The Awakening - Angelyn

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LetraAngelynRise above the bitter endAngelynYour smile won't let the winter in
I needed youMore than I thought I ever didWon’t you justBring your sweet touch back again
'Cause I lied, I lied'Cause I lied, I lied
AngelynThe morning sun won’t shine againEverythingBelongs to where we started it
I'm falling downMore than I could ever standAngelynWon't you bring your healing hand
'Cause I lied, I liedKept your world insideYou might also likeArmageddon StyleThe AwakeningThe Man Who Wasn’t ThereThe AwakeningThrough The VeilThe AwakeningCan't take back the yearsCan't swallow all the tears
AngelynRise above the bitter endAngelynYour smile won't let the winter in
'Cause I needed youMore than I thought I ever didAngelynBring your sweet touch back again
’Cause I lied, I liedKept your world inside
Oh, sweet angel let me inGlance the thirst I’m drowning inOh, sweet angel let me inGlance the thirst I'm drowning in
Significado da cançãoO estilo central da canção é o rock gótico e o darkwave, numa faixa que mistura guitarras melódicas e melancólicas com sintetizadores subtis, uma atmosfera densa e o marcante vocal barítono e dramático de Ashton Nyte. Lançada originalmente no aclamado álbum Darker Than Silence (2004), a música surge numa era em que a banda refinou aquilo a que chamava "dark future rock". No que toca ao significado, "Angelyn" faz parte de um trabalho conceptual cujos temas principais giram em torno da devastação emocional, da perda, do isolamento e da dependência ou automedicação, transitando por sentimentos de profunda vulnerabilidade. O amor e a salvação surgem aqui como um refúgio, onde o eu lírico evoca "Angelyn" como uma figura salvadora ou um farol de pureza em meio ao caos interno - tal como se ouve em "Your smile won't let the winter in" ("O teu sorriso não deixa o inverno entrar") -, representando o conforto de que ele precisava desesperadamente, mais do que imaginava. Contudo, a dor da perda e o arrependimento ganham espaço à medida que a música avança, tornando claro que houve uma fratura ou uma mentira que destruiu essa ligação, algo evidente nos versos "For I lied, I lied... The morning sun won't appear again" ("Porque eu menti, eu menti... O sol da manhã não voltará a aparecer"). Cria-se assim um casulo escuro, onde a canção retrata a busca por trazer de volta o doce toque de alguém que trazia luz, enquanto o narrador se vê preso no inverno frio da sua própria mente e dos seus erros. Em resumo, trata-se de uma poesia gótica clássica sobre como o amor e a beleza de alguém podem ser a única barreira contra a depressão e a escuridão interior, evidenciando o desespero absoluto que surge quando essa barreira é quebrada.

I am the Shadow - Pain Come Close

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LetraWe saw the lights gone outAnd the days pass byI`m stuck in here, with youLost the chance to move onSeeing pain come closeI`m stuck in here, in you
Here, where your life burnsIn the coldIn here, seeing pain come closeSo near
No regrets is the wayTo come clean, somedayStuck in here, with youWords bleed from your mouthYou scream and shoutI`m stuck in here, in you
All this darkWants meIn youFinding the right wordsThe right timeThe truth
Suppose we`re made to hold onAs pain gets strongI`m stuck in hereIn me, all the voices get coldAs time grows oldI´m stuck in here, in me
Here, where your life burnsIn the coldIn here seeing pain come closeSo near
All this darkWants meIn youFinding the right wordsThe right timeThe truth 
Significado da canção"Pain Come Close" é uma obra profundamente introspetiva que explora a relação inevitável, íntima e quase simbiótica entre o indivíduo e a sua dor interior (seja ela provocada por um trauma, depressão ou desgosto).
O eu lírico descreve uma sensação de isolamento e estagnação crónica ("I'm stuck in here in you" / "I'm stuck in here in me"). Em vez de lutar ou fugir do sofrimento, a letra sugere um processo de rendição ou aceitação forçada, onde a escuridão e a dor física/emocional se aproximam tanto que passam a fazer parte da própria identidade da pessoa. A "dor" e a "escuridão" são tratadas quase como entidades vivas que cobram companhia e exigem que o indivíduo permaneça submerso nelas enquanto o tempo passa e as vozes ao redor se tornam frias.
É um retrato poético sobre a vulnerabilidade humana face ao sofrimento psicológico que assombra a mente a cada minuto.

Arab Strap - You You You

LetraI've got a hole in my shoe that lets in rainAnd another new lump and another veinI've got pills for breakfast every dayTo keep my pains and fears in me
I've got a belly I just can't shiftI feel undesired, dismiss the driftMy get-up-and-go is long goneAnd the days keep dragging on
But I've got you, you, you, youI've got you, you, you, youGot you, you, you
Got a hole in my head that can't be filledTamers never spin, it's only killI'm always bored, it seems nothing excites meMy own system fights me
I've got watchlists I'll never watchCruelty in my crotchI'm going to see the sadness in my soulThe major swallowed it whole
But I've got you, you, you, youI've got you, you, you, youGot you, you, you
I've got tears in my eyes again tonightAs the terror nights unite and fightThere's a fiery frog in my throatFrom all that singing "Bella Ciao"
I've got my chin cord, I can't be missed'Cause the government claims I'm a terroristI fear for my son, I fear for my daughterBut in this world of slaughter
I've got you, you, you, youI've got you, you, you, youGot you, you, you
I don't know what the fuck to doWhen hypocrisy reigns and nothing is trueAnd nobody pays for their horrid behaviorFuck these demagogues cosplaying savior
With a rose in my fist and a song in my lungsI reach for a hand and I've got youYou, I've got youYes, I do
A banda Arab Strap é escocesa, tendo sido formada em 1995 na cidade de Falkirk por Aidan Moffat e Malcolm Middleton. Uma das características mais marcantes da sua identidade é o facto de o vocalista cantar e recitar as canções mantendo o seu sotaque escocês nativo muito vincado, o que confere às composições um realismo cru e uma forte ligação à sua origem geográfica.
O estilo musical do duo transita essencialmente entre o indie rock e o slowcore, um subgénero do rock alternativo caracterizado por ritmos lentos, arranjos minimalistas e atmosferas mais sombrias. O som dos Arab Strap destaca-se pela fusão de guitarras melancólicas com batidas eletrónicas programadas e sintetizadores de estética lo-fi, servindo de base para o uso frequente do spoken word, em que as letras são declamadas em vez de serem tradicionalmente cantadas. A banda integrou a efervescente cena musical escocesa dos anos noventa e dois mil, partilhando palcos e cumplicidades com nomes como Mogwai ou Belle and Sebastian.
No que diz respeito ao significado, a canção "You You You" afasta-se um pouco das narrativas sobre excessos noturnos e relações amorosas caóticas que marcaram o início da carreira do grupo, focando-se antes na ansiedade existencial, na depressão e no isolamento do mundo moderno. A letra reflete sobre a culpa e a pressão social para se ser feliz e produtivo, abordando a forma como o indivíduo muitas vezes se fecha em si mesmo em vez de comunicar os seus sentimentos. É um retrato íntimo e desiludido sobre a falta de respostas face às crises psicológicas da vida adulta contemporânea, onde o silêncio e a apatia acabam por prevalecer.
O termo "Arab strap" (literalmente, "correia árabe") refere-se, de facto, a um dispositivo sexual concebido para manter a ereção, funcionando como um anel peniano ou anel indutor de constrição. Geralmente fabricado em pele, borracha ou silicone, este acessório possui uma tira que se ajusta à base do pénis e outra que envolve os testículos. O seu principal objetivo é retardar o fluxo de retorno do sangue, permitindo prolongar a firmeza da ereção e intensificar o prazer e a sensibilidade durante a atividade sexual. Devido aos riscos de lesão nos tecidos por falta de oxigenação, os especialistas recomendam que este tipo de dispositivo nunca seja utilizado por um período superior a trinta minutos consecutivos.
Para além do seu significado literal no contexto do bem-estar sexual, a expressão ganhou uma enorme notoriedade na cultura pop e na história da música alternativa britânica no final dos anos noventa. Em primeiro lugar, deu nome à banda Arab Strap de indie rock fundada em 1995. Pouco depois, em 1998, inspirou o título de um dos álbuns mais aclamados do panorama musical da época, The Boy with the Arab Strap, da também banda escocesa Belle and Sebastian. Curiosamente, o vocalista do grupo, Stuart Murdoch, confessou mais tarde que, quando escolheu o título para o disco, achou piada à sonoridade da expressão, sem fazer a mínima ideia do objeto real a que ela se referia.

Anna Calvi - I See A Darkness (feat. Perfume Genius)

Melhor som aquiLetra[Verse 1]Well, you're my friendThat's what you told meAnd can you see?What's inside of meMany times we've been out drinkingMany times we've shared our thoughtsDid you ever, ever noticeThe kind of thoughts I got?
[Verse 2]Well, you know I have a loveFor everyone I knowAnd you know I have a driveTo live I won't let goBut can you see this oppositionRising up sometimesAnd it's dreadful impositionCome blacking in my mind
[Chorus]And then I see a darknessAnd then I see a darknessAnd then  I see a darknessAnd then I see a darknessDo you know how much I love you?It's a hope that somehow youCould save me from this darkness
[Verse 3]Well I hope that someday, buddyWe'll  have peace in our livesTogether or apartAlone or with our wivesAnd we can stop our whoringAnd pull the smiles insideAnd light it up foreverAnd never go to sleepMy best unbeaten brotherThis isn't all I see
[Chorus]

I See A Darkness: a batalha psíquica, a solidariedade queer e o resgate pela conexão humanaA composição funciona como um mergulho visceral na psique humana, onde a "escuridão" não é uma ameaça externa, mas um estado mental persistente e sufocante. O narrador admite que, mesmo rodeado por afeto e momentos de paz, carrega uma sombra interna que ameaça de forma constante a sua estabilidade emocional. É nessa vulnerabilidade que a canção revela a sua faceta mais humana: uma conversa íntima e brutalmente honesta com um amigo próximo. O eu lírico anseia por retribuir o amor que recebe e ser o seu melhor amparo, mas confessa, com dolorosa lucidez, a incapacidade de estar totalmente presente enquanto trava essa batalha contra o próprio colapso.

Essa dimensão interpessoal ganha uma densidade ainda maior na versão interpretada por Anna Calvi e Perfume Genius (Mike Hadreas). Sendo ambos artistas abertamente queer - Hadreas assumidamente gay e Calvi lésbica -, as suas trajetórias musicais sempre usaram a identidade como pilar central para desconstruir papéis rígidos de género, explorar traumas e questionar a rejeição social de corpos e afetos não normativos. Ao unirem as suas vozes numa obra tão densa, a luta contra a depressão deixa de ser uma abstração genérica e ganha contornos de uma vivência partilhada. A música transforma-se num ato de resistência e num pacto de sobrevivência queer, onde a dor do isolamento é acolhida pela empatia de quem entende esse mesmo peso.

No limite, a obra manifesta-se como um pedido de socorro que recusa a resignação. Permanece um contraste latente entre o pavor paralisante desse abismo emocional e a crença - ainda que frágil e oscilante - de que a conexão humana, o afeto e a coragem de expor as próprias feridas são o único antídoto capaz de afastar as sombras.

É importante notar que "I See A Darkness" é um cover. A música foi escrita originalmente por Will Oldham (sob o nome Bonnie 'Prince' Billy) em 1999. Diferente da versão original (que é mais contida, quase leve e melancólica), a interpretação de Calvi e Perfume Genius é carregada de drama. Ela mistura o virtuosismo da guitarra de Anna com harmonias vocais etéreas, criando um som que pode ser descrito como Noir Rock ou Dark Pop.

Página Oficial

Anna Calvi 

Anna Calvi youtube

The Smashing Pumpkins - There It Goes

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Letrathere It GoesSomething's wrong, I can see it in your eyesYou're not the same, it's no surpriseAnd I don't know what I'm supposed to doWhen everything I have is because of you
[Chorus]And there it goes, it's slipping awayAnd there it goes, another dayAnd there it goes, it's out of my handsAnd there it goes, I don't understand
I try to speak, but the words don't come out rightI'm losing sleep, I'm losing the fightAnd I don't know where we went wrongBut I've been waiting for so long
[Chorus]
Maybe I'm wrong, maybe I'm rightMaybe I'll see you in the lightBut for now, I'll just close my eyesAnd say goodbye to all the lies
[Chorus]

O significado de "There It Goes" reside na melancolia da impotência e na aceitação dolorosa do fim. A letra descreve o momento exato em que percebemos que algo valioso - seja um amor de juventude ou uma etapa da vida — está a escapar por entre os dedos, e não há absolutamente nada que possamos fazer para o impedir. É uma canção sobre o inevitável.

Billy Corgan explora a frustração da falta de comunicação, onde as palavras falham precisamente quando são mais necessárias, criando um abismo entre duas pessoas que antes eram próximas. O refrão, com a repetição da frase "it's out of my hands" (está fora das minhas mãos), reforça este sentimento de perda de controlo e a resignação de assistir ao tempo a passar enquanto as promessas se desmoronam. No desfecho, a música sugere que, embora o adeus seja difícil, ele traz a libertação de todas as ilusões e mentiras que sustentavam aquela situação. É o retrato de um jovem compositor ainda despido de metáforas complexas, a lidar com a vulnerabilidade crua de ver o seu mundo mudar sem o seu consentimento.

There It Goes (demo 88)

The Smashing Pumpkins - There It Goes (2012)

A graciosidade efémera nas nossas cidades

Foto do meu amigo Nuno Pimenta

Grace amidst the grind

"One gaze follows the path ahead,
Tracing the lines where the sunlight is shed.
The other lingers, a quiet surprise,
With the world’s hidden mischief caught in her eyes.

Between the stone walls and the crowd's muffled roar,
Is a secret shared, then a moment more.
Amidst the grind, two women remain in a soft, steady light
The heart of the city, looking back at you. " 

João Soares, 13.02.206

Sobre os efeitos negativos da gentrificação aqui e aqui

Black Swan Lane - Slip

I’ll never forget. What’s in your mind. It makes me blind. It makes me high. An infinite love. 
I cannot change. An infinite life. It makes me blind. It gets me high. 
Filmed in Turin, Manchester and AtlantaTerry McGarry é a personagem principal do vídeo.

System Of A Down - Lonely Day

Lonely DaySystem Of A Down
Such a lonely dayAnd it's mineThe most loneliest day of my lifeSuch a lonely dayShould be bannedIt's a day that I can't stand
The most loneliest day of my lifeThe most loneliest day of my life
Such a lonely dayShouldn't existIt's a day that I'll never missSuch a lonely dayAnd it's mineThe most loneliest day of my life
And if you goI wanna go with youAnd if you dieI wanna die with youTake your hand and walk away
The most loneliest day of my life
Such a lonely dayAnd it's mineIt's a day that I'm glad I survived

Em "Lonely Day", do System Of A Down, a repetição do verso “the most loneliest day of my life” (“o dia mais solitário da minha vida”) destaca um sentimento profundo de solidão, mas também mostra como o personagem da música assume esse sofrimento como parte de si. O trecho “Such a lonely day / And it’s mine” (“Um dia tão solitário / E é meu”) reforça essa ideia de posse sobre a dor, indicando uma aceitação resignada, mesmo diante do desejo de que esse dia “deveria ser banido” ou “não deveria existir”.

O videoclipe amplia esse sentimento ao mostrar objetos e estruturas em chamas, sugerindo que o desespero pode ser devastador e atingir qualquer um, em qualquer lugar. A referência visual à capa de “Wish You Were Here”, do Pink Floyd, onde um homem aperta a mão de outro em chamas, reforça temas de perda, ausência e desejo de conexão. Esses elementos também aparecem nos versos “And if you go, I wanna go with you / And if you die, I wanna die with you” (“E se você for, quero ir com você / E se você morrer, quero morrer com você”), que revelam uma ligação tão intensa com outra pessoa que a solidão se torna insuportável sem ela, abordando dependência emocional e pensamentos autodestrutivos.

No final, o reconhecimento de que “it’s a day that I’m glad I survived” (“é um dia que estou feliz por ter sobrevivido”) sugere uma superação amarga desse sofrimento. A dedicação da música a Joey Jordison em 2024 reforça o caráter universal da solidão e da perda, mostrando como a canção pode ser tanto um tributo a pessoas queridas quanto um desabafo sobre os dias mais difíceis.

versão Sovietwave

Lowlife - Eternity Road (12 Mix)

“Eternity Road”, dos Lowlife, é geralmente entendida como uma canção sobre tempo, perda e a sensação de caminhar indefinidamente sem resolução, usando a estrada como metáfora existencial. A “estrada da eternidade” não aponta para um destino concreto, mas para um percurso contínuo, quase imóvel, em que o sujeito avança sem chegar verdadeiramente a lado nenhum.
A letra e a atmosfera sugerem estagnação emocional, luto prolongado ou um estado depressivo em que o passado pesa mais do que o futuro. A ideia de eternidade não é reconfortante; é antes opressiva, associada à repetição, ao vazio e à impossibilidade de encerramento. Caminhar por essa estrada implica aceitar uma duração infinita da dor, da memória ou da ausência.
Musicalmente, a canção reforça esse sentido simbólico: o andamento lento, o baixo hipnótico e a voz distante criam uma sensação de suspensão temporal, típica do post-punk e da cold wave. Não há catarse nem clímax evidente, o que sublinha a ideia de um percurso emocional contínuo e sem redenção.
Assim, “Eternity Road” pode ser lida como uma reflexão melancólica sobre a condição humana, em particular sobre a experiência de viver preso a sentimentos que não se resolvem — um tema recorrente na obra dos Lowlife, marcada pela introspeção, alienação e consciência da passagem do tempo.
“Eternity Road”, dos Lowlife, foi lançada em 1986. A canção integra o álbum Permanent Sleep, editado pela 4AD, que é considerado o trabalho mais marcante da banda.

Death in Rome - Christmas song

Christmas Song
in this darkest houra light shining stillin this quiet nightthere’s still time to kill
the storm moves onfrom darkened skiesbut bide your timesoon we will rise
and the angels on the gallerysing about the kingborn behinda discount storeby broken rubbish bins
oh divine amnesiaoh divine forgivenessoh divine indifferencelet them seize you
when the clouds have lifteda stream from the pastwill soothe your mindand you’ll find peace at last
surrounded by foolswas no place to bebut now we’ve moved onto a sublime destiny
we’re fighting demonsa struggle everydaythe poison has a gripit steals our days away
But Saint Joseph, Saint RobertSaint Nicolas, Saint RitaSaint BenoitAre by our side
and gloryto the highestin the highestheights
Even if I don’t feel him
and peaceto alldecent people
and truthonly to thosewho deserve it
A “Christmas Song” dos Death in Rome pega numa canção de Natal clássica, associada a conforto, família e calor emocional, e transforma-a através da sua interpretação musical. A letra permanece praticamente intacta, mas o arranjo minimalista, frio e melancólico cria um contraste forte com o imaginário tradicional do Natal. É uma crítica subtil ao Natal comercial e automático Em vez de transmitir aconchego e alegria, a música soa distante e desencantada, fazendo com que aquelas imagens de lareira, crianças e votos de felicidade pareçam memórias gastas ou rituais repetidos sem convicção. O resultado é uma leitura irónica e nostálgica, onde o Natal surge menos como um momento de união genuína e mais como uma tradição automática, envolta em solidão e vazio emocional. Assim, a canção não rejeita o Natal em si, mas expõe a fragilidade do seu simbolismo quando separado da experiência humana real, mostrando como a música pode alterar profundamente o significado de uma letra aparentemente inocente.

The Primitives - Sweet Sister Sorrow

“Sweet Sister Sorrow”, dos The Primitives, apresenta a tristeza como uma presença familiar e constante na vida de alguém. A canção personifica a melancolia como uma “irmã doce”, sugerindo que a dor se tornou íntima e quase confortável, algo de que a pessoa já não se consegue afastar. Há uma ambiguidade intencional: a palavra “sweet” suaviza “sorrow”, mostrando como certos sofrimentos se tornam parte da identidade emocional de alguém. A letra transmite a ideia de dependência emocional, padrões autodestrutivos e uma espécie de aceitação resignada da tristeza, enquanto a melodia, luminosa e típica do indie pop dos anos 80, contrasta com o peso emocional da mensagem, criando aquela combinação habitual do The Primitives entre som leve e significado sombrio.

Rising at Fall - Into The Dark

A banda Rising at Fall é uma banda canadiana, formada por Liam Desrosiers e Jérémy Goyette. A canção “Into The Dark”, lançada em maio de 2025, apresenta uma letra marcada por dor emocional, vulnerabilidade e desejo de fuga. O eu-lírico expressa exaustão, sensação de desaparecer, peso emocional e a necessidade de ser libertado de algo que o prende ao passado. A repetição de pedidos de ajuda e de expressões de sofrimento sugere um mergulho numa crise interna, possivelmente ligada a trauma, depressão ou a um momento de colapso emocional. A frase “let it fade into the dark” aponta para o desejo de deixar as memórias dolorosas desaparecerem na escuridão, enquanto outras partes da letra mostram uma luta entre desistir e procurar salvação. Embora a banda não tenha divulgado um significado oficial, “Into The Dark” pode ser interpretada como um retrato de angústia pessoal e da tentativa de sobreviver emocionalmente, mesmo quando se sente que o tempo e as forças estão a esgotar-se.

Archive - Look At Us

Warmduscher Remix

A canção “Look At Us” dos Archive fala sobre a dor de perceber que uma relação — amorosa ou emocionalmente íntima — se deteriorou ao ponto de quase já não existir. A expressão “look at us” funciona como um apelo triste, quase desesperado, para observar a distância que cresceu entre duas pessoas que antes estavam unidas. A letra transmite a sensação de que algo importante se perdeu pelo caminho: o diálogo foi desaparecendo, a confiança foi-se quebrando e, quando finalmente se reconhece o estrago, já é tarde demais para voltar atrás. Há um forte sentimento de arrependimento e incompreensão, como se os protagonistas se olhassem e já não se reconhecessem. Ao mesmo tempo, a música transmite fragilidade e vulnerabilidade, reforçadas pela atmosfera melancólica típica do Archive, que sublinha a reflexão sobre o desgaste emocional e a inevitabilidade de que algumas relações simplesmente se afastam, mesmo quando ainda existe dor e afecto.

Highly Suspect - Serotonia

LetraI wish that everyone I knew was deadSo that I'd never have to pick up the phoneI just wanna be nakedAnd masturbate all day at home
California dreamin'Oh my heart just started screamin'I think I want to be alive
I wish I lived on top of the SunsetYeah cause Hollywood you know my typeI'll get stoned all night with LanaHalf in and half out of the light
Ooh, it's california dreaminOh my heart just started screamin'I think I wanna be alive
I can feel it tooSo what am I waiting for?I'm afraid of you
It's just I'm not that good of a personBut I might be enough for you
I'm gonna move to californiaI'm gonna melt into the sandSlow dance with Elizabeth TaylorAnd AudreyBum a cigarette from Cary Grant
Now new york you know I love youBecause you made me who I amWhich is not that good of a personI need to feel something again
I can feel it tooSo what am I waiting forI'm afraid of you
It's just I'm not that good of a personBut I might be enough for youAnd I got enough love for two
I can feel it tooI'm afraid of youIt's just I'm not that good of a personBut I might be enough for you
O título é um trocadilho com a "serotonina" (a hormona da felicidade). A letra fala sobre o desejo de mudança, a saúde mental, o isolamento e a transição da vida em Nova Iorque para a Califórnia."Serotonia”, do Highly Suspect, fala sobre a sensação de não pertencer, a luta constante contra a ansiedade e a tristeza, e o desejo profundo de ser alguém diferente e emocionalmente mais equilibrado. A canção expressa frustração com a própria mente, vontade de fuga e a busca por uma vida mais leve, simbolizada pela ideia de ter “Califórnia nos ossos”. É um desabafo sobre tentar encontrar paz interior quando ela parece sempre fora de alcance.
O título “Serotonia”, um trocadilho com “serotonina”, já indica o tema central da música: a busca por equilíbrio emocional e felicidade. A letra apresenta de forma direta o desejo de escapar das pressões sociais e da própria insatisfação, como no verso “I wish that everyone I knew was dead / So that I'd never have to pick up the phone” (Eu queria que todos que eu conheço estivessem mortos / Assim eu nunca teria que atender o telefone). Esse desejo de isolamento extremo, aliado à vontade de se desligar do mundo e se entregar a prazeres solitários, revela um estado de exaustão emocional e autocrítica, reforçado pela frase recorrente “I'm not that good of a person” (Eu não sou uma pessoa tão boa assim).
A Califórnia aparece como símbolo de recomeço e possibilidade, um lugar idealizado onde o narrador acredita poder se reinventar e talvez encontrar o bem-estar que lhe falta. As menções a ícones de Hollywood, como Elizabeth Taylor, Audrey Hepburn e Cary Grant, trazem uma nostalgia pelo glamour e leveza de outros tempos, em contraste com a dureza do presente. O desejo de “melt into the sand” (derreter na areia) e “slow dance with Elizabeth Taylor” (dançar lentamente com Elizabeth Taylor) sugere tanto uma fuga da realidade quanto uma busca por pertencimento. Ao mesmo tempo, o passado em Nova York é reconhecido como parte da identidade do narrador, mas também como fonte de inseguranças. A música oscila entre esperança e medo, expressando de forma honesta a luta interna por sentido e conexão.

Duas versões excelentes do fantástico tema dos Joy Division - "Love WIll Tear Us Apart", por Mísia e Stone Roses

O nome Joy Divison foi retirado do romance ‘House of Dolls’, em 1956 da autoria de Yehiel De-Nur, sobrevivente do Holocausto. Nesse livro Joy Division (Divisão da Alegria) é o nome dado para a área onde as mulheres judias eram mantidas prisioneiras e “oferecidas” sexualmente aos oficiais nazis. Era um nome forte, poderoso, e já carregava por si caráter e crítica social. Mas não corresponde à verdade.

Um porta-voz do Memorial e Museu de Auschwitz-Birkenau disse ao The Guardian que "não há registos históricos de qualquer ‘ala’ de um campo de concentração onde mulheres judias fossem forçadas à escravidão sexual". Dos livros que já li sobre o Holocausto (e foram muitos, muitos) também nunca nada sobre isso lá aparece.

Foi um período histórico em que era comum bandas se inspirarem no III Reich, mas sem "activismo" racista ou intenções anti-semitas. Apenas para chocar, incomodar, criar impacto social. 

Portanto é um mito urbano classificar os Joy Division como uma banda antissemita e/ou nazi. Daniel Rachel explica isso muito bem - livro aqui

Pixies - Hang On to Your Ego

Intro]HelloHello?Hello, helloHello hello hello[?]
[Verse 1]I know so many people who think they can do it aloneThey isolate their heads and stay in their safety zoneWhat can you tell them?What can you say that will make them defensive?
[Chorus]Hang on to your egoHang on but I know that you're gonna lose the fight
[Verse 2]They come on like they're peaceful but inside they're so uptightThey trip through the day and waste all their thoughts at nightNow how can I say it?How can I come on when I know I'm guilty?
[Chorus]YeahHang on to your egoHang on, but I know you're gonna lose the fight

Por volta de 1965–1966, Brian Wilson começou a experimentar LSD enquanto trabalhava em novas ideias musicais para os Beach Boys.

Essas experiências expandiram a sua perceção sonora e emocional, levando-o a criar composições cada vez mais ambiciosas, espirituais e psicodélicas — o que culminou no álbum Pet Sounds, um dos mais inovadores da história da música pop.

O título “Hang On to Your Ego” (algo como “Agarra-te ao teu ego”) vem diretamente dessa fase.

Wilson descreveu a canção como uma reflexão sobre o ego, a identidade e o efeito do LSD — uma tentativa de compreender como a mente muda sob a influência psicodélica.

A letra inclui versos como:

“They said I had to learn to let go / But I was so afraid of losing control.”

(“Disseram-me que eu tinha de aprender a largar / Mas eu tinha tanto medo de perder o controlo.”)

Isto remete diretamente à dissolução do ego que muitos relatam nas experiências com LSD — a sensação de perder os limites entre o “eu” e o mundo.

Os outros membros da banda — especialmente Mike Love — acharam a letra “demasiado inspirada em drogas” e exigiram mudanças.
Resultado: Brian Wilson foi pressionado a alterar o texto e o título, rebatizando a faixa como “I Know There’s an Answer” para o álbum final.

Mas o LSD também o expôs a vulnerabilidades mentais — intensificou a sua sensibilidade e ansiedade, o que mais tarde contribuiu para o seu colapso psicológico.

Pixies, 25 anos depois, fizeram uma homenagem à libertação criativa, à mente expandida e à coragem artística de Brian.

Uma versão mais dançável de Frank Black

Quem são os incendiários portugueses?

O fenómeno do incendiarismo em Portugal constitui um dos mais complexos e persistentes desafios sociais, criminais e de saúde pública do país, distanciando-se frequentemente das narrativas populares que atribuem a totalidade dos fogos postos a conspirações imobiliárias ou a redes organizadas de contornos mafiosos. A realidade revelada pela investigação criminal, pela psicologia forense e pelos relatórios da Polícia Judiciária desenha um quadro significativamente mais mundano, mas nem por isso menos trágico, estruturado essencialmente em torno de duas realidades distintas: o incendiário tradicional expressivo e o novo incendiário instrumental.

Na base da pirâmide estatística portuguesa encontra-se uma esmagadora maioria de homens, predominantemente de meia-idade ou idosos, residentes no interior rural e profundamente marcados pelo isolamento social e pela baixa literacia. Neste perfil predominante, o ato de atear fogo raramente é movido por uma lógica de lucro ou planeamento frio. Trata-se, pelo contrário, de um comportamento do tipo expressivo - uma exteriorização descontrolada de frustrações reprimidas, conflitos de vizinhança, disputas de heranças ou sentimentos difusos de rejeição. É um crime de proximidade geográfica e emocional, perpetrado frequentemente num raio muito curto em redor da habitação do próprio criminoso. Adicionalmente, a literatura científica nacional aponta de forma inequívoca o alcoolismo crónico e os défices cognitivos como os principais catalisadores destas ações, onde o fogo funciona como um veículo rudimentar para obter uma efémera sensação de poder ou para quebrar o tédio existencial de comunidades desertificadas.

Em contrapartida, as dinâmicas sociológicas contemporâneas têm feito emergir uma nova tipologia criminal que desafia as metodologias clássicas de investigação: o incendiário instrumental. Este perfil, espelhado na figura do indivíduo com formação técnica ou superior, destaca-se pela racionalidade e pela sofisticação. Aqui, o fogo deixa de ser uma resposta impulsiva a um estímulo emocional e passa a ser uma ferramenta. Recorrendo a dispositivos de ativação retardada - engenhos que combinam velas, pilhas ou temporizadores eletrónicos -, estes criminosos conseguem programar a ignição para momentos de condições meteorológicas extremas, garantindo tempo suficiente para abandonar o local e construir álibis sólidos. As motivações deste grupo estão ligadas a interesses económicos concretos, à sabotagem institucional, à gestão de terrenos ou a conflitos territoriais de caça e pastoreio, representando a franja tecnicamente mais perigosa do incendiarismo em Portugal.

Por fim, os estudos dedicados às minorias deste ecossistema criminal, como as mulheres incendiárias, ajudam a consolidar a visão de que o incendiarismo português reflete as assimetrias e as patologias da própria sociedade. No caso feminino, o crime surge tardiamente na vida das arguidas, quase sempre ancorado a quadros severos de depressão, psicose ou retaliações de natureza estritamente familiar e passional. Desta forma, a análise integrada da realidade nacional demonstra que o combate aos incêndios florestais em Portugal não se esgota na eficácia do dispositivo de combate ou na vigilância florestal; exige, fundamentalmente, uma intervenção profunda nas áreas da saúde mental comunitária, no combate às dependências e na revitalização social de um território interior que, ao ser progressivamente abandonado, se torna o palco ideal para a expressão das mais profundas vulnerabilidades humanas.

Referências bibliográficas

Gomes, Patrícia (2012) - Incêndios e detidos por crime de incêndio florestal em Portugal

Ferreira, Sandra (2015) - Incendiários- entre os media e a realidade

Querido, Tânia (2019). Mulheres incendiárias: Caracterização sociodemográfica, clínica e criminal de uma amostra prisional em Portugal

Silva, Sílvia (2020) - Incêndio Florestal e Indicadores de Doença Mental: Medidas Aplicadas pelo Sistema de Justiça

Silva, Lígia (2020) -  O perfil do incendiário português: estudo comparativo entre o incendiário florestal e o incendiário urbano

Ian Curtis faria 69 anos hoje

A change of speed, a change of style
A change of scene with no regrets
A chance to watch, admire the distance
Still occupied, though you forget

Different colors, different shades
Over each mistakes were made
I took the blame
Directionless, so plain to see
A loaded gun won't set you free
So you say

We'll share a drink and step outside
An angry voice and one who cried
We'll give you everything and more
The strain's too much, can't take much more

I've walked on water, run through fire
Can't seem to feel it anymore

It was me, waiting for me
Hoping for something more
Me, seeing me this time
Hoping for something else

Literalmente o tema significa "Novo amanhecer desaparece". A música 'New Dawn Fades' é uma reflexão profunda sobre mudanças, arrependimentos e a busca por algo mais significativo na vida. A letra começa abordando a ideia de mudança em vários aspectos: cena, estilo e esperanças. Essas mudanças são vistas sem arrependimentos, sugerindo uma aceitação do passado e das escolhas feitas. A menção a 'diferentes cores, diferentes tons' pode ser interpretada como as diversas experiências e emoções que moldam a vida de uma pessoa. No entanto, também há um reconhecimento de erros cometidos e a aceitação da culpa, o que indica um processo de autoavaliação e crescimento pessoal.

A segunda parte da música traz uma interação mais pessoal e emocional, onde há uma troca de sentimentos intensos, como raiva e tristeza. A frase 'I'll give you everything and more' sugere um esforço desesperado para manter uma relação ou situação, mas a pressão se torna insuportável. A metáfora de 'andar sobre a água' e 'correr pelo fogo' indica a superação de desafios extremos, mas também uma sensação de exaustão e insensibilidade emocional. Isso reflete a luta interna do eu-lírico, que se sente perdido e sem direção, buscando algo mais profundo e significativo.

A conclusão da música é introspectiva, com o eu-lírico esperando por algo mais, algo diferente. A repetição de 'me, esperando por mim' e 'esperando por algo mais' sugere uma busca interna por autoconhecimento e realização. Quando o amor dá errado, há uma sensação de desilusão e a necessidade de reavaliar o que realmente importa. A música, portanto, é uma jornada emocional e filosófica sobre mudanças, arrependimentos e a incessante busca por significado e conexão no meio das adversidades da vida.

Seis em dez estudantes universitários sentem-se tristes e deprimidos, recorrendo a psicotrópicos

Fonte: Público

Isso é quase geral por essa Europa fora. Não é exclusivo dos jovens Portugueses. Vão às manifes, etc, empenham-se socialmente e depois de revoltados, segue-se a sensação de impotência pois o mundo quase nada mudou. Ficam anódinos, acham que as suas acções são insignificantes. Os professores também estão esgotados, porque o que ensinam (esperança, exposições, empatia) não se reflecte no que se vê no mundo.

Um tema eloquente para reflectir:

A música original é do dinossauro do techno alemão Westbam em combinação com o cantor Richard Butler, conhecido como a voz do brilhante Psychedelic Furs

Apoptygma Berzerk - Mourn (Mesh Remix)

Lost in the depths, the depths of your eyes
I couldn't resist, why should I?
I want to relax, I want to feel free
I want to be you, you want to be me

I look at you, I look at your face
Reach for my hand, just in case
Forever with you, you mourn, i can see
Now I am you, do you want to be me?

Why are you always hiding?
Why are you always mourning?