She Past Away - Soluk

Melhor som aquiLetraKatıl bizeBu son çağırıTanrın hatalıIşığı gör 
Katıl bizeBu son çağırıTanrın hatalıIşığı gör
Hatırla bilgeyi!O yol gösterenBoyun eğme!Hiçliğin bilinciyle
Hatalı tasarımSonu yakınYalanlarla filizlenenMedeniyetÇürüyor giderek
Medeniyet
Yalanlarla filizlenenMedeniyetÇürüyor giderek
Medeniyet
Çürüyor giderek
Hatırla bilgeyi!O yol gösterenBoyun eğme!Hiçliğin bilinciyle
Hatalı tasarımSonu yakınYalanlarla filizlenenMedeniyetÇürüyor giderek
Medeniyet
Yalanlarla filizlenenMedeniyetÇürüyor giderek
Yalanlarla filizlenenMedeniyetÇürüyor giderek
TraduçãoJunte-se a nósEste é o último chamadoO seu Deus está erradoVeja a luz
Junte-se a nósEste é o último chamadoO seu Deus está erradoVeja a luz
Lembre-se do sábio!
Aquele que guiaNão se submeta!
Com a consciência do nada
Projeto falhoO fim está próximoA civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
CivilizaçãoA civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
CivilizaçãoA civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
CivilizaçãoEstá a deteriorar-se gradualmente
Lembre-se do sábio!Aquele que guiaNão se submeta!
Com a consciência do nada
Projeto falhoO fim está próximoA civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
CivilizaçãoA civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
A civilização que brotou com mentirasEstá a deteriorar-se gradualmente
Crítica à religião e sociedade em “Soluk” de She Past AwayO videoclipe de «Soluk» (termo turco que se traduz como Pálido ou Sopro/Hálito), lançado pelos She Past Away em 2015, faz parte do álbum Narin Yalnızlık. 

A obra resulta de uma colaboração artística transnacional que junta várias geografias. A banda She Past Away é originária da Turquia (formada em Bursa e sediada entre Istambul e Atenas), sendo composta por Volkan Caner e Doruk Öztürkcan, com composição original partilhada com İdris Akbulut. O videoclipe foi realizado por Dimitris Chaz Lee, de nacionalidade grega, e lançado pela discográfica independente Fabrika Records, igualmente sediada na Grécia. Por sua vez, as figuras centrais que protagonizam o vídeo são a dupla andrógina da banda americana de neo-post-punk Drab Majesty (Andrew Clinco / Deb Demure e Alex Nicolaou / Mona D), provenientes dos Estados Unidos da América.
A nível concetual, a letra da canção expressa uma visão profunda de desilusão e rejeição da modernidade, fazendo uma convocatória lírica para o despertar perante a decadência moral e afirmando que a civilização germina sobre mentiras e se encontra em processo de apodrecimento. A narrativa poética rejeita dogmas religiosos e falsas autoridades morais, apelando à consciência do vazio e à recusa da submissão numa meditação sobre a perda de sentido e a necessidade de encarar a verdade nua de um universo desprovido de ilusões consoladoras.
Visualmente, o videoclipe traduz este conceito através de uma estética monocromática em preto e branco focada na alienação e na asfixia cultural. A figura de pele e cabelos brancos surge inicialmente a ler jornais e a consumir informação, mas vê progressivamente a sua boca e rosto cobertos e colados por retalhos de imprensa impressos com palavras como World, Culture, Justice ou Pleasure. Esta colagem transforma-se numa mordaça física e num sufocamento simbólico, representando a forma como a cultura de massas, os slogans institucionais e a sobrecarga de informação calam a voz individual e anulam o pensamento crítico, enquanto os rostos sombrios da banda atuam como uma consciência distante que observa a queda da mente humana.
No plano das influências, a obra bebe diretamente nas fontes do Existencialismo e do Niilismo filosófico, evidenciando pontos de contacto com o pensamento de Friedrich Nietzsche na proclamação da falência dos dogmas tradicionais, no diagnóstico da decadência civilizacional e na necessidade de encarar o abismo sem evasões. Notam-se também ressonâncias da crítica à Sociedade do Espectáculo de Guy Debord e da Teoria Crítica, na medida em que a imagem expõe a conversão dos meios de comunicação em instrumentos de alienação, combinando-se com o pessimismo misantrópico e a tradição da literatura gótica e do romantismo sombrio, onde o indivíduo lúcido se encontra irremediavelmente isolado perante a ruína das estruturas humanas.

Ramones - We’re A Happy Family

Melho som aquiLetra[Chorus 1]We're a happy familyWe're a happy familyWe're a happy familyMe, Mom and Daddy (2X)
[Chorus 2]Sitting here in QueensEating re-fried beansWe're in all the magazinesGulpin' down ThorazinesWe ain't got no friendsOur troubles never endNo Christmas cards to sendDaddy likes men
[Verse]Daddy's telling liesBaby's eating fliesMommy's on pillsBaby's got the chillsI'm friends with the presidentI'm friends with the popeWe're all making a fortuneSelling Daddy's dope
[Chorus 2]
[Chorus 1]We're a happy familyWe're a happy familyWe're a happy familyMe, Mom and Daddy
Lançada em 1977 no aclamado álbum Rocket to Russia, a canção "We’re A Happy Family" dos Ramones é uma das obras mais emblemáticas do punk rock norte-americano. Oriunda de Nova Iorque, nos Estados Unidos da América, a banda imortalizou-se através de um estilo musical caracterizado pela velocidade avassaladora do punk, enraizado no garage rock e enriquecido com melodias orelhudas inspiradas no bubblegum pop dos anos 60.
O Sonho Americano em estilhaçosO significado da canção reside numa sátira profundamente corrosiva ao ideal do American Way of Life e ao mito da família suburbana impecável, exaustivamente vendido pelos meios de comunicação da época. A letra pinta o retrato de um lar completamente disfuncional e caótico, no qual os membros negociam psicotrópicos ("sellin' Thorazine"), consomem comida enlatada de forma compulsiva e lidam com fobias, vícios e psicoses. O génio da composição reside no contraste irónico: quanto mais degradante e surreal se torna o quotidiano daquela casa, com maior insistência a família repete o refrão que assegura estarem todos felizes.
Uma música intemporalA atemporalidade de "We’re A Happy Family" deve-se à persistência do fenómeno que crítica. Se nos anos 70 a farsa do bem-estar se concentrava nos postais ilustrados e nos comerciais de televisão, hoje encontra o seu eco perfeito na cultura de aparências e validação das redes sociais. Além disso, a opção por abordar a alienação social através do humor negro e de uma sonoridade simples e direta garantiu que a faixa mantivesse o seu frescor ao longo das décadas.
A nível de influências literárias e filosóficas, embora os Ramones mantivessem uma postura estritamente urbana e sem pretensões académicas, a faixa conecta-se diretamente com o Absurdismo e o Existencialismo de pensadores como Albert Camus, ao expor a futilidade de tentar manter convenções sociais num mundo sem sentido. Em termos literários, a canção alinha-se com a ficção satírica da contracultura norte-americana de autores como Kurt Vonnegut e William S. Burroughs, utilizando o bizarro e a paródia para desmantelar a hipocrisia da sociedade de consumo.

HOLYGRAM - Signals

Melhor som aquiLetraTalk to meBehind a wallKiss and liveWithout a pastWhere’s the sense in all of it?Cause you and IWe live in the pastWe live in the past
[refrão]Sometimes when I close my eyesI see you walk awayAnd everytime the sun comes upThe feeling is the same...
When we areTalking highI will fallInto despairWhere’s the sense in all of it?Cause you and I
[refrão]
And every night you make me feel so strangeAnd every day I still can feel the pain...
Cause[refrão]
O Significado da CançãoMusical e liricamente, "Signals" encapsula a claustrofobia da vida moderna. A letra evoca uma atmosfera de vigilância, repetição e isolamento, onde os "sinais" do título funcionam como uma metáfora dupla. Por um lado, representam os estímulos tecnológicos e eletrónicos que bombardeiam o indivíduo constantemente (luzes de néon, frequências de rádio, ruído estático); por outro, simbolizam as tentativas desesperadas, e muitas vezes falhadas, de comunicação entre as pessoas numa sociedade fragmentada. Há uma sensação latente de se estar permanentemente sintonizado na frequência errada, perdido no ruído de fundo de uma cidade que nunca dorme, mas que também não acolhe.
O Significado do VídeoO videoclipe oficial de "Signals" traduz visualmente este desespero estético. Filmado maioritariamente a preto e branco, com fortes contrastes de luz (chiaroscuro) e uma estética vincadamente noir, o vídeo projeta imagens sobrepostas dos membros da banda e de paisagens urbanas brutas. As projeções e as distorções visuais mimetizam a interferência analógica, reforçando a ideia de que a identidade humana está a ser diluída pela tecnologia. A escolha de focar em espaços vazios, geometrias arquitetónicas duras e no movimento frenético das luzes da cidade acentua o sentimento de despersonalização: o indivíduo torna-se apenas mais uma sombra ou um fantasma na máquina urbana.
Inspirações Filosóficas, Romancistas e PoéticasO Holygram bebe diretamente de uma tradição literária e filosófica europeia pessimista e existencialista para moldar o universo de "Signals".
No campo da filosofia, a canção ressoa fortemente com o conceito de alienação de Karl Marx, mas despido de política e focado no existencialismo, aproximando-se da "Sociedade do Espetáculo" de Guy Debord, onde as relações humanas diretas são substituídas por imagens e sinais mediáticos. Há também marcas do niilismo de Friedrich Nietzsche e da angústia existencial de Jean-Paul Sartre, onde o Homem se encontra condenado à solidão no meio da multidão.
Na romancística, a maior influência é a literatura distópica e de ficção científica pós-moderna. É impossível não traçar paralelos com o realismo frio de Franz Kafka, onde o indivíduo é esmagado por sistemas incompreensíveis, e com a claustrofobia de George Orwell em 1984, visível na obsessão pelos conceitos de observação e controlo. Adicionalmente, o movimento Cyberpunk, encabeçado por William Gibson (autor de Neuromancer), serve de molde para esta fusão entre alta tecnologia e baixa qualidade de vida, onde a carne e os circuitos se misturam.
Na poesia, a banda inspira-se no desespero urbano de T.S. Eliot, particularmente em The Waste Land (A Terra Devastada), que retrata a cidade moderna como um lugar estéril de almas desoladas. Há ainda um eco claro do "Spleen" de Charles Baudelaire e da sua poesia sobre os flâneurs de Paris — o caminhar sem rumo pelas ruas, observando a decadência e a beleza melancólica da modernidade, transformando a solidão urbana numa forma de arte sombria.

Documentário: A Caminho do Leste (Don´t Look Back), 1967

Em Don’t Look Back, D. A. Pennebaker acompanha o jovem Bob Dylan durante uma digressão de três semanas pelo Reino Unido, em 1965. 
Filmado durante o famoso período de transição de Bob Dylan para o rock e para a guitarra elétrica, este documentário acompanha o músico desde a sua chegada a Inglaterra, a 26 de abril de 1965, até ao último concerto da digressão no Royal Albert Hall, a 10 de maio.
O realizador teve acesso aos bastidores, oferecendo um vislumbre da vida pública e privada de Dylan, desde concertos a conversas em quartos de hotel, registando a sua tumultuosa relação com a cantora e compositora Joan Baez durante uma fase crítica da sua carreira musical.
Várias figuras conhecidas aparecem no filme: os agentes de Dylan, Albert Grossman e Bob Neuwirth, os músicos Donovan, Joan Baez, Marianne Faithfull e Alan Price (Animals), e o poeta beat e amigo próximo de Dylan, Allan Ginsberg, entre outros.
O documentário Don’t Look Back (1967), realizado por D.A. Pennebaker, capta Bob Dylan num dos momentos mais cruciais e transformadores da história da música popular: a sua turné de 1965 por Inglaterra. Embora o filme retrate o que seria a sua última digressão inteiramente acústica - com Dylan sozinho em palco acompanhado apenas pela sua guitarra e harmónica -, ele funciona como o registo psicológico, poético e estético de uma metamorfose iminente. O idealismo político e a folk purista do início da década dão lugar a uma urgência agressiva e a um lirismo abstrato, surrealista e profundamente pessoal. Este distanciamento do movimento tradicional é simbolizado no filme pelo afastamento de Joan Baez, a rainha da folk de protesto, e pela rejeição feroz de Dylan em ser rotulado pela imprensa como a "voz de uma geração". Nos bastidores, hotéis e na icónica sequência de abertura de Subterranean Homesick Blues, Dylan já estava a compor e a testar a atitude cínica e a poesia metralhada que definiriam o seu novo som. O choque estético desta transição fica evidente no célebre confronto musical num quarto de hotel com o cantor escocês Donovan Philips Leitch, onde a crueza de "It's All Over Now, Baby Blue" deixou claro que Dylan já operava noutro patamar artístico.
O género musical que nascia ali era o Folk Rock literário, uma fusão revolucionária que levou a complexidade da poesia Beat e do existencialismo para o universo do rock, provando que a música popular podia ser alta literatura. Musicalmente, esta transição consolidou-se nos meses seguintes com a chamada "thin, wild mercury sound" (o som de mercúrio fino e selvagem), caracterizada por guitarras elétricas estridentes e pelo uso vanguardista do órgão Hammond, além de um ritmo frenético e quase falado que antecipou o próprio proto-punk e o garage rock.
Em 20/06/1966, Bob Dylan lançou o disco “Blonde on Blonde” é talvez o mais famoso da sua carreira. O próprio Dylan fala como sendo o “mais próximo ao som que eu ouço na minha mente, esse som fininho de mercúrio selvagem”. São 14 músicas no primeiro disco duplo da história do rock. “Sad-Eyed Lady of the Lowlands”, a ode de 11 minutos de Dylan à sua esposa Sara, também foi a primeira música a ocupar um lado inteiro de um disco: mística e enigmática como a própria Sara Lownds, gravada num só take, essa música é o momento mais suave do disco mais elétrico e eletrizante da carreira de Dylan. O resto é repleto de um cinismo maníaco, um sarcasmo transcendental e uma genialidade dilacerante. É uma obra-prima sem precedentes ou subsequentes, poesia uivada e guitarras hipnóticas que mudaram o mundo da música para sempre. Tudo aqui
Curiosamente, toda esta postura artística e a própria construção visual do documentário alinham-se perfeitamente com os conceitos da Internacional Situacionista de Guy Debord. Ao destruir jornalistas em entrevistas e sabotar as expectativas mediáticas, Dylan operava uma crítica direta ao conceito situacionista do "espetáculo" e à mercantilização da arte. O uso de cartazes manuscritos com trocadilhos e erros propositados no vídeo de abertura surge como um perfeito détournement - a subversão de ferramentas da cultura de massas para criar novos significados críticos -, enquanto a estética documental do Direct Cinema, sem narrador e focada no quotidiano caótico dos bastidores, evoca a experiência urbana da dérive. Sem que Dylan necessariamente lesse os teóricos franceses, Don't Look Back acabou por captar o nascimento do rock de autor moderno e antecipar o espírito de revolta e a urgência contracultural que explodiriam no final dos anos 60.
Embora as filmagens tenham ocorrido em 1965, o longo processo de edição em rolos de 16mm fez com que o documentário só estreasse nos cinemas a 17 de maio de 1967. Pennebaker demorou muito tempo a editar as centenas de horas de filme em rolos de 16mm. Além disso, no final de 1965 e em 1966, a carreira de Dylan explodiu globalmente com a sua fase elétrica e o seu grave acidente de mota, o que mudou o contexto do próprio filme.Por esta razão, o mês de maio tornou-se o momento ideal para celebrar esta obra fundamental, seja no dia 17 de maio, evocando a sua estreia oficial, seja a 24 de maio, data de aniversário de Bob Dylan, que completou 24 anos precisamente durante aquela histórica e revolucionária digressão britânica.