolos de fertilidade, como o ovo, na pré-história e na antiguidade).
2. Hutchinson, Sharon Elswit (2012). The East Easter Egg: A History of Symbols. (explora a transição dos ovos naturais para os ovos artísticos e a sua simbologia religiosa).
3. Sermon, Richard (2008). From Easter to Ostara: the Reinvention of a Pagan Goddess?. In: Time and Mind. (uma análise crítica e moderna sobre como a figura de Ostara foi interpretada pelos estudiosos do século XIX, como os Irmãos Grimm).

Armando Alves (1935-2026), um dos criadores do design moderno em Portugal

Armando Alves, um dos integrantes do famoso Grupo Os Quatro Vintes, a partir do qual se dedicou a renovar e a modernizar o design gráfico português, morreu esta terça-feira no Porto, cidade onde fez praticamente toda a sua carreira, deixando um notável legado como docente e praticante das artes gráficas. A notícia foi avançada por Miguel Carvalhais, director da Faculdade de Belas-Artes da Universidade do Porto (FBAUP), instituição onde Armando Alves se formou e onde leccionou durante anos.

Nascido em Estremoz, em 1935, Armando José Ruivo Alves iniciou a sua formação artística na Escola de Artes Decorativas António Arroio e prosseguiu estudos de Pintura na Escola Superior de Belas Artes do Porto (ESBAP), onde concluiu o curso em 1962 com a classificação máxima de vinte valores.

Após a licenciatura, integrou o corpo docente da ESBAP como Professor Assistente, sendo pioneiro na introdução do ensino das Artes Gráficas. Em 1963, foi um dos fundadores da Cooperativa Árvore, estrutura fundamental na promoção das artes plásticas em Portugal.

Bolseiro da Fundação Calouste Gulbenkian, viajou por vários países europeus nos anos 60, iniciando então a sua atividade expositiva individual. Em 1968, juntamente com Ângelo de Sousa, José Rodrigues e Jorge Pinheiro, fundou o grupo Os Quatro Vintes, que expôs em cidades como Porto, Lisboa e Paris até ao final da década de 1970.

A partir de 1973, dedicou-se integralmente às Artes Gráficas, área em que se afirmou como pioneiro e referência nacional. No seu atelier, situado na Rua Brito Capelo, desenvolveu uma vasta produção que incluiu direção gráfica de obras literárias, cartazes culturais e publicitários, bem como materiais para eventos diversos.

Armando Alves esteve também ligado ao Lugar do Desenho - Fundação Júlio Resende, desde a sua criação em 1993, participando em exposições internacionais entre 1997 e 1999, nomeadamente no Brasil, Chile, Cabo Verde e Moçambique.

Enquanto ilustrador, artista gráfico, desenhador e pintor - com uma evolução do neorrealismo para o abstracionismo - desempenhou ainda funções como consultor artístico e curador. A sua obra integra coleções de várias instituições, como a Câmara Municipal de Matosinhos e o Museu Nacional Soares dos Reis.

Ao longo da sua carreira, foi distinguido com diversos prémios e reconhecimentos, destacando-se a condecoração com o grau de Grande Oficial da Ordem do Mérito, atribuída pelo então Presidente da República Aníbal Cavaco Silva, nas comemorações do 10 de Junho de 2006, realizadas na Alfândega do Porto.

John Horsewell

John Horsewell é um conceituado pintor contemporâneo de nacionalidade britânica, nascido em Inglaterra  entre os anos de 1952. A sua trajetória artística é marcada por uma forte componente hereditária, uma vez que cresceu num ambiente profundamente criativo, tendo sido instruído no seio familiar pelo seu pai e pelo seu avô, ambos pintores profissionais.

Ao contrário de muitos dos seus contemporâneos, Horsewell não seguiu uma formação académica formal em faculdades de Belas Artes. A sua educação foi técnica e prática, moldada diretamente no ateliê da família e consolidada através da experiência no mundo do design de interiores e de galerias de arte após concluir o ensino secundário. Esta base autodidata e artesanal permitiu-lhe desenvolver um estilo muito próprio, que se situa entre o realismo e o impressionismo moderno.

O seu estilo  é definido como um impressionismo contemporâneo profundamente focado na captura da luz e na criação de atmosferas de serenidade absoluta. A sua estética afasta-se do detalhe fotográfico rígido para se concentrar na sensação de um momento, utilizando o que o próprio artista descreve como uma filosofia de "menos é mais". As suas composições são frequentemente minimalistas, apresentando horizontes baixos que dão protagonismo a céus vastos e dramáticos, evocando um sentimento de isolamento pacífico e de evasão da azáfama quotidiana.

O artista é particularmente célebre pelas suas paisagens costeiras, praias banhadas pelo sol e cenas rurais, frequentemente inspiradas pelas suas viagens pela Europa — com especial foco no sul de França e Itália — e pela Florida, nos Estados Unidos. 

A grande marca registada do seu trabalho é a mestria na utilização da espátula (palette knife), que combina habilmente com o uso do pincel. Enquanto as grandes áreas de céu e mar são trabalhadas com pinceladas suaves e fluidas para criar profundidade, os elementos centrais — como os barcos, as rochas ou a vegetação — são esculpidos com camadas espessas de tinta a óleo (técnica de impasto). Esta abordagem confere às telas uma qualidade tridimensional e uma textura rica, permitindo que a luz ambiente da sala interaja fisicamente com o relevo da pintura.

Quanto à paleta de cores, Horsewell utiliza tons que variam entre os azuis profundos e cerúleos dos oceanos e os tons quentes e pastéis das areias e campos europeus. O seu objetivo primordial é sempre o otimismo visual, transformando cada tela numa "janela" para um paraíso idealizado, onde o contraste entre as sombras suaves e os pontos de luz intensa convida o espectador a um estado de contemplação e calma interior.

Um exemplo perfeito desta estética é a obra "Calm Waters" (também conhecida como "Moored Boats"), pintada provavelmente entre 2010 e 2020. Nesta tela, Horsewell utiliza um horizonte baixo e uma paleta de azuis profundos em contraste com tons areia para evocar uma sensação de paz absoluta. Através de pinceladas suaves no céu e relevos texturizados nos barcos e no primeiro plano, o pintor convida o espectador a entrar num cenário de tranquilidade e isolamento regenerador.

Encontros Improváveis: Véronique du Boisrouvray e Albert Camus

Véronique du Boisrouvray - La Médaille (2018)

Quando vi este quadro à minha frente, pensei logo em Albert Camus: "Todo o acto de rebeldia expressa uma nostalgia pela inocência e um apelo à essência do ser." 

A Condessa Véronique du Boisrouvray nasceu em Paris, em 1951.

É uma artista autodidata de pastel e retrato

Contexto: Oriunda de uma linhagem aristocrática, a sua vida é marcada pela discrição e pela dedicação total ao aperfeiçoamento da sua arte, sendo membro de honra de prestigiadas sociedades de pastellistas.

Estilo e Técnica

A obra de Boisrouvray é frequentemente descrita como Realismo Poético ou Hiper-realismo Suave.

A Técnica do Pastel: ela utiliza o pastel seco com uma precisão cirúrgica. Ao contrário de muitos artistas que procuram um efeito "esfumado" ou impressionista, Véronique trabalha as camadas para obter uma densidade de cor e uma textura que, à primeira vista, muitos confundem com pintura a óleo.

Luz e Sombra: A sua técnica foca-se no chiaroscuro (claro-escuro), onde a luz parece emanar de dentro dos objetos, conferindo-lhes uma qualidade quase sagrada ou eterna.

Precisão: Existe um rigor técnico extremo na representação das texturas — seja a transparência de um vidro, a suavidade de uma pétala ou a rugosidade de uma fruta.

Tema Principal

A artista foca-se no retrato.

Como explora o retrato?

A artista não se limita a reproduzir uma face; ela utiliza o pastel seco para construir uma presença física e psicológica:

A Técnica da Camada: ela sobrepõe inúmeras camadas de pigmento puro para criar a "carne" do rosto. Isso permite-lhe obter tonalidades de pele extremamente realistas, onde a luz parece estar sob a epiderme, e não apenas refletida nela.

O foco no detalhe tátil: Véronique dá a mesma importância à textura de um tecido (como a blusa em "La Médaille") ou ao brilho de um fio de cabelo do que aos traços fisionómicos. Isso cria uma sensação de proximidade quase íntima com o modelo.

Iluminação de Estúdio Clássica: ela utiliza frequentemente fundos neutros e escuros (estilo tenebrismo), o que isola o sujeito e força o observador a concentrar-se na expressão e na interioridade da pessoa retratada.

Qual é a mensagem?

A mensagem central da sua obra foca-se na dignidade do silêncio e na beleza da introspeção:

A pausa no Tempo: num mundo saturado de imagens rápidas e digitais, os seus retratos convidam à lentidão. A mensagem é que existe uma beleza profunda nos momentos comuns e silenciosos.

A humanidade singular: ao pintar modelos contemporâneos com uma técnica que remete aos grandes mestres do passado, ela transmite a ideia de que a dignidade humana é intemporal.

A Espiritualidade no quotidiano: Através do uso magistral da luz, a artista eleva o modelo a algo quase sagrado. A "mensagem" não é política ou social, mas sim estética e contemplativa: um apelo para reconhecer a poesia na luz que incide sobre um rosto ou um objeto.

Prémios e Exposições

Apesar de não ter um currículo académico padrão, a sua qualidade técnica é tão elevada que é reconhecida por instituições de elite. É membro da Sociedade Francesa de Pastel, da Sociedade Francesa de Arte em Pastel e membro efetivo da Sociedade de Pastel da América. Expõe em mostras internacionais, nomeadamente no Festival Internacional de Pastel de Feytiat, e alcançou o estatuto de "Master Circle" na IAPS em 2023.

"A minha busca é a da harmonia e da luz. O pastel permite-me tocar a matéria de uma forma que nenhum outro meio consegue."

Por que a sua obra é relevante?

Num mundo artístico muitas vezes focado no abstrato ou no digital, Véronique du Boisrouvray mantém viva a tradição da observação meticulosa. Ela prova que o pastel, muitas vezes visto como um meio secundário ou de esboço, é capaz de uma profundidade e durabilidade monumentais.

Bev Jozwiak - "Crow Bar" (2012)

Bev Jozwiak (aquarelista "rebelde" dos EUA, nascida em 1953)

Bev Jozwiak é uma das aquarelistas mais conceituadas da atualidade, conhecida por um estilo que equilibra perfeitamente o rigor técnico com uma liberdade expressiva quase "rebelde".

Estilo: 

Realismo Contemporâneo com um toque impressionista. O seu trabalho é marcado pelo "loose style" (estilo solto), onde o foco não é a perfeição fotográfica, mas a energia da pincelada.

Temas: 

Figuras humanas (especialmente crianças e dançarinos), animais (corvos e garças são recorrentes) e cenas do quotidiano.

Técnicas: 

Versatilidade de Materiais: aquarela, acrílico, guaches, óleo 

O que torna o trabalho de Jozwiak único é a sua recusa em "domar" a aquarela. Ela é famosa por:

1. Pinceladas diretas - ela raramente faz esboços detalhados a lápis. Prefere pintar diretamente, o que mantém a frescura da cor.
2. Uso de "mistura no papel" - em vez de misturar todas as cores na paleta, ela permite que os pigmentos se encontrem e criem gradientes naturais diretamente na folha molhada.
3. Espessura da tinta- ela desafia a regra da aquarela ser sempre transparente, usando pigmentos bem saturados e, às vezes, toques de guache para realces.
4. Equilíbrio entre caos e ordem- as suas pinturas geralmente têm áreas de detalhe muito precisos (como os olhos de um retrato) cercadas por manchas de tinta escorrendo e bordas perdidas.

Olga Sacharoff

                        "Mulher apoiada na mesa" (1915)

Olga Sacharoff (1889–1967) foi uma figura singular na cena artística do século XX, servindo como uma ponte cultural entre a vanguarda russa e o espírito boémio de Paris e Barcelona.

Biografia Resumida

Nascida em Tbilisi (Geórgia), então parte do Império Russo, Olga estudou Belas-Artes em Tbilisi antes de se mudar para Munique em 1910, onde absorveu o expressionismo alemão. Em 1911, fixou-se em Paris, tornando-se parte ativa da "Escola de Paris" em Montparnasse.

Com o eclodir da Primeira Guerra Mundial, refugiou-se em Barcelona com o marido, o pintor Otho Lloyd. Embora tenha retornado a Paris nos anos 20, a Guerra Civil Espanhola e a Segunda Guerra Mundial levaram-na a estabelecer-se definitivamente na Catalunha, onde se tornou uma figura central nos círculos intelectuais até à sua morte.

Estilos e Evolução

A obra de Sacharoff é marcada por uma transição fluída entre correntes, mantendo sempre uma identidade muito pessoal:

1. Cubismo e Futurismo (Fase Inicial): Nos seus primeiros anos em Paris, experimentou a fragmentação geométrica, mas de uma forma mais suave e decorativa do que os seus contemporâneos.
2. Realismo Mágico e Naïf: É frequentemente associada a um estilo "ingénuo" (naïf) sofisticado, com influências do mestre Henri Rousseau, mas com uma execução técnica muito mais refinada.
3. Noucentisme: Em Espanha, a sua obra integrou-se no movimento catalão que privilegiava a ordem, a clareza e um retorno ao classicismo mediterrânico, mas sempre com um toque de fantasia.

Temas Centrais

O universo de Sacharoff é íntimo, poético e, por vezes, ligeiramente irónico:

1. O Mundo Feminino: Retratos de mulheres, cenas domésticas e de lazer.
2. Natureza e Animais: Pássaros, cavalos e cães são presenças constantes, muitas vezes coexistindo com figuras humanas em cenários idílicos.
3. Naturezas-Mortas e Flores: Composições vibrantes que revelam o seu domínio da cor.
4. Retratos de Grupo: Ficou famosa pelas suas cenas de "garden parties" e reuniões sociais, que capturavam a atmosfera da alta burguesia e da boémia intelectual.

Técnica e Estética

A técnica de Olga Sacharoff destaca-se pela delicadeza e pela atenção ao detalhe:

1. Paleta de Cores: Evoluiu de tons frios e cinzentos (fase cubista) para uma explosão de cores pastéis, verdes suaves e rosas vibrantes na maturidade.
2. Traço: Linhas finas e precisas que definem contornos claros, conferindo às suas figuras uma aparência quase de porcelana.
3. Textura: Utilizava frequentemente o óleo e a aquarela, conseguindo transparências que davam leveza e uma aura onírica às suas telas.

Curiosidade: Olga era conhecida como a "pintora dos gatos", devido à sua enorme afeição por estes animais, que frequentemente apareciam como protagonistas ou observadores silenciosos nas suas pinturas.

Bogdan Kuziv - "Manhã Quente", 2019

Bogdan Kuziv (pintor Ucraniano, nascido em 1965)

 

Estilo: 

A sua obra é frequentemente classificada como realismo crítico, embora apresente fortes influências do impressionismo, especialmente em sua abordagem da luz e na execução de pinturas ao ar livre (en plein air).

Temas:

1. Paisagens: especialmente as montanhas Cárpatos e a natureza da Ucrânia.
2. Marinas: pinturas que exploram o mar e temas costeiros.
3. Natureza-morta: composições detalhadas de flores e objetos.
4. Arquitetura e cenas urbanas: registos de cidades como Roma e Atenas.

Técnica: 

Trabalha predominantemente com pintura a óleo sobre tela e aquarela sobre papel. É conhecido pelo uso de cores vibrantes e texturas ricas que buscam capturar a "alma" da paisagem.

Formação e Carreira

Formação Académica: Graduou-se em 1994 na Faculdade de Artes e Gráficos da Universidade Nacional Vasyl Stefanyk.

Experiência Internacional: Trabalhou na Polónia (1995–1999) e viveu em Roma, Itália (2001), onde aprimorou seus estudos artísticos.

Ingela Alvmyren

Ingela Alvmyren (aquarelista Sueca, nascida em 1972)

Estilo e Temas

Realismo poético. Ingela procura capturar sensações, luz, atmosfera e a sensação da natureza, mais do que apenas retratar fielmente o motivo.

Os seus temas favoritos incluem natureza, paisagens, florestas e especialmente pássaros –  Ingela pinta muitas vezes cenas do ambiente natural que a rodeia.

Técnica 

A principal técnica que utiliza é aquarela, explorando as suas possibilidades de luz e textura. 

Forte ênfase em luz, movimento, transparência e sensação, mais do que em detalhe anatómico rigoroso.

Uso expressivo da aquarela, deixando a água, as manchas e os vazios participarem da imagem.

Ibolya Taligas

Ibolya Taligas (aquarelista Húngara, nascida em 1974)

Vive há mais de 30 anos, em Londres. 

Estilo pictórico

Trabalha sobretudo numa linguagem figurativa, com forte componente realista, especialmente em paisagens, vistas urbanas e naturezas-mortas.

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A paleta é geralmente luminosa, com uso expressivo da cor e valorização de atmosferas naturais e ambientes mediterrânicos/atlânticos (praias, cidades históricas, castelos).

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Temas recorrentes

1. Paisagens costeiras e praias, como em “Fuerteventura Beach”.

​2. Cidades históricas e arquitetura tradicional, como Gjirokastra (Albânia) e o respetivo castelo.

​3. Naturezas-mortas simples, como composições com frutos (“Three Pears on the table”).

4. Retratos femininos ou de infância 

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Técnica e materiais

As obras são apresentadas como pinturas de cavalete em suporte tradicional (tela ou painel), usando sobretudo técnicas de pintura a óleo ou acrílico, típicas da produção figurativa contemporânea; 

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A técnica enfatiza desenho definido, volumes bem modelados e camadas de cor relativamente limpas, mais próximas de um realismo lírico do que de abordagens abstractas.

Lynn Boggess

Lynn Boggess (pintor dos EUA, nascido em 1955)

Estilo artístico

Boggess é reconhecido por um estilo único de pintura de paisagem que funde elementos de:

• Realismo — cenas naturais convincentes e reconhecíveis.

• Impressionismo e Expressionismo abstrato — na forma como a luz e a textura são expressas.

• Naturalismo intensificado — natureza representada sem presença humana, mas intensa e vibrante. 

Esse estilo às vezes é descrito como “Tactile Realism” — realismo tátil, onde a textura da tinta cria uma ligação sensorial entre pintura e espectador. 

Temas principais

Paisagem natural — florestas, colinas, leitos de rios, rochas, cenas campestres e ambientes não urbanos. 

Natureza selvagem e pura, sem vestígios perceptíveis de presença humana. 

Interessa-se particularmente por lugares com luta natural — árvores quebradas, destroços de terreno e aspectos que sugerem a força e o drama da natureza. 

Técnica

Trabalha principalmente com pintura a óleo. 

Pinta em plein air (ao ar livre), diretamente na paisagem que está retratando. 

Usa espátulas e, sobretudo, uma colher/trowel de cimento em vez de pincéis tradicionais, criando camadas muito espessas e texturizadas de tinta (impasto). 

A aplicação da tinta é intensa e física — muitas vezes misturada directamente na tela — contribuindo para sensações de profundidade táctil e presença no espaço da pintura. 

O resultado é uma obra que, de longe, pode parecer quase fotográfica, mas de perto revela uma superfície vigorosa e abstracta.

Daisy Sims Hilditch

Daisy Sims Hilditch (pintora Britânica, nascida em 1991)

Estilo:

Realismo figurativo contemporâneo com forte influência clássica.

Treinou em portraiture “sight-size” no Charles H. Cecil Studios em Florença, Itália — uma formação clássica que enfatiza pintar directamente a partir do modelo.

Temas principais na sua obra:

Daisy é conhecida por dois grandes temas na sua pintura:

1. Retratos figurativos pintados a partir da observação directa do modelo (“from life”), capturando personalidade e expressão. 

2.  Paisagens, muitas vezes trabalhadas ao ar livre (“en plein air”), retratando cenas naturais e urbanas sob diferentes condições de luz - incluindo paisagens alpinas, canais venezianos e cenas costeiras.

Técnica e abordagem

Media preferido: Óleo, tanto em painéis quanto em telas/boards. 

Daisy desenvolveu uma técnica que equilibra pinceladas marcadas e expressivas com sensibilidade à luz e atmosfera, inspirando-se em pintores clássicos como Velázquez e John Singer Sargent.

Edward B. Gordon

Edward B. Gordon (pintor Alemão, nascido em 1966)

Estilo:

Figurativo contemporâneo; tendência para o realismo expressivo; figuras reconhecíveis, mas não hiper-realistas

Ênfase na atmosfera emocional mais do que na descrição minuciosa

Composições simples, centradas no motivo principal

Em resumo:

O seu trabalho situa-se entre o realismo moderno e uma abordagem intimista, com alguma liberdade pictórica na pincelada.

Temas recorrentes:

Figura humana (isolada ou em pequenos grupos)

Retrato psicológico; momentos de introspeção; relação entre indivíduo e espaço

Por vezes, cenas quotidianas com um tom silencioso ou contemplativo

Em resumo:

As obras tendem a evitar narrativas grandiosas, privilegiando instantes suspensos, emoções contidas e uma leitura subjetiva.

Técnica:

Pintura a óleo; uso de camadas sucessivas (veladuras simples)

Pincelada visível, mas controlada

Paleta cromática moderada, com tons terrosos e neutros

Atenção à luz ambiente mais do que à iluminação dramática

Em resumo:

A técnica serve sobretudo a expressão emocional, não a demonstração virtuosa.

Chen-Wen Cheng

Biografia

Zhao Kailin (赵开霖)

Zhao Kailin (pintor Chinês, nascido em1961)

Estilo Artístico

Realismo contemporâneo / figurativo: Zhao Kailin é reconhecido como um dos principais pintores chineses de realismo contemporâneo, com forte ênfase em representações figurativas e retratos. 

Temas: As suas obras frequentemente retratam jovens mulheres introspectivas, muitas vezes vestidas com trajes tradicionais chineses, explorando a transição entre a inocência e a feminilidade adulta, evocando um sentimento de sonho, desejo e introspecção. 

Influências clássicas: Ele incorpora elementos estéticos de Neoclassicismo, com uso dramático da luz e sombra e composições clássicas que lembram mestres como Caravaggio, Rembrandt e John Singer Sargent. 

Técnica

1. Pintura a óleo e técnicas tradicionais de realismo: Zhao estudou pintura a óleo na Central Academy of Fine Arts em Pequim, treinando em técnicas ocidentais clássicas de pintura realista. 
2. Uso de materiais: Trabalha com óleos e acrílicos sobre tela ou madeira, com uma técnica refinada que equilibra precisão detalhada e sensibilidade emocional. 
3. Fusão cultural: A sua arte reflete uma síntese entre técnicas ocidentais clássicas e estética oriental, criando obras que equilibram tradição e modernidade.

Bev Jozwiak

Bev Jozwiak (pintora e aquarelista, EUA, nascida em 1953)

É uma artista premiada internacionalmente e professora que ministra workshops de aquarela. 

Bev Jozwiak é conhecida por seu trabalho em aquarela figurativa, com um estilo que pode ser descrito como:

1. Directo e expressivo: aplica a tinta com pouca mistura na paleta, trabalhando diretamente no papel. 

2. Uso forte de cores e emoção: ela usa variações de cor mesmo em tons escuros para manter brilho e profundidade, e seleciona temas que evocam emoção e energia. 

A sua arte muitas vezes mostra um equilíbrio entre realismo e uma qualidade gestual/vibrante, característica apreciada em aquarelas contemporâneas figurativas.

Chen-Wen Cheng

Chen-Wen Cheng (aquarelista de Taiwan, nascido em 1964) - "Follow you", 2024   

O seu estilo é reconhecido por uma abordagem delicada e detalhada na pintura, com foco em capturar a essência das paisagens, da natureza e da vida quotidiana. Ele é amplamente admirado pelas suas habilidades técnicas excepcionais e pela capacidade de usar a aquarela de maneira inovadora, misturando realismo com toques de abstracção.

A obra de Chen-Wen Cheng costuma ser caracterizada pela fusão entre a precisão dos detalhes e uma sensibilidade expressiva, que são típicas da aquarela. Ele também utiliza um processo gradual de camadas finas de tinta, o que permite que a obra ganhe profundidade e luminosidade.

Além de ser um artista respeitado, Chen-Wen Cheng também é um professor e contribui activamente para a promoção e ensino da técnica de aquarela. Ele é frequentemente convidado para exposições internacionais e workshops, onde compartilha o seu conhecimento com outros artistas.

Prémios e reconhecimento

Chen-Wen Cheng conquistou vários prémios e reconhecimentos, entre os quais: Golden Prize (Medalha de Ouro) no World Watercolor Competition (França, 2014) pela obra “Loving Mother”. 

Prémios em várias exposições importantes em Taiwan. Espólio do autor encontra-se em alguns importantes museus de Arte (Nova Iorque, México, Seul,etc.)

Jacky Gerritsen

Jacky Gerritsen (pintora Holandesa, nascida em 1972)

Estilo artístico:

Trabalha principalmente com arte abstrata e media mista, incluindo montagens fotográficas conceituais. 

O seu estilo flerta com o magico-realismo e o surrealismo, usando cores vibrantes, atmosferas imaginativas e trabalhos que evocam uma jornada visual e emocional. 

As obras combinam realidade e fantasia, frequentemente com forte carga de imaginação, cor e atmosfera. 

António Lobo Antunes - Bolero do Coronel Sensível Que Fez Amor em Monsanto

Gustave Courbet - “La Bacchante” (1844-1847)

Eu que me comovo

Por tudo e por nada

Deixei-te parada

Na berma da estrada

Usei o teu corpo

Paguei o teu preço

Esqueci o teu nome

Limpei-me com o lenço

Olhei-te a cintura

De pé no alcatrão

Levantei-te as saias

Deitei-te no banco

Num bosque de faias

De mala na mão

Nem sequer falaste

Nem sequer beijaste

Nem sequer gemeste,

Mordeste, abraçaste

Quinhentos escudos

Foi o que disseste

Tinhas quinze anos

Dezasseis, dezassete

Cheiravas a mato

À sopa dos pobres

A infância sem quarto

A suor, a chiclete

Saíste do carro

Alisando a blusa

Espiei da janela

Rosto de aguarela

Coxa em semifusa

Soltei o travão

Voltei para casa

De chaves na mão

Sobrancelha em asa

Disse: fiz serão

Ao filho e à mulher

Repeti a fruta

Acabei a ceia

Larguei o talher

Estendi-me na cama

De ouvido à escuta

E perna cruzada

Que de olhos em chama

Só tinha na ideia

Teu corpo parado

Na berma da estrada

Eu que me comovo

Por tudo e por nada

In “Eu me comovo por tudo e por nada”, 1992 álbum de Vitorino Salomé, com poemas de António Lobo Antunes