Densidade global e biomassa das redes de fungos micorrízicos arbusculares

Debaixo dos nossos passos existe uma arquitetura viva que começa agora a ganhar forma nos mapas da ciência. 

Um novo estudo publicado na revista Science estimou, pela primeira vez à escala global, a extensão e a biomassa das redes de fungos micorrízicos arbusculares nos primeiros 15 centímetros do solo. Estas redes são feitas de hifas, filamentos finíssimos que ligam fungos e plantas numa relação de troca vital.

As plantas entregam aos fungos parte do carbono que capturam pela fotossíntese. Em retorno, os fungos ajudam as plantas a obter nutrientes minerais, sobretudo fósforo e também azoto, alargando o alcance funcional das raízes no solo. Esta parceria sustenta florestas, prados, culturas agrícolas e muitos dos equilíbrios que fazem do solo um organismo vivo.

Os resultados apontam para uma dimensão difícil de imaginar. O estudo estima cerca de 110 quadriliões de quilómetros de hifas vivas. Se pudéssemos alinhar estes filamentos microscópicos, eles permitiriam percorrer a distância entre a Terra e o Sol mais de 700 milhões de vezes.

A imagem é quase cósmica, mas a sua importância é profundamente terrestre. Conhecer a densidade destas redes ajuda-nos a compreender melhor a fertilidade do solo, a saúde das plantas, a circulação de nutrientes, a resposta dos ecossistemas à seca e o caminho do carbono entre a atmosfera, as raízes e a vida subterrânea.

Esta nova cartografia pode transformar a forma como olhamos para a agricultura, para as florestas e para o restauro ecológico. Os fungos micorrízicos arbusculares ligam raiz e mineral, planta e paisagem, carbono atmosférico e solo vivo. Quanto mais coberto, diverso, poroso e rico em matéria orgânica for o solo, melhores serão as condições para que estas redes cumpram a sua função ecológica.

A sua importância climática nasce desta intimidade com as plantas. Parte do carbono retirado da atmosfera pela fotossíntese passa pelas raízes e entra nas redes fúngicas. O estudo estima que estas redes recebam das plantas cerca de mil milhões de toneladas métricas de carbono por ano, valor próximo de 4 mil milhões de toneladas de dióxido de carbono equivalente. A ciência continua a investigar quanto desse carbono permanece armazenado ao longo do tempo.

Preservar os fungos do solo significa cuidar da fertilidade construída lentamente pela vida subterrânea, da resiliência que nasce de solos cobertos, diversos e bem estruturados, e da comunidade microscópica que sustenta grande parte da vegetação terrestre. O futuro da agricultura e das florestas dependerá, cada vez mais, da atenção que dermos a estes organismos e às relações que eles tecem entre raízes, minerais, água e carbono.

Proteger estas redes é também proteger a vida que nasce acima delas. Quando cuidamos do solo, cuidamos da trama invisível que alimenta a paisagem.

Por Luís Alves

LADANIVA - Here's to you Ararat

Amor por Arménia, símbolo de resistência e de um país, povo e cultura que sofreu imenso e dele tenho imensa admiração!O vídeo é uma homenagem à montanha, um símbolo poderoso para o povo arménio. A letra (cantada em arménio) expressa um profundo amor e admiração pelo Ararat, chamando-lhe "Rei dos Arménios" e "alicerce das nossas almas".

Neste vídeo, destaco os melismas de Jaklin Baghdasaryan. São, aliás, a grande "assinatura" vocal dela e o que torna o som dos LADANIVA tão autêntico.

Aqui estão alguns pontos sobre a técnica dela:

• Ornamentação arménia: Jaklin utiliza muitos elementos do canto tradicional arménio e do Médio Oriente. Esses melismas não são apenas "enfeites"; eles carregam a carga emocional da música. Ela consegue passar por várias notas numa única sílaba com uma precisão cirúrgica.
• Agilidade e fluidez: o que impressiona na voz dela é a rapidez. Ela faz as transições entre notas (os chamados runs) de forma muito fluida, quase como se fosse um instrumento de sopro (como o duduk ou a flauta).
• Controlo de sopro: para fazer melismas tão longos e detalhados sem perder a afinação, é preciso um controlo de diafragma muito forte, algo que ela claramente refinou durante a sua formação académica no jazz e na música do mundo.
• Microtonalidade: em "Here's to you Ararat" nota-se que Jaklin  brinca com intervalos que nem sempre existem na escala ocidental padrão, o que dá aquele toque exótico e hipnotizante.

LADANIVA é um grupo franco-arménio sediado em Lille, França.O nome da banda, "Ladaniva", é uma referência ao famoso carro todo-o-terreno russo Lada Niva, que os pais de ambos os músicos possuíam.Jaklin Baghdasaryan: nasceu na Arménia (Yeghegnadzor) e cresceu na Bielorrússia antes de se mudar para França em 2014. Ela estudou no Conservatório de Lille, o que explica o seu excelente controlo técnicoLouis Thomas: o seu parceiro musical é francês.Louis Thomas toca guitarra [00:46].Os outros músicos são mostrados a tocar clarinete [00:27], um davul (tambor tradicional) [00:38] e um saz (instrumento de corda) [00:49].Eu sabia que o Monte Ararat é visível da Arménia, mas agora faz parte da Turquia, e imagino como o povo arménio se deve sentir ao ver a sua montanha histórica apenas de longe.

Mais um miradouro, neste caso, em frente à Cascata de Fisgas do Ermelo

A cascata das Fisgas de Ermelo, conhecida como uma das maiores de Portugal e da Europa, tem agora um novo miradouro. A inauguração oficial aconteceu na manhã deste domingo, 19 de abril, em Mondim de Basto, no distrito de Vila Real. O momento contou com a presença do Secretário de Estado do Turismo, Comércio e Serviços, Pedro Machado.

A queda de água tem um impressionante desnível de 400 metros e já contava com um miradouro natural. No entanto, a Câmara Municipal realizou recentemente uma construção para melhorar as condições de acesso, deixando-as mais seguras para os visitantes e atletas que percorrem a região.

Foram criados um acesso pedonal e um passadiço para permitir que os visitantes consigam aceder ao miradouro sem qualquer problema. A construção, segundo o autarca, já devia ter sido inaugurada, mas sofreu atrasos devido à falência da empresa responsável.

“Tivemos a infelicidade de a empresa que estava responsável pela construção da plataforma ter entrado em falência. Portanto, todo o procedimento para que a autarquia pudesse assegurar a concretização da obra foi moroso”, apontou, aqui citado pelo “Público”.

As obras também chegaram a ser criticadas por alguns residentes, que acreditam que a nova construção afeta a paisagem natural. No entanto, a autarquia acredita que vai atrair mais turistas para a região.

𝐏𝐞́𝐬𝐬𝐢𝐦𝐚 𝐧𝐨𝐭𝐢́𝐜𝐢𝐚!  Mais um postal para a "Disneylândia" da natureza - a tendência das autarquias para artificializar paisagens selvagens através da construção de passadiços e plataformas de metal e vidro. Este fenómeno transforma o contacto com o mundo natural numa experiência de consumo visual rápido, focada na partilha em redes sociais, em vez de promover uma ligação autêntica e educativa com o ecossistema. 

Paralelamente, o impacto na biodiversidade e na geologia é preocupante, uma vez que estas estruturas permanentes podem fragmentar habitats — afetando aves de rapina que nidificam nas escarpas — e descaracterizar a geologia local, sendo a perfuração de rochas milenares para fixar estacas vista como um atentado ao património.

O Parque Natural do Alvão, com as suas escarpas rochosas e vales profundos (como as Fisgas de Ermelo), é um habitat crucial para várias aves de rapina rupícolas. Espécies notáveis que nidificam nas escarpas incluem o Grifo (Gyps fulvus), o Bufo-real (Bubo bubo), a Águia-real (Aquila chrysaetos) e o Falcão-peregrino (Falco peregrinus).

A área também é frequentada por outras rapinas, como o Bútio-vespeiro e a Águia-cobreira, que, embora prefiram árvores, podem caçar nas áreas rochosas. 

A ZEC Marão-Alvão é uma zona fundamental para a conservação destas espécies em Portugal, beneficiando da orografia acidentada.[Consultar ICNF] 

Além disso, o lobo-ibérico marca presença no Parque Natural do Alvão, sendo um dos habitantes mais emblemáticos e importantes desta área protegida. Esta espécie, cientificamente designada como Canis lupus signatus, encontra no Alvão e nas serras vizinhas, como o Marão, um habitat fundamental para a sua sobrevivência a sul do rio Minho. Apesar de estar classificado como "Em Perigo" em Portugal, o lobo mantém alcateias na região. Porém no último Censo 2019-2021 [consultar ICNF] este núcleo populacional sofreu uma redução do número de alcateias detectadas, da ordem dos 50 %, não tendo sido detectada a presença de 7 das 13 das alcateias registadas no anterior censo. 

Esta facilitação do acesso acaba por gerar problemas graves de capacidade de carga e massificação, atraindo milhares de pessoas para zonas antes preservadas pelo seu isolamento, o que resulta em acumulação de lixo, pressão sobre os recursos hídricos e perturbação do sossego da vida selvagem. Estes projetos raramente incluem planos de gestão a longo prazo para mitigar o impacto humano. O investimento deveria priorizar a vigilância e a conservação, através da contratação de mais vigilantes da natureza, em vez de se concentrar exclusivamente em infraestruturas turísticas.  

 

Muitas destas obras ignoram o que acontece "antes" e "depois" do miradouro:

1. Estacionamentos - para levar pessoas ao novo miradouro, é preciso alargar estradas e criar parques de estacionamento, o que impermeabiliza o solo.

2. Espécies Invasoras: o movimento constante de carros e pessoas facilita o transporte de sementes de espécies invasoras nas solas dos sapatos e nos pneus, que acabam por colonizar o Parque Natural e expulsar a flora nativa.

Portugal tem um histórico de construir passadiços e miradouros magníficos que, cinco anos depois, estão degradados, tornando-se perigosos e visualmente ainda mais chocantes na paisagem.

Feliz Páscoa

Josh Clare é um prestigiado pintor contemporâneo norte-americano, nascido em 1982 no estado do Utah. Criado no seio das paisagens imponentes das Montanhas Rochosas, consolidou a sua base técnica na Brigham Young University-Idaho, onde se licenciou em 2007 em Belas Artes (BFA) com especialização em Ilustração. Foi durante o seu percurso académico que descobriu uma ligação profunda com a pintura de paisagem, sob a mentoria de professores que o incentivaram a observar a natureza de forma direta e rigorosa.

O seu estilo artístico fundamenta-se no impressionismo clássico e na tradição do realismo americano, com um foco quase devocional na prática en plein air (pintura ao ar livre). O trabalho de Clare é reconhecido pela habilidade magistral em captar os efeitos efémeros da luz natural, utilizando pinceladas confiantes e uma paleta de cores harmoniosa para traduzir a atmosfera de cenários rurais e montanhosos. Para o artista, a pintura transcende a mera representação visual; trata-se de uma busca por captar a essência e a "verdade" da criação, transformando elementos simples do quotidiano campestre em composições repletas de poesia e profundidade emocional. Atualmente, é considerado uma das figuras mais influentes do movimento de pintura de paisagem nos Estados Unidos, acumulando prémios de prestígio e expondo em importantes galerias nacionais.

Da Mitologia à Tradição: A Origem Pagã do Coelho e do Ovo da Páscoa

A génese desta tradição recua aos cultos pré-cristãos do Norte da Europa, onde a chegada da primavera era celebrada sob o signo da deusa Eostre, ou Ostara, a divindade teutónica da aurora e do renascimento. Para os povos antigos, a transição do inverno para o florescimento da terra exigia símbolos que traduzissem visualmente a ideia de fertilidade e vida latente. Surge aqui a lebre — a antecessora do nosso coelho doméstico — que, pela sua extraordinária capacidade reprodutiva e pelo facto de ser um dos primeiros animais a reaparecer nos campos após o degelo, se tornou o emblema vivo da abundância da deusa.

A ligação específica entre a lebre e o ovo encontra a sua raiz numa narrativa mitológica persistente, segundo a qual Eostre teria transformado um pássaro ferido num animal terrestre para o salvar do frio. Apesar da metamorfose, a criatura conservou a faculdade de pôr ovos, que decorava com cores vibrantes e oferecia à divindade em sinal de gratidão. Este mito serviu para explicar a união de dois símbolos de regeneração: enquanto o ovo representa o microcosmo e o mistério da vida protegida por uma casca que parece inerte, o coelho personifica a força ativa e a rapidez com que essa mesma vida se propaga na superfície da terra. Com a expansão do cristianismo, estas práticas não foram eliminadas, mas sim integradas através de um processo de inculturação, onde o renascimento da natureza foi reinterpretado como a ressurreição de Cristo.

A partir do século XVI, na Alemanha, esta herança consolidou-se na figura do "Osterhase", a lebre da Páscoa que avaliava o comportamento das crianças e escondia ovos decorados nos jardins. A prática foi reforçada pela proibição do consumo de ovos durante a Quaresma; como as galinhas não interrompiam a postura, os ovos eram cozidos e guardados, sendo depois oferecidos e consumidos com festividade no Domingo de Páscoa. Foi apenas no século XIX que a indústria de confeitaria, aproveitando a iconografia já profundamente enraizada no imaginário popular, começou a produzir estes símbolos em chocolate, transformando um antigo rito agrário no fenómeno global que conhecemos hoje.

Para fundamentar esta investigação, podem consultar-se obras como "Deutsche Mythologie" de Jacob Grimm (1835) , que explora as ligações linguísticas e rituais de Ostara, ou o clássico "An Egg at Easter: A Folklore Study" de Venetia Newall (1971) , que detalha a simbologia do ovo através das eras. Outras fontes essenciais incluem "The Stations of the Sun" de Ronald Hutton (1996) , sobre a evolução do calendário ritual britânico, "The Easter Hare" de Charles J. Billson , publicado na revista Folklore (1882), e o texto medieval "De Temporum Ratione" de Beda, o Venerável (775), que constitui o primeiro registo histórico da deusa que deu nome à celebração.  

Quem desejar fazer uma investigação mais profunda, sugerem-se as seguintes referências:

1. Gimbutas, Marija (1982). The Goddesses and Gods of Old Europe. (essencial para compreender os símbolos de fertilidade, como o ovo, na pré-história e na antiguidade).
2. Hutchinson, Sharon Elswit (2012). The East Easter Egg: A History of Symbols. (explora a transição dos ovos naturais para os ovos artísticos e a sua simbologia religiosa).
3. Sermon, Richard (2008). From Easter to Ostara: the Reinvention of a Pagan Goddess?. In: Time and Mind. (uma análise crítica e moderna sobre como a figura de Ostara foi interpretada pelos estudiosos do século XIX, como os Irmãos Grimm).

Beata Belanszky-Demkó

O Brilho, 2023

Beata Belanszky-Demkó é uma artista plástica contemporânea de nacionalidade húngara, cuja trajetória de vida e formação académica refletem uma profunda dedicação às artes visuais. Nascida em 1976 na cidade de Satu Mare, na Roménia, no seio da comunidade húngara da Transilvânia, mudou-se para a Hungria em 1990. Foi neste país que consolidou o seu percurso escolar e artístico, tendo frequentado a Escola Secundária de Artes Visuais e Aplicadas de Budapeste, uma instituição de referência onde aprofundou as bases do desenho e da composição.

A sua formação académica prosseguiu a nível superior na Universidade de Óbuda, em Budapeste, onde se licenciou em Design Industrial. Esta base técnica e estruturada confere à sua obra uma compreensão singular da forma e do espaço, que mais tarde fundiu com a liberdade da pintura. Embora tenha formação em design, Beata optou por dedicar-se inteiramente às belas-artes, desenvolvendo um estilo que oscila entre o impressionismo moderno e a abstração lírica.

Atualmente a residir em Sóskut, a artista utiliza predominantemente a técnica da espátula e tintas a óleo para criar paisagens e figuras humanas que primam pela harmonia cromática e pela exploração da luz. O seu currículo inclui inúmeras exposições individuais e coletivas, sendo membro ativo de diversas associações de artistas, o que reforça o seu papel no panorama artístico húngaro contemporâneo.

The Common Root, The Open Field

The sun is a golden carpenter, planed and raw,Not a thought of God, just the heat upon the stone.I see with eyes that have forgotten how to name,Stripping the silk from the corn, the myth from the bone.I am the keeper of flocks that are only the passing wind,Content to let the river be water, and the air be thinned.
And so the valley breathes a deep, fern-scented sigh,Where ancient hemlocks haunt the mist-drenched floor.There is a poetry in the granite’s edge, the eagle’s cry,The rhythmic pulse of the river’s wild and hidden roar.I see the silver birch’s bark, a lily in the gloom,And the vast, tangled geometry of the mountain’s room.
Yet, look closer—there is a circuit made of sun, Where silent cells weave the carbon from the air. The plant is not a thing, but a process, a runA thinking heart that finds the cosmic everywhere.The earth is a living being, dreaming in the dark,Waiting for the human soul to strike the inner spark.
I walk the lanes where a poet lost his mind to find his soul,Naming every nested bird and the trembling of the rye.The fences steal the common, but they cannot take the wholeOf the vast, unlettered music of the open summer sky.The badger in the brake, the lady-smock in the dew—Simple things are the only things that are ever truly true.
And when the world begins to fray, when the shadows grow too long,A steady hand reaches out and leads me through the grief.To love the world is to mourn it, a fierce and ancient song,Finding the "Great Turning" in the falling of a leaf.We are the web itself, the pulse of the ancient deep,Awakening from the long, industrial, lonely sleep.
Finally, there is the white silence of a master’s hand,Where the word is a body, bare and salt-washed by the sea.A solar clarity that understands the shifting sand,And the brief, bright miracle of what it means to be.Just the earth. Just the light. Just this breath we share—The common root of everything, blossoming in the air.

Encontros Improváveis: Thomas Nashe e Vanessa Bowman

✍ "Spring, the sweet spring, is the year’s pleasant king,
Then blooms each thing, then maids dance in a ring,
Cold doth not sting, the pretty birds do sing:
Cuckoo, jug-jug, pu-we, to-witta-woo!..."

Thomas Nashe (1567 - 1601), Spring, the sweet spring

🎨 Vanessa Bowman é uma artista Britânica contemporânea de estilo naif que nasceu em 1970

Olga Sacharoff

                        "Mulher apoiada na mesa" (1915)

Olga Sacharoff (1889–1967) foi uma figura singular na cena artística do século XX, servindo como uma ponte cultural entre a vanguarda russa e o espírito boémio de Paris e Barcelona.

Biografia Resumida

Nascida em Tbilisi (Geórgia), então parte do Império Russo, Olga estudou Belas-Artes em Tbilisi antes de se mudar para Munique em 1910, onde absorveu o expressionismo alemão. Em 1911, fixou-se em Paris, tornando-se parte ativa da "Escola de Paris" em Montparnasse.

Com o eclodir da Primeira Guerra Mundial, refugiou-se em Barcelona com o marido, o pintor Otho Lloyd. Embora tenha retornado a Paris nos anos 20, a Guerra Civil Espanhola e a Segunda Guerra Mundial levaram-na a estabelecer-se definitivamente na Catalunha, onde se tornou uma figura central nos círculos intelectuais até à sua morte.

Estilos e Evolução

A obra de Sacharoff é marcada por uma transição fluída entre correntes, mantendo sempre uma identidade muito pessoal:

1. Cubismo e Futurismo (Fase Inicial): Nos seus primeiros anos em Paris, experimentou a fragmentação geométrica, mas de uma forma mais suave e decorativa do que os seus contemporâneos.
2. Realismo Mágico e Naïf: É frequentemente associada a um estilo "ingénuo" (naïf) sofisticado, com influências do mestre Henri Rousseau, mas com uma execução técnica muito mais refinada.
3. Noucentisme: Em Espanha, a sua obra integrou-se no movimento catalão que privilegiava a ordem, a clareza e um retorno ao classicismo mediterrânico, mas sempre com um toque de fantasia.

Temas Centrais

O universo de Sacharoff é íntimo, poético e, por vezes, ligeiramente irónico:

1. O Mundo Feminino: Retratos de mulheres, cenas domésticas e de lazer.
2. Natureza e Animais: Pássaros, cavalos e cães são presenças constantes, muitas vezes coexistindo com figuras humanas em cenários idílicos.
3. Naturezas-Mortas e Flores: Composições vibrantes que revelam o seu domínio da cor.
4. Retratos de Grupo: Ficou famosa pelas suas cenas de "garden parties" e reuniões sociais, que capturavam a atmosfera da alta burguesia e da boémia intelectual.

Técnica e Estética

A técnica de Olga Sacharoff destaca-se pela delicadeza e pela atenção ao detalhe:

1. Paleta de Cores: Evoluiu de tons frios e cinzentos (fase cubista) para uma explosão de cores pastéis, verdes suaves e rosas vibrantes na maturidade.
2. Traço: Linhas finas e precisas que definem contornos claros, conferindo às suas figuras uma aparência quase de porcelana.
3. Textura: Utilizava frequentemente o óleo e a aquarela, conseguindo transparências que davam leveza e uma aura onírica às suas telas.

Curiosidade: Olga era conhecida como a "pintora dos gatos", devido à sua enorme afeição por estes animais, que frequentemente apareciam como protagonistas ou observadores silenciosos nas suas pinturas.

Bogdan Kuziv - "Manhã Quente", 2019

Bogdan Kuziv (pintor Ucraniano, nascido em 1965)

 

Estilo: 

A sua obra é frequentemente classificada como realismo crítico, embora apresente fortes influências do impressionismo, especialmente em sua abordagem da luz e na execução de pinturas ao ar livre (en plein air).

Temas:

1. Paisagens: especialmente as montanhas Cárpatos e a natureza da Ucrânia.
2. Marinas: pinturas que exploram o mar e temas costeiros.
3. Natureza-morta: composições detalhadas de flores e objetos.
4. Arquitetura e cenas urbanas: registos de cidades como Roma e Atenas.

Técnica: 

Trabalha predominantemente com pintura a óleo sobre tela e aquarela sobre papel. É conhecido pelo uso de cores vibrantes e texturas ricas que buscam capturar a "alma" da paisagem.

Formação e Carreira

Formação Académica: Graduou-se em 1994 na Faculdade de Artes e Gráficos da Universidade Nacional Vasyl Stefanyk.

Experiência Internacional: Trabalhou na Polónia (1995–1999) e viveu em Roma, Itália (2001), onde aprimorou seus estudos artísticos.

Ingela Alvmyren

Ingela Alvmyren (aquarelista Sueca, nascida em 1972)

Estilo e Temas

Realismo poético. Ingela procura capturar sensações, luz, atmosfera e a sensação da natureza, mais do que apenas retratar fielmente o motivo.

Os seus temas favoritos incluem natureza, paisagens, florestas e especialmente pássaros –  Ingela pinta muitas vezes cenas do ambiente natural que a rodeia.

Técnica 

A principal técnica que utiliza é aquarela, explorando as suas possibilidades de luz e textura. 

Forte ênfase em luz, movimento, transparência e sensação, mais do que em detalhe anatómico rigoroso.

Uso expressivo da aquarela, deixando a água, as manchas e os vazios participarem da imagem.

Ibolya Taligas

Ibolya Taligas (aquarelista Húngara, nascida em 1974)

Vive há mais de 30 anos, em Londres. 

Estilo pictórico

Trabalha sobretudo numa linguagem figurativa, com forte componente realista, especialmente em paisagens, vistas urbanas e naturezas-mortas.

​

A paleta é geralmente luminosa, com uso expressivo da cor e valorização de atmosferas naturais e ambientes mediterrânicos/atlânticos (praias, cidades históricas, castelos).

​

Temas recorrentes

1. Paisagens costeiras e praias, como em “Fuerteventura Beach”.

​2. Cidades históricas e arquitetura tradicional, como Gjirokastra (Albânia) e o respetivo castelo.

​3. Naturezas-mortas simples, como composições com frutos (“Three Pears on the table”).

4. Retratos femininos ou de infância 

​

Técnica e materiais

As obras são apresentadas como pinturas de cavalete em suporte tradicional (tela ou painel), usando sobretudo técnicas de pintura a óleo ou acrílico, típicas da produção figurativa contemporânea; 

​

A técnica enfatiza desenho definido, volumes bem modelados e camadas de cor relativamente limpas, mais próximas de um realismo lírico do que de abordagens abstractas.

Lynn Boggess

Lynn Boggess (pintor dos EUA, nascido em 1955)

Estilo artístico

Boggess é reconhecido por um estilo único de pintura de paisagem que funde elementos de:

• Realismo — cenas naturais convincentes e reconhecíveis.

• Impressionismo e Expressionismo abstrato — na forma como a luz e a textura são expressas.

• Naturalismo intensificado — natureza representada sem presença humana, mas intensa e vibrante. 

Esse estilo às vezes é descrito como “Tactile Realism” — realismo tátil, onde a textura da tinta cria uma ligação sensorial entre pintura e espectador. 

Temas principais

Paisagem natural — florestas, colinas, leitos de rios, rochas, cenas campestres e ambientes não urbanos. 

Natureza selvagem e pura, sem vestígios perceptíveis de presença humana. 

Interessa-se particularmente por lugares com luta natural — árvores quebradas, destroços de terreno e aspectos que sugerem a força e o drama da natureza. 

Técnica

Trabalha principalmente com pintura a óleo. 

Pinta em plein air (ao ar livre), diretamente na paisagem que está retratando. 

Usa espátulas e, sobretudo, uma colher/trowel de cimento em vez de pincéis tradicionais, criando camadas muito espessas e texturizadas de tinta (impasto). 

A aplicação da tinta é intensa e física — muitas vezes misturada directamente na tela — contribuindo para sensações de profundidade táctil e presença no espaço da pintura. 

O resultado é uma obra que, de longe, pode parecer quase fotográfica, mas de perto revela uma superfície vigorosa e abstracta.

Javier Zorrilla Salcedo

Javier Zorrilla Salcedo (aquarelista Espanhol, nascido em 1962)

Estilo artístico

Insere-se numa linha de aquarela moderna, gestual e luminosa, onde a técnica serve a expressão e não o rigor académico.

Temas da sua obra

Destaca-se pela paisagem e pela representação da figura humana, seja em movimento ou integradas em cenários naturais.

Técnica e abordagem

A sua abordagem à aquarela é descrita como intensa e improvisada, com pinceladas que parecem inicialmente soltas mas que se consolidam em cenas completas — quase como uma “dança” do pincel no papel.

Zorrilla aplica a aquarela como técnica autónoma, utilizando o branco do papel, transparências, veladuras e equilíbrio tonal para construir composições vibrantes e plenas de luz.

Não segue o uso tradicional de negro ou branco na paleta, preferindo misturas tonais cuidadas.

Javier Zorrilla Salcedo participou em mais de 100 exposições colectivas e foi seleccionado em inúmeros concursos nacionais e internacionais. Representou a Agrupación Española de Acuarelistas em várias bienais de aquarela no mundo (ex.: México, Colômbia, Itália, França, Canadá, Finlândia, Noruega, Coreia).

Eugenia Gorbacheva

Eugenia Gorbacheva (aquarelista Russa, nascida em 1985)

Estilo artístico

Predominantemente impressionista e figurativo, capturando luz, cor, atmosfera e sensação natural em seus trabalhos. 

A aquarela, como meio, destaca-se por sua transparência, fluidez e pelo trabalho com pigmentos solúveis em água — um meio que exige domínio cuidadoso do artista. 

Temas e assuntos

Os seus temas variam bastante, mas paisagens naturais, flores e elementos da natureza, cenas arquitetónicas e marinhas são recorrentes, muitas vezes evocando luz e atmosfera específicas (ex.: montanhas, flores, vilas e cenários costeiros). 

Técnica

Trabalha com aquarela tradicional sobre papel de alta qualidade (como Arches ou papel similar), concentrando-se no controle cuidadoso da água, pigmento e luz. 

A sua técnica envolve capturar transparências, nuances e fluidez típicas da aquarela, explorando o meio para expressar sensação, movimento e profundidade.

Daisy Sims Hilditch

Daisy Sims Hilditch (pintora Britânica, nascida em 1991)

Estilo:

Realismo figurativo contemporâneo com forte influência clássica.

Treinou em portraiture “sight-size” no Charles H. Cecil Studios em Florença, Itália — uma formação clássica que enfatiza pintar directamente a partir do modelo.

Temas principais na sua obra:

Daisy é conhecida por dois grandes temas na sua pintura:

1. Retratos figurativos pintados a partir da observação directa do modelo (“from life”), capturando personalidade e expressão. 

2.  Paisagens, muitas vezes trabalhadas ao ar livre (“en plein air”), retratando cenas naturais e urbanas sob diferentes condições de luz - incluindo paisagens alpinas, canais venezianos e cenas costeiras.

Técnica e abordagem

Media preferido: Óleo, tanto em painéis quanto em telas/boards. 

Daisy desenvolveu uma técnica que equilibra pinceladas marcadas e expressivas com sensibilidade à luz e atmosfera, inspirando-se em pintores clássicos como Velázquez e John Singer Sargent.

Yuri Pysar

"Lacy morning", 2015

Yuri Pysar (pintor Ucraniano, nascido em 1985)

Estilo artístico: 

Yuri Pysar desenvolveu um estilo pessoal que combina elementos de pintura figurativa e abstracta, com forte foco no movimento e na cor.

Muitas das suas obras — especialmente da série “Ballet” — tendem à abstração e expressão emocional através da cor e da forma. 

Em vários trabalhos, utiliza traços que lembram Expressionismo abstrato e pós-impressionismo. 

Temas principais

Pysar explora sobretudo:

1. A forma humana e o movimento

Através de séries sobre bailarinas e dança, ele investiga a estética e a expressividade do corpo em movimento e o “universo interior” do ser humano. 

2. O interior emocional do indivíduo

As suas obras frequentemente buscam transmitir estados interiores e sensações em vez de descrever apenas uma realidade exterior.

3. Natureza, paisagens e flores

Pysar pinta paisagens e naturezas-mortas, muitas vezes como estudos de cor e composição que influenciam as suas séries figurativas.

Técnica:

Usa principalmente óleo sobre tela, explorando camadas de cor para criar profundidade, vibração e harmonia visual. 

Também trabalha com acrílico em algumas peças, sobretudo em trabalhos mais abstratos.

A sua técnica valoriza cor pura, ritmo visual e nuances de tom como meio de expressão concreta do sentimento e da forma.

Roman Konstantinov

Roman Konstantinov (pintor Ucraniano, nascido em 1982)

Estilo e temas:

O seu trabalho é tipicamente figurativo e contemporâneo, incluindo temas como natureza, paisagens, cenas arquitetónicas e objectos quotidianos — muitas vezes com uma abordagem realista ou ligeiramente impressionista na pincelada e composição. 

Técnicas:

Trabalha sobretudo com pintura a óleo sobre tela, técnica na qual cria obras com uso rico de cor, luz e textura.

France Jodoin

France Jodoin (pintora Canadiana, nascida em 1961)

Estilo:

É uma artista contemporânea cujas obras se situam entre o impressionismo e o romanticismo europeu moderno.

A sua pintura tem um caráter etéreo e sugestivo, equilibrando representação e abstração, com cenas que parecem vista através de névoa ou luz difusa. 

Os temas muitas vezes evocam marinas, paisagens, cityscapes, flores, figuras e animais, sempre com uma sensação de tempo efémero e uma atmosfera poética. 

Técnica:

Trabalha principalmente com óleo sobre linho, aplicando a tinta de forma gestual e intuitiva, construindo e reconstruindo a imagem com pinceladas fluídas.

Também faz desenhos e gravuras, incluindo técnicas de aquitinta e sugar lift em gravura. 

O seu processo de pintura é instintivo e não preconcebido, permitindo que a obra se desenvolva organicamente no suporte. 

As suas composições convidam o espectador a construir narrativas pessoais, em vez de retratar lugares ou pessoas específicos.

School of Seven Bells - I Got Knocked Down (But I'll Get Up)

Richard Thorn

Richard Thorn (pintor/aquarelista Britânico, nascido em 1952)

Richard Thorn é um artista fundamentalmente pintor em aquarela, embora também trabalhe com acrílica, gouache e tintas aquosas, explorando a luz, a textura e a sensação de espaço nas suas composições. 

Técnica

A técnica de Richard Thorn caracteriza-se por:

1. Aquarela como meio principal, usando também gouache, acrílico diluído e técnicas mistas.
2. Lavagens amplas e transparentes, aplicadas em camadas, para construir atmosfera e profundidade.
3. Uso frequente de pincel seco, raspagem e remoção de tinta para criar texturas naturais (vegetação, rocha, nuvens).
4. Controlo da luz como elemento central: muitas obras são estruturadas a partir de contrastes subtis entre luz e sombra.
5. Composição simplificada, evitando excesso de detalhe e focando-se na sensação do lugar, mais do que na descrição literal.
6. Trabalho cuidadoso com valores tonais, frequentemente partindo de tons neutros e deixando a cor surgir de forma contida.

Em síntese, a técnica de Thorn privilegia a expressividade da aquarela, a economia de meios e a criação de paisagens atmosféricas e evocativas, próximas de uma abordagem impressionista contemporânea.

Estilo

A sua obra é frequentemente descrita como paisagística e inspirada pela natureza, captando as atmosferas do campo, da costa e da paisagem rural — especialmente no sudoeste da Inglaterra. 

Thorn busca retratar não apenas a imagem visual mas a “alma da cena” que pinta, com grande interesse pelo jogo de luz e a sensação de distância. 

Tem influências de impressionistas franceses e mestres ingleses da aquarela, como William Turner e John Cotman, bem como artistas americanos como Andrew Wyeth e Winslow Homer, que se refletem na sua sensibilidade à cor e atmosfera. 

Reconhecimento:

Robert foi premiado duas vezes com o Best Watercolour nas exposições abertas do Royal Institute of Painters in Water Colours — uma organização de prestígio para aquarelistas — e tem sido exposto internacionalmente (Inglaterra, Europa, EUA e China).