Combichrist - Only Here For A Good Time

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Niilismo, caos e apocalipse: a filosofia sombria de "Only Here For A Good Time" dos Combichrist

O single "Only Here For A Good Time", do projeto norueguês-americano Combichrist, liderado por Andy LaPlegua, cruza o metal industrial, o aggrotech e a música eletrónica corporal (EBM).

O videoclipe foi realizado por Dariusz Szermanowicz e produzido pela Grupa 13 (G13 Production House), produtora famosa por realizar vídeos para bandas do género metal e industrial como Behemoth, Amon Amarth e Arch Enemy. O clipe apresenta uma estética visual obscura, ritualística e cinematográfica. Transmite a sensação de um pesadelo pós-apocalíptico onde os membros da banda atuam no meio de sombras, iluminação dramática e simbolismo de ruína, reforçando a urgência e a atitude rebelde da música.

Embora o título sugira uma celebração superficial, a faixa carrega uma profunda carga filosófica e literária, assentando nas raízes do Existencialismo Sombrio e da Literatura Apocalíptica.

A recusa em procurar salvação diante do colapso e a escolha de viver intensamente o presente evocam a crítica ao dogma de Friedrich Nietzsche, bem como o pessimismo radical de Emil Cioran e Arthur Schopenhauer, para quem a existência é marcada pelo sofrimento e pela ausência de uma ordem divina. A música aborda a condição humana confrontada com a falta de sentido, ecoando o conceito do Absurdo teorizado por Albert Camus em O Mito de Sísifo, e a angústia da liberdade e da responsabilidade absoluta descrita por Jean-Paul Sartre.

No âmbito da literatura apocalíptica e pós-apocalíptica, a música conecta-se à tradição de autores que exploraram o fim das estruturas sociais e a solidão do indivíduo. Essa visão remonta a Mary Shelley em O Último Homem, passa pela alienação distópica de Franz Kafka e Fiódor Dostoiévski, e desagua nas visões cruas da ruína humana presentes em Cormac McCarthy (A Estrada) e J.G. Ballard.

Na vertente da contracultura e da rebeldia visceral, a atitude de "viver no limite enquanto o mundo arde" bebe do cinismo cru de Charles Bukowski e da transgressão de Georges Bataille, transformando o colapso iminente numa afirmação pura de autonomia e sobrevivência.

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Andy LaPlegua

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Solaris (1972) de Tarkovsky: Porque é que a ficção científica é mais atual hoje do que nunca?

A ficção científica filosófica Solaris, adaptada do romance de Stanisław Lem e imortalizada no cinema por Andrei Tarkovsky em 1972 (com uma nova versão de Steven Soderbergh em 2002), é um drama existencial sobre os limites da mente humana perante o desconhecido e o peso inegociável da culpa e da memória. A narrativa acompanha Kris Kelvin, um psicólogo enviado a uma estação espacial que orbita o planeta misterioso Solaris. O planeta é coberto por um oceano protoplasmático gigante que demonstra ter consciência e, ao ler as mentes dos cientistas da estação, materializa as suas memórias, desejos e remorsos mais ocultos na forma de "visitantes" físicos. Kelvin vê-se forçado a conviver com uma cópia perfeita da sua falecida esposa, Hari, que se tinha suicidado anos antes após uma discussão entre o casal, forçando-o a enfrentar a carga emocional do seu passado.

O filme choca e mantém o seu impacto porque subverte as convenções da ficção científica tradicional de tecnologia e conquista galáctica para questionar a condição humana. Apresenta uma crítica à arrogância e ao antropocentrismo ao mostrar uma inteligência alienígena inacessível à lógica humana, evidenciando que a busca pelo cosmos é frequentemente uma fuga de nós próprios. A obra aborda a materialização da dor e do luto através da memória, transformando o remorso numa presença física, enquanto explora o mistério da identidade e da consciência ao mostrar a evolução de Hari de uma mera projeção para um ser com sofrimento e agência próprios. Toda esta atmosfera é intensificada pelo ritmo contemplativo e pelo isolamento claustrofóbico que espelha a própria prisão mental dos cientistas.

As influências científicas e filosóficas da obra elevam-na a uma profunda meditação existencial baseada na epistemologia, na psicanálise e na física teórica do século XX. No âmbito científico, o fracasso da "Solariologia" - a disciplina fictícia criada para catalogar o oceano - ilustra os limites do empirismo e antecipa a Teoria do Caos e os Sistemas Complexos, demonstrando como certos fenómenos ultrapassam a capacidade de modelação humana. Para explicar a existência dos visitantes, recorre-se a conceitos quânticos de matéria neutrónica mantida por campos de força, conferindo-lhes características biológicas humanas à escala macroscópica, mas com uma estrutura subatómica não celular e capacidade de regeneração. 

No plano filosófico e psicológico, o oceano funciona como uma metáfora direta do inconsciente: mobiliza o recalque freudiano ao materializar a culpa e o trauma reprimidos, e atua como a Sombra junguiana, forçando o indivíduo a confrontar a parte rejeitada da sua psique. Sob a ótica epistemológica e do existencialismo de inspiração kantiana, sartreana e kierkegaardiana, Solaris questiona se é possível conhecer verdadeiramente o "Outro" ou apenas as nossas próprias projeções, ao mesmo tempo que reflete sobre o livre-arbítrio e a autenticidade da vida e do sofrimento de uma entidade criada como cópia. [Fonte: Fundação Stanisław Lem] 

Apesar do sucesso da obra cinematográfica, a relação entre Stanisław Lem e Andrei Tarkovsky foi marcada por uma célebre divergência artística. Lem ficou desapontado com a adaptação de 1972, afirmando que Tarkovsky tinha filmado "Crime e Castigo" no espaço. O desentendimento deveu-se ao choque entre o foco epistemológico de Lem - focado na impossibilidade de comunicação com o extraterrestre - e o humanismo moral e espiritual de Tarkovsky, que centrou a narrativa no pecado e na redenção de Kelvin. Lem criticou ainda a inclusão de cerca de 40 minutos iniciais passados na Terra com a família do protagonista, por considerar que introduziam um sentimentalismo nostálgico alheio à sua obra, e lamentou a redução visual e conceptual do oceano a um mero pano de fundo para conflitos morais humanos.

Para ler mais detalhadamente sobre cada um destes aspetos e ver imagens e esquemas explicativos, pode aceder a mais informações sobre a sinopse e o impacto de Solaris, explorar as influências científicas e filosóficas de Solaris e conhecer o conflito entre Stanisław Lem e Andrei Tarkovsky.

Andrei Tarkovsky era um crente convicto e a sua visão do mundo estava profundamente enraizada na fé e na tradição do Cristianismo Ortodoxo. No entanto, a sua religiosidade não se traduzia num dogmatismo cego ou numa prática institucional rígida, mas sim numa espiritualidade mística, poética e existencial. Sob o regime soviético - uma ditadura oficialmente ateia e materialista -, afirmar a fé era um ato de resistência espiritual. No seu livro Esculpir o Tempo e nos seus diários (Martirológio), Tarkovsky afirmava que a arte não existia para propagar ideias políticas, mas sim para cultivar a alma e preparar o homem para a transcendência, tendo chegado a declarar que via o seu trabalho como uma forma alternativa de oração.

A influência da tradição e da iconografia ortodoxa transborda em toda a sua cinematografia. A ideia central de que o sofrimento aceite com amor e o sacrifício pessoal podem redimir o mundo permeia obras como Andrei Rublev (sobre o famoso pintor de ícones do século XV), Stalker e o seu filme de despedida, O Sacrifício. Além disso, a sua estética visual - com o uso recorrente e quase ritualístico da água, da terra, do fogo e da luz - funciona como uma revelação do sagrado na própria matéria, aproximando o seu cinema da teologia do ícone ortodoxo, onde a imagem visível remete sempre para o invisível.

À semelhança de Fyodor Dostoievski, uma das suas maiores referências intelectuais, a fé de Tarkovsky não nascia da ignorância da dúvida, mas sim do confronto direto com a crise espiritual do homem moderno. Em Stalker (1979), a figura do protagonista encarna o conceito russo de yurodivy (o "louco por Cristo"), um indivíduo marginalizado que preserva a capacidade de crer num mundo tornado pragmático e cínico. Embora tenha demonstrado interesse por correntes como o Zen Budismo, a matriz conceptual e espiritual de Tarkovsky manteve-se inequivocamente ortodoxa, considerando ele que o esquecimento do divino e a perda da dimensão transcendente eram a verdadeira tragédia da humanidade contemporânea.

Blvck Ceiling - Young

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Letra

We are young
So let's set the world on fire
We can burn brighter
Than the sun
Tonight
We are young
So let's set the world on fire
We can burn brighter
Than the sun

O ritual da juventude eterna e a alquimia do som

A faixa "Young", lançada pelo projeto musical BLVCK CEILING, representa uma das produções mais emblemáticas do ecossistema do microgénero witch house. O projeto é a criação a solo do produtor e músico norte-americano Daniel Cuccia (conhecido pelo pseudónimo Dan Ocean), natural de Spokane, no estado de Washington, Estados Unidos. No entanto, a obra visual que acompanha a faixa expande esta geografia artística ao envolver a produtora e duo criativo REDЯUM Image, composta por Katarzyna Widmańska e Amadeusz Wróbel, de nacionalidade polaca. Além disso, no plano puramente sonoro, a faixa ganha vida a partir do retrabalho e da manipulação do vocal da cantora e atriz norte-americana Janelle Monáe, retirado do tema pop "We Are Young" da banda fun. (também dos Estados Unidos). Esta interseção entre a produção eletrónica subterrânea americana, o universo estético e cinematográfico polaco e a desconstrução da pop comercial resulta numa convergência cultural que define o espírito sombrio e atmosférico da faixa.

No plano estético e concetual, o videoclipe oficial desenrola-se numa narrativa visual profundamente imersiva, centrada no mito do renascimento, na preservação da juventude e na transmutação espiritual. As imagens mostram três sacerdotisas encapuzadas que encontram o corpo inanimado de uma jovem noiva numa floresta nevoenta. Através de um ritual necrótico que envolve fogo, incenso e símbolos esotéricos, a figura da noiva é desperta e transformada numa entidade alada superior. Do ponto de vista literário e filosófico, a obra dialoga diretamente com o Romantismo Sombrio e o Gótico do século XIX, evocando a beleza mórbida presente nos textos de Edgar Allan Poe e Mary Shelley, ao mesmo tempo que aborda o desejo faustiano de superar a finitude humana. Esta obsessão pela juventude reflete uma angústia existencialista diante do tempo, onde o ritual e a arte surgem como tentativas de tornar o efémero imortal.

Musicalmente, embora a faixa utilize uma letra preexistente em inglês, o processo de desaceleração, corte (chopping) e alteração de tom (pitched down) desfigura as frases originais até que percam o seu sentido gramatical direto. Este efeito sonoro resulta numa espécie de pseudo-glossolalia, em que o vocal passa a soar como uma ladainha incompreensível ou um encantamento ritualístico. Adicionalmente, as oscilações de afinação e o arrasto sintético aplicados à voz conferem ao tema um caráter melismático e hipnótico, onde as notas se estendem e entrelaçam sobre graves profundos e atmosferas industriais. Desta forma, "Young" transforma uma celebração pop sobre a juventude num mantra soturno e contemplativo sobre a imortalidade.

After The Sin - Morning Blue

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A canção "Morning Blue", da banda polaca After The Sin, destaca-se no panorama independente europeu por fundir de forma brilhante a melancolia introspetiva do darkwave e do coldwave com a energia física e pulsante da Electronic Body Music (EBM). Originária de Poznań, um importante polo da subcultura gótica na Polónia, a banda constrói em "Morning Blue" uma atmosfera que une o peso de baixos sintetizados e repetitivos a batidas eletrónicas secas e marciais, herança direta do som industrial das pistas underground dos anos oitenta. O título do tema faz um trocadilho poético entre a luz gélida do amanhecer e o estado de depressão profunda, traduzindo liricamente a paralisia emocional, o isolamento e a obsessão por um passado que o eu lírico é incapaz de superar. Essa angústia é esteticamente representada no seu videoclipe através de sombras marcantes, tons frios e cortes claustrofóbicos que confinam os integrantes nos seus próprios labirintos mentais. No campo das ideias, a composição bebe diretamente do Romantismo Sombrio do século dezanove, onde a dor e a melancolia são as expressões máximas de sensibilidade, ao mesmo tempo que dialoga com o Existencialismo de filósofos como Jean-Paul Sartre e Albert Camus ao retratar o aprisionamento da consciência e a alienação do indivíduo diante de um mundo indiferente. Concluindo, "Morning Blue" é uma obra que traduz a agonia mental contemporânea através de uma interpretação vocal fria e de um ritmo agressivo feito tanto para a reflexão filosófica como para a catarse na pista de dança.

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After the Sin

Julia Lezhneva, de 19 Anos, fascina em "Son qual nave ch'agitata" de Farinelli (a Ária impossível do Barroco)

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A interpretação de Julia Lezhneva de "Son qual nave ch'agitata", gravada quando tinha apenas 19 anos, continua a ser uma das demonstrações de pirotecnia vocal mais avassaladoras de que há registo. Ouvir uma jovem de 19 anos dominar uma peça que foi especificamente desenhada para o maior castrato do século XVIII é algo absolutamente arrebatador.

Esta ária não foi escrita por um compositor qualquer; foi composta por Riccardo Broschi em 1734 especificamente para o seu irmão, Carlo Broschi - mais conhecido na história da música como Farinelli.

Como foi talhada à medida da capacidade pulmonar quase sobre-humana e da agilidade invulgar de Farinelli, a partitura lê-se como uma autêntica corrida de obstáculos:

• Coloratura vertiginosa: sequências longas e ininterruptas de notas rápidas, destinadas a imitar uma tempestade violenta no mar.
• Grandes saltos vocais: transições súbitas entre oitavas que exigem um controlo de afinação e uma memória muscular absolutos.
• Controlo de respiração impressionante: frases musicais que parecem eternas, sem dar margem para recuperar o fôlego.

O texto traduz-se como "Sou como um navio agitado", comparando a alma em sofrimento a uma embarcação fustigada por uma tempestade brutal.

Letra Original (Italiano)Aria:Son qual nave ch'agitataDa più scogli e da più venti,In un mar senza spondeCo 'l darsi in preda all'ondeVa solcando il fondo al mar.
Parte B (Secundária):Ma lo scorgo il mio nocchiero,Che mi dice: "Non temere",E mi mostra il porto alteroOnde il cor si può salvar.
Tradução (Português de Portugal)Ária:Sou como um navio agitadoPor múltiplos rochedos e ventos,Num mar sem margens,Que, entregando-se como presa às ondas,Vai sulcando as profundezas do mar.
Parte B (Secundária):Mas avisto o meu timoneiro (piloto),Que me diz: "Não temas",E mostra-me o porto seguroOnde o meu coração se pode salvar.
A Estrutura Da CapoNa atuação da Julia Lezhneva (e na partitura original), a estrutura segue o modelo Ária Da Capo (ABA). Isto significa que:

• Ela canta a primeira parte (A - a tempestade).
• Canta a segunda parte (B - a esperança do porto seguro), que tem um ritmo e ambiente ligeiramente diferentes.
• Regressa ao início (Da Capo): repete toda a primeira parte (A), mas desta vez com a obrigação de improvisar e adicionar os ornamentos, agudos e variações acrobáticas que tanto nos impressionam.

Por que razão a versão de Lezhneva assombra o Mundo

Quando Lezhneva interpretou esta obra-prima, deixou o mundo da música erudita boquiaberto, não apenas pela sua juventude, mas pela sua precisão instrumental cirúrgica.

Enquanto muitas sopranos abordam a coloratura barroca com um vibrato pesado ou notas "aspiradas" (adicionando pequenos sons de "h" para separar as notas rápidas), Lezhneva faz exatamente o oposto.

A sua técnica baseia-se num tom cristalino, focado e puro, onde cada nota numa sequência rápida é individualizada, perfeitamente afinada e executada sem aparente esforço. Os seus trinados velozes e o fôlego interminável fazem com que a sua voz se comporte menos como cordas vocais humanas e mais como uma flauta barroca tocada na perfeição.

Detalhes do Concerto e o efeito "The 19-Year-Old Julia Lezhneva..." ("A jovem de 19 anos...")

Data exata: 8 de dezembro de 2011, ao vivo em Cracóvia

O Contexto: o concerto fez parte da gravação e digressão da ópera L'Oracolo in Messenia, de Antonio Vivaldi (onde a ária de Riccardo Broschi foi inserida como um acrescento de virtuosismo para a sua personagem, Trasimede), acompanhada pelo agrupamento barroco I Barocchisti sob a direção do maestro Diego Fasolis.

O pormenor dos "19 anos":
Se fizer as contas ao ano de nascimento da cantora (novembro de 1989), verá que ela tinha, na verdade, 22 anos na data exata desta gravação em Cracóvia.

No entanto, os vídeos desta atuação partilhados no YouTube e nas redes sociais ganharam enorme tração com o título "The 19-Year-Old Julia Lezhneva..." (A jovem de 19 anos...). Isto acontece por dois motivos muito comuns no mundo digital:

• Confusão com a sua estreia: Julia Lezhneva saltou para a ribalta internacional precisamente aos 18/19 anos (em 2008-2009), quando venceu o prestigiado Concurso Mirjam Helin em Helsínquia e começou a fazer as suas primeiras grandes digressões europeias com esta ária no repertório. Para ver um vislumbre e recordar a aclamada prestação da cantora russa no concurso aqui
• Efeito de "Marketing" Digital: O título "aos 19 anos" tornou-se uma marca viral tão forte na internet para descrever o início da sua carreira que os blogues e canais de música continuam a usá-lo para sublinhar a sua impressionante juventude e precocidade.

Death Valley Fight Club - Told You So

LetraOh, you trusted memes and homemade chartsDismissed the facts, embraced the farceA little doubt, a little flair —And suddenly, you're an expert, yeah?You laughed at proof, ignored the scienceBuilt your world on fake defiance"Freedom first!" – you screamed so loudNow look around — you proud?
I hate to be the one to say “I told you so”But hey — I told you soYou light the match and act surprisedWhen democracy goes up in smokeAnd now you claim you didn’t knowBut damn — I told you so
Truth’s too boring, facts too slowWhy think at all when blue hearts glow?You wreck your life, then curse the gameAnd now it’s someone else you blame?You voted hate with cheerful grin“It’s just protest!” – what a spinYou chose the wolf to guard the doorStill shocked it’s chewing through the poor?
I hate to be the one to say “I told you so”But hey — I told you soYou light the match and act surprisedWhen democracy goes up in smokeAnd now you claim you didn’t knowBut damn — I told you so
Now look around — you proud?Now look around — you proud?
It’s happened once, it happens twiceWe swore “no more” — now pay the priceYou saw the signs, you knew the namesRepeated all the same mistakesYou had a voice, you had a choiceBut fear became the louder noiseYou traded hope for easy seatsAnd history... just repeats
Now look around — you proud?
A canção "Told You So", do projeto alemão Death Valley Fight Club, funciona como uma crítica social e política mordaz, carregada de frustração, cinismo e de um profundo sentimento de "eu bem avisei". Através de uma sonoridade eletrónica agressiva e direta, a letra expõe a inércia e a cegueira coletiva da sociedade moderna, que muitas vezes caminha em direção ao abismo por escolha própria, ignorando os sucessivos alertas sobre os perigos do extremismo e da manipulação.
Há um ataque cerrado ao triunfo da ignorância e ao avanço do populismo, evidenciando a facilidade com que as massas se deixam seduzir por discursos vazios e figuras autoritárias. O título e o refrão da música não carregam uma arrogância vitoriosa, mas sim um desespero amargo; é o desabafo de quem assiste ao colapso social e percebe que o arrependimento alheio surge tarde demais, quando as consequências já são destrutivas e inevitáveis. Resumindo, a faixa afirma-se como um hino de protesto que utiliza o peso do Futurepop e do EBM para espelhar a apatia política e a autodestruição do mundo contemporâneo.

Jakub Józef Orliński and Fatma Said sing "Rogate" from Zelenka: Laetatus sum, ZWV 90

Esta gravação junta duas das maiores estrelas da música clássica atual numa peça raramente executada do período Barroco. Jakub Józef Orliński, o aclamado contratenor que também brilha internacionalmente como breakdancer, é polaco, tendo nascido em Varsóvia. Por sua vez, a soprano Fatma Said é egípcia, natural do Cairo, e destaca-se como a primeira soprano do seu país a cantar no prestigiado Teatro alla Scala de Milão.
A faixa "Rogate" integra uma obra religiosa maior intitulada Laetatus sum (ZWV 90), composta pelo músico boémio Jan Dismas Zelenka. O tema central desta composição assenta no Salmo 122 da Bíblia, que retrata a enorme alegria dos peregrinos à chegada às portas de Jerusalém. O andamento específico "Rogate" traduz o trecho que apela à oração pela paz em Jerusalém. Zelenka transforma este pedido solene numa linha melódica brilhante, ágil e repleta dos ornamentos expressivos que caracterizam o Barroco tardio.
Relativamente à sua estrutura, trata-se de um dueto. A peça foi escrita originalmente por Zelenka para as vozes de soprano e alto, sendo esta última assumida por Orliński. Ao longo da interpretação, os dois cantores estabelecem um diálogo direto e constante, imitando os motivos um do outro e cruzando as suas vozes em harmonias perfeitas, o que resulta num entrelaçamento vocal de enorme beleza.
Obra completa aqui e ao vivo Anima Sacra

Burzinski - A Strange Day (Cure cover)

Dia do Amor - Handel: Dove sei, amato bene (Rodelinda)

Sobre a Ópera Rodelinda
Dove sei, amato bene!Vieni, l’alma a consolar
Sono oppresso da’ tormentied i crudeli miei lamentisol con te posso bear.
Dove sei... 
TraduçãoOnde estás, amado!Vem, consola a minha alma.
Estou oprimido por tormentos,e os meus cruéis lamentossó contigo posso suportar.
Onde estás...
Esta é uma das árias mais belas e emocionantes de George Frideric Handel. Ela faz parte da ópera Rodelinda, estreada em 1725, em Londres.
Aqui está o contexto dramático e a tradução para ajudar você a sentir a profundidade da obra:
O Contexto na Ópera RodelindaA ária é cantada por Bertarido, o rei deposto de Milão. Todos acreditam que ele morreu no exílio, inclusive a sua esposa, a rainha Rodelinda.
Neste momento (Ato I, Cena VI), Bertarido retorna disfarçado e vê seu próprio monumento fúnebre erguido pela rainha. Ele está escondido, observando de longe o sofrimento da sua amada, sentindo a dor da separação e a solidão de ser um "fantasma" em seu próprio reino. É um momento de extrema vulnerabilidade e melancolia.
1. Mais sobre Georg Friedrich Händel2. Cantada por Jakub Józef Orliński3. Dia de S.Valentim. Dias dos Namorados. Dia do Amor

Feliz Dia do Amor - Jakub Józef Orliński sings "L'amante consolato"

Son tanto ito cercandoche pur alfin trovaicolei che desiaiduramente penando,Oh questa volta sì ch'io non m'inganno,s'io non godo mio danno!
Son tali quei contentiche pur alfin io provoche tutto mi rinovodoppo lunghi tormenti.Ma tutti com'io fo far non saprannochi non gode suo danno.

English

I searched for so long

that I finally found

the one that I desired,

after rigorous suffering.

Oh, this time let me not fool myself,

let me not be rejoicing in my own downfall.

The delights that I feel

at last are such

that everything renews me,

after prolonged agony.

But not everyone would be able to do as I do,

not being able to rejoice in their own downfall.

Barbara Strozzi

Bogdan Kuziv - "Manhã Quente", 2019

Bogdan Kuziv (pintor Ucraniano, nascido em 1965)

 

Estilo: 

A sua obra é frequentemente classificada como realismo crítico, embora apresente fortes influências do impressionismo, especialmente em sua abordagem da luz e na execução de pinturas ao ar livre (en plein air).

Temas:

1. Paisagens: especialmente as montanhas Cárpatos e a natureza da Ucrânia.
2. Marinas: pinturas que exploram o mar e temas costeiros.
3. Natureza-morta: composições detalhadas de flores e objetos.
4. Arquitetura e cenas urbanas: registos de cidades como Roma e Atenas.

Técnica: 

Trabalha predominantemente com pintura a óleo sobre tela e aquarela sobre papel. É conhecido pelo uso de cores vibrantes e texturas ricas que buscam capturar a "alma" da paisagem.

Formação e Carreira

Formação Académica: Graduou-se em 1994 na Faculdade de Artes e Gráficos da Universidade Nacional Vasyl Stefanyk.

Experiência Internacional: Trabalhou na Polónia (1995–1999) e viveu em Roma, Itália (2001), onde aprimorou seus estudos artísticos.

Lunatic Soul - The New End

How to end what once felt trueYet faded more as dreams went awayHow to end something that's burned outWhen in your eyesIt still burns bright
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul
How to stop living with guiltNo matter what you doIt will hurtHow to stop fearing that scarsWill remain on your broken heart
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul

A canção "The New End" funciona como o epílogo emocional do álbum  The World Under Unsun (2025) e, por extensão, representa o fim da escuridão e o início da aceitação.
"The New End", do Lunatic Soul, explora o paradoxo emocional de um término: enquanto para uma pessoa o sentimento já se apagou, para a outra ele ainda permanece intenso, como nos versos “How to end something that's burned out / When in your eyes / It still burns bright” (Como terminar algo que já se apagou / Quando nos seus olhos / Ainda brilha intensamente). Essa dualidade reflete o conceito do álbum, que Mariusz Duda descreve como um contraste entre escuridão e luz, e funciona também como metáfora para o fim de ciclos importantes da vida, não apenas de relacionamentos amorosos, mas de fases inteiras, incluindo o próprio ciclo do Lunatic Soul.
A letra tem um tom introspectivo e melancólico, marcado pela confissão de culpa e pelo medo de causar feridas emocionais: “How to stop living with guilt / No matter what you do / It will hurt” (Como parar de viver com culpa / Não importa o que você faça / Vai doer). Duda destaca que tudo o que chega ao fim permanece como parte de nós, reforçado pelo verso repetido “You'll always be / A part of my soul” (Você sempre será / Uma parte da minha alma). O sentimento de responsabilidade pelo sofrimento do outro aparece em “I wouldn't want to harm you anymore” (Eu não gostaria de te magoar mais), mostrando maturidade e empatia. Assim, "The New End" vai além do fim de um relacionamento, simbolizando o encerramento de ciclos e a importância de aceitar o passado para seguir em frente.

IżoL - A Lonely House

Belgrado - Jeszcze Raz

Jeszcze RazBelgrado
Może kiedy wyjdziesz na ulicę, może kiedy wyjdziesz na ulicęJeszcze razMoże będzie inaczej jeśli spojrzysz na wszystko jeszcze razNie mów nic do mnie tylko popatrz na wszystko jeszcze razZero kontaktu
Jeszcze razNie mów nic do mnie tylko popatrz na wszystko jeszcze razNie ma rady na milczenie, nie ma rady na milczenie
Jeszcze razMoże będzie inaczej jeśli spojrzysz na wszystko jeszcze razNie mów nic do mnie tylko popatrz na wszystko jeszcze razZero kontaktu
Jeszcze razNie mów nic do mnie tylko popatrz na wszystko jeszcze razRozejrzyj sięZastanów się
TraduçãoMais uma vezJeszcze Raz
Talvez quando você sair na rua, talvez quando você sair para a ruaMais uma vezTalvez seja diferente se você olhar tudo de novoNão diga nada para mim, basta olhar para tudo de novoContato zero
Mais uma vezNão diga nada para mim, basta olhar para tudo de novoEle não pode ficar em silêncio, ele não pode ficar em silêncio
Mais uma vezTalvez seja diferente se você olhar tudo de novoNão diga nada para mim, basta olhar para tudo de novoContato zero
Mais uma vezNão diga nada para mim, basta olhar para tudo de novoOlhar ao redorPense nisso

A música 'Jeszcze Raz' da banda Belgrado é uma reflexão profunda sobre a necessidade de revisitar e reavaliar nossas percepções e ações. A repetição da frase 'jeszcze raz', que significa 'mais uma vez' em polaco, sugere uma insistência em olhar para as coisas sob uma nova perspectiva. A letra convida o ouvinte a sair para a rua e observar tudo novamente, como se a primeira visão não fosse suficiente para compreender a realidade em sua totalidade.

A canção também aborda o tema do silêncio e da falta de comunicação, como evidenciado nas linhas 'Nie mów nic do mnie tylko popatrz na wszystko jeszcze raz' ('Não diga nada para mim, apenas olhe para tudo mais uma vez') e 'Zero kontaktu' ('Zero contato'). Esse silêncio pode ser interpretado como uma barreira emocional ou uma desconexão entre as pessoas, sugerindo que, às vezes, as palavras não são necessárias para entender o que está acontecendo ao nosso redor. Em vez disso, a observação e a reflexão silenciosa podem ser mais reveladoras.

Belgrado, uma banda conhecida por seu estilo pós-punk, utiliza uma abordagem minimalista tanto na música quanto na letra para transmitir uma mensagem poderosa. A repetição e a simplicidade das palavras criam uma atmosfera introspectiva, incentivando o ouvinte a parar e pensar sobre suas próprias experiências e percepções. A música é um convite à introspecção e à reconsideração, sugerindo que, ao olhar para as coisas mais uma vez, podemos encontrar novas respostas e entendimentos.

Sebastian Bauer

Sebastian Bauer (pintor Polaco) - "Walking at rain, in Africa", 2024

Com forte presença nas redes sociais, Sebastian Bauer é um artista autodidata, ou seja, sem formação académica formal registada- aprendeu e desenvolveu a sua arte por meio da prática e experimentação.

Estilo:

Arte contemporânea com forte uso de cores vibrantes e soltas, muitas vezes explorando efeitos fluidos e espontâneos da pintura - especialmente em aquarelas e composições livres.

Temas recorrentes:

Memórias pessoais - cenas ligadas a pessoas, lugares, emoções, lembranças e experiências de vida.

Figuras humanas, animais e momentos do quotidiano aparecem frequentemente nas suas obras, muitas vezes transmitindo sensações de nostalgia, sentimento ou narrativa visual.

Técnica

Sebastian Bauer usa uma vasta gama de materiais e técnicas, variando com base na peça ou série:

1. Aquarela e gouache — preferidas pela sensação de fluidez e interação das cores.

2. Acrílicos — para trabalhos mais opacos e texturizados.

3. Tinta a tinta (ink) e pastéis — usados ocasionalmente para detalhes.

3.Ferramentas variadas: pincéis, espátulas, e por vezes até as mãos diretamente no suporte.

Abordagem Pessoal

Bauer pinta muitas vezes como forma de expressão interior e emocional, usando a arte para comunicar aquilo que não diz verbalmente.

Ele também se envolve em causas sociais, referindo que a arte lhe permite ajudar crianças menos favorecidas, o que adiciona um sentido humanitário à sua prática artística.

Três Contratenores no Palácio de Versailles

Baroque recital: Concours de virtuosité des castrati

00:00:00 - Ouverture - Vespasiano | Ariosti 

00:04:51 - Sagace è la mano | Hasse 

00:10:47 - Lascia la spina | Handel 

00:17:25 - Tra le procelle assorto | Graun 

00:24:25 - Se il mio amor fu il tuo delitto | Handel 

00:30:15 - La gioia immortal | Porpora 

00:35:14 - Arrival of the Queen of Sheba | Handel 

00:38:28 - Crude furie degli orridi abissi | Handel 

00:42:19 - Alto Giove | Porpora 

00:53:24 - Vo solcando un mar crudele | Vinci 

01:01:12 - Temi lo sdegno mio | Porpora 

01:06:17 - Sound the trumpet | Purcell 

01:09:17 - Pur ti miro | Monteverdi

Filippo Mineccia | AltoSamuel Mariño | SopranoValer Sabadus | Mezzo-soprano
Orchestre de l'Opéra RoyalConducted by Stefan Plewniak
Os castrati foram as primeiras "estrelas" da história da música. Cantavam frequentemente o papel principal (e, em Roma, todos os papéis femininos nas óperas), criando uma verdadeira competição de virtuosismo e emoção em palco entre os cantores, com o público a fazer de árbitro através dos seus pedidos de encore. E se três dos melhores intérpretes do nosso tempo participassem nesta Competição de Virtuosismo? Apresentamos Valer Sabadus (Arad, 1986), Filippo Mineccia (Florença, 1981) e Samuel Mariño (Caracas, 1993). Árias virtuosas, duetos de amor e trios combativos trouxeram o triunfo aos castrati: cabe a cada ouvinte encontrar o seu próprio campeão!
Saber mais:

1. Livret français/anglais/allemand
2. Concurso de Castrati

Antonio Vivaldi: "Fara la mia Spada" - Jakub Józef Orliński and Cappella di Ospedale della Pietà

Na ópera Tito Manlio (1719), de Antonio Vivaldi, a ária “Farà la mia spada” tem um papel dramático e estrutural muito claro.
1. Momento dramáticoA ária surge num ponto de tensão extrema da ação.Tito Manlio, cônsul romano, encontra-se dilacerado entre:

1. o dever absoluto para com Roma e a lei,
2. e o amor paterno pelo filho Manlio, que violou ordens militares.

Em “Farà la mia spada”, Tito afasta qualquer hesitação emocional e reafirma que será a lei e a honra — simbolizadas pela espada — a decidir o destino.Dramaticamente, é o momento em que o personagem se endurece.
2. Função psicológica da áriaEsta não é uma ária de reflexão, mas de autoafirmação:

1. Tito convence a si próprio de que conseguirá agir como juiz implacável
2. A música traduz resolução violenta, quase sobre-humana
3. O conflito interior não desaparece — é reprimido

Vivaldi usa a ária para mostrar que a força moral de Tito é construída à custa do sofrimento emocional, o que torna o personagem mais trágico do que heróico.
3. Função musical e teatrala) Aria di furore

• Ritmo rápido e incisivo
• Escrita vocal agressiva
• Orquestra com caráter marcial

Isto cria um contraste direto com árias mais líricas da ópera, evitando monotonia emocional.
b) Definição do personagemTito é apresentado como símbolo da autoridade romana. A ária fixa o arquétipo do pai-magistrado, típico do drama setecentista
4. Papel estrutural na óperaDentro da lógica da ópera séria barroca:

1. A ária interrompe a ação para cristalizar um estado emocional
2. Serve como ponto de viragem: após este momento, a narrativa avança para as consequências dessa decisão inflexível
3. Prepara o público para a tragédia iminente, mesmo que a ópera termine com resolução moral

Libretto

Hasse: "Mea tormenta, properate!", Jakub Józef Orliński & Il pomo d'oro

A frase “Mea tormenta, properate!” é latim e significa literalmente: “Meus tormentos, apressai-vos!”

ou, num português mais natural:

“Ó meus tormentos, apressai-vos!”

Sentido poético/dramático:

É um clamor de desespero, típico de árias barrocas de afeto trágico. O sujeito invoca os próprios sofrimentos, pedindo que eles venham rapidamente — como se desejasse que a dor final ou o desfecho trágico chegasse logo, em vez de prolongar a angústia.

 

Contexto (Hasse)

Johann Adolf Hasse escreveu várias árias em latim e italiano com temas de paixão, sofrimento e abandono. Esta expressão encaixa no estilo retórico do dramma per musica, em que o personagem expressa intensamente emoções extremas.

A ária parece ser de um oratório, Sanctus Petrus et Sancta Maria Magdalena. Encontrei a data de cerca de 1735, mas o crítico da revista Gramophone, ao comentar a obra completa, afirma: "Escrita no final da década de 1750 para órfãs venezianas apresentarem durante a Semana Santa na capela do Ospedale degl'Incurabili, com o qual Hasse estava associado desde 1734". O crítico diz ainda que a "ária rápida e angustiada 'Mea tormenta, properate!' não é apenas representativa de uma ligação perdida entre o idoso Handel e o adolescente Mozart, mas igual em qualidade dramática e musical a qualquer um deles".

Duas versões excelentes do fantástico tema dos Joy Division - "Love WIll Tear Us Apart", por Mísia e Stone Roses

O nome Joy Divison foi retirado do romance ‘House of Dolls’, em 1956 da autoria de Yehiel De-Nur, sobrevivente do Holocausto. Nesse livro Joy Division (Divisão da Alegria) é o nome dado para a área onde as mulheres judias eram mantidas prisioneiras e “oferecidas” sexualmente aos oficiais nazis. Era um nome forte, poderoso, e já carregava por si caráter e crítica social. Mas não corresponde à verdade.

Um porta-voz do Memorial e Museu de Auschwitz-Birkenau disse ao The Guardian que "não há registos históricos de qualquer ‘ala’ de um campo de concentração onde mulheres judias fossem forçadas à escravidão sexual". Dos livros que já li sobre o Holocausto (e foram muitos, muitos) também nunca nada sobre isso lá aparece.

Foi um período histórico em que era comum bandas se inspirarem no III Reich, mas sem "activismo" racista ou intenções anti-semitas. Apenas para chocar, incomodar, criar impacto social. 

Portanto é um mito urbano classificar os Joy Division como uma banda antissemita e/ou nazi. Daniel Rachel explica isso muito bem - livro aqui

Áreas protegidas em risco na Europa. Trezentos hectares em Melides perdidos para grupo americano

A Europa está a perder áreas verdes a um ritmo de 600 campos de futebol por dia. Esses espaços, que antes abrigavam vida selvagem, capturavam carbono e forneciam alimentos, estão a desaparecer para darem lugar a novas construções, incluindo em Portugal. Uma investigação do jornal britânico The Guardian destaca o caso de Melides, onde um grupo norte-americano comprou quase três centenas de hectares para erguer um resort de luxo no qual várias personalidades estrangeiras já terão adquirido propriedades milionárias.

Pela primeira vez, replicando o que já acontece para medir a desflorestação na Amazónia, investigadores usaram imagens de satélite para avaliar a perda de áreas verdes na Europa ao longo de um período de cinco anos. O que antes era verde é agora cinzento devido à construção de estradas e edifícios, revelou o projeto Green to Grey, uma iniciativa do Guardian que contou com a colaboração de vários parceiros europeus.

Em Portugal, quase 300 hectares de área protegida em Melides, no município de Grândola, foram comprados pelo grupo imobiliário norte-americano Discovery Land Company para construir um resort e um campo de golfe.

O projeto CostaTerra Golf and Ocean Club, cujas propriedades rondam os 6,4 milhões de euros, ainda está em construção mas já terá casas vendidas a algumas celebridades estrangeiras, entre as quais a atriz Nicole Kidman, a duquesa de Sussex, Meghan Markle, e o seu marido príncipe Harry.

O grupo norte-americano que adquiriu os hectares de terreno decidiu, em 2021, encerrar o parque de campismo da Galé, que dava acesso à praia da Galé, em Melides, originando vários protestos ao longo dos últimos anos pelos antigos utilizadores do parque, que estava em funcionamento há várias décadas.

Toda essa área de Melides integra a Rede Natura 2000, uma iniciativa europeia que pretende assegurar a biodiversidade e conservar a natureza em zonas protegidas.

Os regulamentos europeus apenas preveem exceções ao desenvolvimento de projetos em áreas da Rede Natura 2000 em caso de interesse público superior. As autoridades portuguesas, incluindo a Agência Portuguesa do Ambiente (APA), aprovaram a construção do resort, com algumas entidades a destacarem os benefícios económicos que este trará.

No entanto, Ioannis Agapakis, advogado da ONG de direito ambiental ClientEarth, afirmou que um campo de golfe não preenche os requisitos ambientais. "É óbvio que não se trata de um interesse público superior", afirmou, já que "o simples facto de se encontrarem benefícios económicos num projeto não o torna de interesse público superior".

No seu site oficial, o resort CostaTerra promete “o luxo simples da vida europeia” na “última costa atlântica intocada do sul da Europa”.

Em comunicado, o grupo Discovery Land Company garantiu estar a desenvolver o CostaTerra “para ser um modelo de gestão ambiental e de sustentabilidade na região”, prometendo ser a “propriedade mais responsável do seu género”.

Segundo o Guardian, só a manutenção do campo de golfe, que ocupa 75 hectares, implica o consumo de cerca de 800 mil litros de água por dia.

“Todos os aspetos da propriedade, desde a conceção do campo de golfe, passando pelas práticas de gestão das águas pluviais e dos resíduos, até ao desenvolvimento e preservação do habitat e dos corredores de vida selvagem, foram concebidos para satisfazer ou exceder as normas da UE, incluindo as da Rede Natura 2000”, assegurou o grupo.

O projeto Green to Grey conclui que, em toda a Europa, cerca de 9.000 quilómetros quadrados de terreno - uma área equivalente à do Chipre - passaram da cor verde à cinzenta entre 2018 e 2023. Este número traduz-se em quase 30 quilómetros quadrados por semana, ou 600 campos de futebol por dia.

A análise abrangeu 30 países, cobrindo 96 por cento da área do Espaço Económico Europeu (EEE). Os cinco países com as maiores perdas de vegetação entre 2018 e 2023 foram a Turquia, Polónia, França, Alemanha e Reino Unido.