Patrick Watson - Dream For Dreaming

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LetraThis dream I'm dreamingWon't you wake me up tonight'Cause this life I'm livingDoesn't really feel like mineThis strange dream I'm dreamingIf it ain't wrong it don't feel rightNever thought you were leavingI never thought I'd have to start again
Somebody wake me upDon't you wish we were dreamingDon't you wish that we were just dreaming
I never thought the stars would look new againThought we'd get old, get dressed, and walk the dogsNever really thought I'd have to be aloneI never thought you'd ever really be goneBut I still sing alongTo yesterday's song
I got lost in the tall green grassOh I'm so lost in the tall green grassGot on the phone and called a friendAsked him where the hell I am?
Somebody wake me upDon't you wish we were dreamingDon't you wish that we were just dreamingDon't you wish that we were just dreaming
"Dream For Dreaming" foi escrita durante um período de intensas perdas pessoais na vida de Patrick Watson: a sua mãe havia falecido, o seu casamento de anos tinha chegado ao fim e o baterista original da banda havia saído.
O significado central da música é a sensação de estranhamento e desconexão com a própria realidade após um grande trauma ou mudança drástica. O próprio Patrick Watson descreveu o sentimento da canção da seguinte forma:
"É sobre quando voltas a casa e a tua casa já não se parece com aquela que deixaste. É a sensação estranha de estares tão longe do que tinhas planeado para a tua vida que a tua própria pele já não te serve. Ficas num estado de descrença, com um sorriso estranho, a perguntar-te: 'o que é que eu faço agora?'"
Na letra, o eu lírico pede para ser acordado ("Won't you wake me up tonight?"), porque a vida real que ele está a viver parece tão bizarra e dolorosa que mais se assemelha a um pesadelo ou a um "sonho estranho" ("this life I'm living doesn't really feel like mine"). É uma reflexão dolorosa, mas profundamente honesta, sobre perder o chão e ter de reaprender a viver numa nova realidade.

Tempers - Strange Harvest

Letra[Verse 1]Night passing through windows
Turning them on
Turning them off

[Pre-Chorus]
Sometimes all I've got is other people's windows
Sometimes all I've got is other people's windows
Seeing through me

[Chorus]
Let them find you when you know you're lost
You've been kneeling in a false dawn
Let them take you 'coz you don't belong
In these waves
In these waves

[Verse 2]
Time will come to life again
My strange harvest
Will taste sweet again

[Pre-Chorus]
Something I can't touch is reaching out for me
Something I can't touch is reaching out for mе
Seeing through me

[Chorus] 3X
Let them find you when you know you're lost
You've been kneeling in a false dawn
Let them take you 'coz you don't belong
In these waves
In these waves

A música 'Strange Harvest' da banda Tempers explora temas de alienação, perda e a busca por um sentido no meio do caos. A letra começa com a imagem de 'noite passando pelas janelas', sugerindo uma sensação de observação passiva e desconexão. A repetição da frase 'às vezes tudo o que tenho são as janelas dos outros' reforça a ideia de viver indiretamente, através das experiências alheias, sem uma conexão genuína com a própria realidade. Essa metáfora das janelas pode simbolizar a superficialidade das interações modernas, onde as redes sociais e a tecnologia muitas vezes nos fazem sentir como espectadores da vida dos outros.
O refrão 'deixe que te encontrem quando você sabe que está perdido' sugere uma rendição à vulnerabilidade e à aceitação de ajuda. A expressão 'ajoelhado em uma falsa aurora' indica uma esperança ilusória, uma busca por algo que não é real ou sustentável. A música fala sobre a sensação de não pertencer, de estar fora de sintonia com o ambiente ao redor, representado pelas 'ondas'. Essas ondas podem simbolizar as pressões sociais e emocionais que nos rodeiam, tornando difícil encontrar um lugar de pertença.
A ideia de 'colheita estranha' que 'terá um gosto doce novamente' sugere uma transformação pessoal. Apesar das dificuldades e da sensação de alienação, há uma promessa de renovação e de encontrar algo valioso em meio ao caos. A linha 'algo que não posso tocar está me alcançando' pode ser interpretada como uma força invisível ou espiritual que oferece esperança e redenção. A música, com sua atmosfera sombria e introspectiva, convida o ouvinte a refletir sobre suas próprias experiências de perda e redescoberta, e a encontrar beleza e significado mesmo nas situações mais desafiadoras.

The Smashing Pumpkins - There It Goes

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Letrathere It GoesSomething's wrong, I can see it in your eyesYou're not the same, it's no surpriseAnd I don't know what I'm supposed to doWhen everything I have is because of you
[Chorus]And there it goes, it's slipping awayAnd there it goes, another dayAnd there it goes, it's out of my handsAnd there it goes, I don't understand
I try to speak, but the words don't come out rightI'm losing sleep, I'm losing the fightAnd I don't know where we went wrongBut I've been waiting for so long
[Chorus]
Maybe I'm wrong, maybe I'm rightMaybe I'll see you in the lightBut for now, I'll just close my eyesAnd say goodbye to all the lies
[Chorus]

O significado de "There It Goes" reside na melancolia da impotência e na aceitação dolorosa do fim. A letra descreve o momento exato em que percebemos que algo valioso - seja um amor de juventude ou uma etapa da vida — está a escapar por entre os dedos, e não há absolutamente nada que possamos fazer para o impedir. É uma canção sobre o inevitável.

Billy Corgan explora a frustração da falta de comunicação, onde as palavras falham precisamente quando são mais necessárias, criando um abismo entre duas pessoas que antes eram próximas. O refrão, com a repetição da frase "it's out of my hands" (está fora das minhas mãos), reforça este sentimento de perda de controlo e a resignação de assistir ao tempo a passar enquanto as promessas se desmoronam. No desfecho, a música sugere que, embora o adeus seja difícil, ele traz a libertação de todas as ilusões e mentiras que sustentavam aquela situação. É o retrato de um jovem compositor ainda despido de metáforas complexas, a lidar com a vulnerabilidade crua de ver o seu mundo mudar sem o seu consentimento.

There It Goes (demo 88)

The Smashing Pumpkins - There It Goes (2012)

Encontros Improváveis: Véronique du Boisrouvray e Albert Camus

Véronique du Boisrouvray - La Médaille (2018)

Quando vi este quadro à minha frente, pensei logo em Albert Camus: "Todo o acto de rebeldia expressa uma nostalgia pela inocência e um apelo à essência do ser." 

A Condessa Véronique du Boisrouvray nasceu em Paris, em 1951.

É uma artista autodidata de pastel e retrato

Contexto: Oriunda de uma linhagem aristocrática, a sua vida é marcada pela discrição e pela dedicação total ao aperfeiçoamento da sua arte, sendo membro de honra de prestigiadas sociedades de pastellistas.

Estilo e Técnica

A obra de Boisrouvray é frequentemente descrita como Realismo Poético ou Hiper-realismo Suave.

A Técnica do Pastel: ela utiliza o pastel seco com uma precisão cirúrgica. Ao contrário de muitos artistas que procuram um efeito "esfumado" ou impressionista, Véronique trabalha as camadas para obter uma densidade de cor e uma textura que, à primeira vista, muitos confundem com pintura a óleo.

Luz e Sombra: A sua técnica foca-se no chiaroscuro (claro-escuro), onde a luz parece emanar de dentro dos objetos, conferindo-lhes uma qualidade quase sagrada ou eterna.

Precisão: Existe um rigor técnico extremo na representação das texturas — seja a transparência de um vidro, a suavidade de uma pétala ou a rugosidade de uma fruta.

Tema Principal

A artista foca-se no retrato.

Como explora o retrato?

A artista não se limita a reproduzir uma face; ela utiliza o pastel seco para construir uma presença física e psicológica:

A Técnica da Camada: ela sobrepõe inúmeras camadas de pigmento puro para criar a "carne" do rosto. Isso permite-lhe obter tonalidades de pele extremamente realistas, onde a luz parece estar sob a epiderme, e não apenas refletida nela.

O foco no detalhe tátil: Véronique dá a mesma importância à textura de um tecido (como a blusa em "La Médaille") ou ao brilho de um fio de cabelo do que aos traços fisionómicos. Isso cria uma sensação de proximidade quase íntima com o modelo.

Iluminação de Estúdio Clássica: ela utiliza frequentemente fundos neutros e escuros (estilo tenebrismo), o que isola o sujeito e força o observador a concentrar-se na expressão e na interioridade da pessoa retratada.

Qual é a mensagem?

A mensagem central da sua obra foca-se na dignidade do silêncio e na beleza da introspeção:

A pausa no Tempo: num mundo saturado de imagens rápidas e digitais, os seus retratos convidam à lentidão. A mensagem é que existe uma beleza profunda nos momentos comuns e silenciosos.

A humanidade singular: ao pintar modelos contemporâneos com uma técnica que remete aos grandes mestres do passado, ela transmite a ideia de que a dignidade humana é intemporal.

A Espiritualidade no quotidiano: Através do uso magistral da luz, a artista eleva o modelo a algo quase sagrado. A "mensagem" não é política ou social, mas sim estética e contemplativa: um apelo para reconhecer a poesia na luz que incide sobre um rosto ou um objeto.

Prémios e Exposições

Apesar de não ter um currículo académico padrão, a sua qualidade técnica é tão elevada que é reconhecida por instituições de elite. É membro da Sociedade Francesa de Pastel, da Sociedade Francesa de Arte em Pastel e membro efetivo da Sociedade de Pastel da América. Expõe em mostras internacionais, nomeadamente no Festival Internacional de Pastel de Feytiat, e alcançou o estatuto de "Master Circle" na IAPS em 2023.

"A minha busca é a da harmonia e da luz. O pastel permite-me tocar a matéria de uma forma que nenhum outro meio consegue."

Por que a sua obra é relevante?

Num mundo artístico muitas vezes focado no abstrato ou no digital, Véronique du Boisrouvray mantém viva a tradição da observação meticulosa. Ela prova que o pastel, muitas vezes visto como um meio secundário ou de esboço, é capaz de uma profundidade e durabilidade monumentais.

Twenty One Pilots - Paladin Strait

Paladin StraitTwenty One Pilots
I can't be aloneGuess I never told you soMakin' my way towards youTracin' out a lineA route I've mapped a thousand timesMakin' my way towards you
I would swim the Paladin StraitWithout any floatationJust a glimpse of visual aidOf you on the other shorelineWaitin', expectations that I'm gonna make itMm-hm, hm-hm-hm
Standing on the shoreStaring down a hurtling stormMakin' it's way toward meWater rips with rageEndless row of angry wavesMakin' it's way towards me
I would swim the Paladin StraitWithout any floatationJust a glimpse of visual aidOf you on the other shorelineWaitin', expectations that I'm gonna make itMm-hm, hm-hm-hm
Here's my chance, time to take itCan't be sure that I'll make itEven though I'm past the point of no returnI'm all in, I'm surroundedPut my money where my mouth isEven though I'm past the point of no returnHere's my chance, time to take itCan't be sure that I'll make itEven though I'm past the point of no returnI'm all in, I'm surroundedPut my money where my mouth isEven though I'm past the point of no return
I would swim the Paladin StraitWithout any floatationJust a glimpse of visual aidOf you on the other shorelineWaitin', expectations that I'm gonna make itMm-hm, hm-hm-hm
On the ground are banditosFighting while I find NicoEven though I'm past the point of no returnClimb the top of the towerShow yourself!, I yell louderEven though I'm past the point of no ret—
So few, so proud, so emotionalHello, Clancy
Biografia e DiscografiaPágina OficialTwenty One Pilots

"Paladin Strait" é a décima terceira e última faixa do álbum Clancy, lançado pelos Twenty One Pilots no Spotify em 2024.
"Paladin Strait" de Twenty One Pilots explora a travessia de um estreito como metáfora para batalhas internas e desafios externos, conectando a jornada de Clancy à luta contra os Bispos de Dema. O trecho “I would swim the Paladin Strait / Without any floatation / Just a glimpse of visual aid / Of you on the other shoreline” (Eu nadaria pelo Estreito Paladin / Sem qualquer flutuação / Apenas um vislumbre de ajuda visual / De você na outra margem) mostra a disposição do protagonista em enfrentar grandes dificuldades, motivado pela esperança de reencontrar alguém importante, mesmo sem garantias de sucesso. Esse momento reforça o tema da coragem diante do desconhecido, alinhando-se à narrativa do álbum, em que Clancy precisa superar obstáculos internos e externos para se libertar.
A música faz referência direta aos “banditos” e ao antagonista “Nico”, conectando-se ao universo dos álbuns anteriores, como Trench e Blurryface. O verso “On the ground are banditos / Fighting while I find Nico” (No chão estão os banditos / Lutando enquanto procuro Nico) sugere que Clancy não está sozinho, mas conta com o apoio de uma comunidade – uma metáfora para o suporte dos fãs, reforçada nas apresentações ao vivo em que a banda mistura elementos de "Bandito". O clímax, com Clancy gritando “Show yourself!, I yell louder” (Mostre-se!, eu grito mais alto), marca o confronto direto com seus medos e adversários. O final enigmático – “So few, so proud, so emotional / Hello, Clancy” (Tão poucos, tão orgulhosos, tão emocionados / Olá, Clancy) – deixa em aberto se a jornada representa um fim ou um novo começo, refletindo o mistério intencional que Tyler Joseph destaca sobre o desfecho da saga. A música aborda temas de determinação, vulnerabilidade e a importância da coletividade para superar adversidades.

Lunatic Soul - The New End

How to end what once felt trueYet faded more as dreams went awayHow to end something that's burned outWhen in your eyesIt still burns bright
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul
How to stop living with guiltNo matter what you doIt will hurtHow to stop fearing that scarsWill remain on your broken heart
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul
Even if there could have been a chance for usI wouldn't want to harm you anymoreWhether you want it or notYou'll always beA part of my soul

A canção "The New End" funciona como o epílogo emocional do álbum  The World Under Unsun (2025) e, por extensão, representa o fim da escuridão e o início da aceitação.
"The New End", do Lunatic Soul, explora o paradoxo emocional de um término: enquanto para uma pessoa o sentimento já se apagou, para a outra ele ainda permanece intenso, como nos versos “How to end something that's burned out / When in your eyes / It still burns bright” (Como terminar algo que já se apagou / Quando nos seus olhos / Ainda brilha intensamente). Essa dualidade reflete o conceito do álbum, que Mariusz Duda descreve como um contraste entre escuridão e luz, e funciona também como metáfora para o fim de ciclos importantes da vida, não apenas de relacionamentos amorosos, mas de fases inteiras, incluindo o próprio ciclo do Lunatic Soul.
A letra tem um tom introspectivo e melancólico, marcado pela confissão de culpa e pelo medo de causar feridas emocionais: “How to stop living with guilt / No matter what you do / It will hurt” (Como parar de viver com culpa / Não importa o que você faça / Vai doer). Duda destaca que tudo o que chega ao fim permanece como parte de nós, reforçado pelo verso repetido “You'll always be / A part of my soul” (Você sempre será / Uma parte da minha alma). O sentimento de responsabilidade pelo sofrimento do outro aparece em “I wouldn't want to harm you anymore” (Eu não gostaria de te magoar mais), mostrando maturidade e empatia. Assim, "The New End" vai além do fim de um relacionamento, simbolizando o encerramento de ciclos e a importância de aceitar o passado para seguir em frente.

Belle and Sebastian - We Rule the School

O mesmo tema muito adequado ao filme de François Truffaut "Os Quatrocentos Golpes", ou também conhecido por "os Incompreendidos", 1959: cena final 

Letra

On a beech tree rudely carved

NC loved me

Why did she do it?

Was she scared?

Was she bored?

On a beech tree rudely carved

NC loved me

Why did she do it?

Was she scared?

Was she pushed?

Do something pretty while you can

Don't fall asleep

Skating a pirouette on ice is cool

Do something pretty while you can

Don't be a fool

Reading the gospel to yourself is fine

On a bus stop in the town

We rule the school

Written for everyone to read and see

On a bus stop in the town

We rule the school

Written for everyone with eies in their head

Do something pretty while you can

Don't fall asleep

Driving from California to New York

Call me a prophet if you like

It's no secret

You know the world is made for men

Not us

We Rule the School é uma das faixas mais delicadas e introspectivas do álbum de estreia da banda, Tiger Milk (1996).

A música 'We Rule The School' da banda Belle and Sebastian é uma reflexão poética sobre a juventude, a rebeldia e a busca por significado em um mundo que muitas vezes parece indiferente. A letra começa com a imagem de uma árvore de faia onde alguém esculpiu 'NC loved me'. Essa ação, aparentemente impulsiva e talvez sem sentido, levanta questões sobre as motivações por trás dela: medo, tédio ou pressão. Essa metáfora inicial já estabelece um tom de introspecção e questionamento que permeia toda a música.

A repetição da frase 'Do something pretty while you can' sugere uma urgência em aproveitar a beleza e a criatividade enquanto se é jovem. A juventude é retratada como um período efémero, onde há uma janela de oportunidade para fazer algo significativo antes que a rotina e as responsabilidades da vida adulta tomem conta. A menção a atividades como patinar no gelo e ler o Evangelho para si mesmo reforça a ideia de encontrar beleza e propósito em ações simples e pessoais.

O refrão 'We Rule The School' escrita num ponto de ónibus na cidade simboliza a rebeldia e a afirmação de identidade dos jovens. (Nós mandamos na escola) é irónico. Refere-se àqueles estudantes que não fazem parte do grupo "popular", que ficam nos cantos, observando tudo. Na mente deles e no seu pequeno círculo de amizades, eles possuem um mundo próprio que é superior à futilidade ao redor.

É um grito de autonomia e poder num mundo que, como a música sugere, é feito para os homens e não para 'nós', possivelmente referindo-se a jovens, mulheres ou qualquer grupo marginalizado. A repetição da linha 'You know the world is made for men' enfatiza a crítica social e a sensação de exclusão. No entanto, a música também carrega uma mensagem de esperança e resistência, incentivando os jovens a fazerem algo bonito e significativo enquanto podem.

Josefin Öhrn and The Liberation - Anything So Bright

Com som HDO nome ‘The Liberation’ foi retirado do Livro Tibetano da Morte. O título é ‘Liberation Upon Hearing In The Between’ – é uma perspetiva da música psicadélica como porta de entrada para uma libertação parcial de um estado materialista fixado no ego e no mundo visível.
I've seen a lot of lit up placesI've seen a lot of burning facesBut I've never seen anything so brightNo I've never seen such a light
I've been to the deepestOf spacesI've touched the wildest roseBut I've never seenAnything so brightNo I've never seen such a lightNo I've never seen such a light
You make me feel what it's like inside a moon beamYou make me feel what it's likeInside a ray of dawnLike a golden stormBlowing down hidden doorsI've never seen anything so bright
I sailed under the starsAnd their oceansI lived inside ofThe magnetic fields
But I've never seen anything so brightNo I've never seen such a lightNo I've never seen anything so brightNo I've never seen such a lightNo I've never seen anything so bright

Björk - Moon

A canção “Moon”, da Björk (do álbum Biophilia, 2011), tem um significado poético e cíclico, muito ligado à natureza, ao tempo e à renovação — temas centrais na obra dela.
As the lukewarm hands of the godsCame down and gentlyPicked my adrenalin pearlsThey placed them in their mouthsAnd rinsed all the fear outNourished them with their saliva
RestedOoh
As if the healthiest pastimeIs being in life-threatening circumstancesAnd once again be reborn
All birthed and happy
Best way to start-a-newIs to fail miserablyFail at lovingAnd fail at givingFail at creating a flowThen realign the wholeAnd kick into the starthole
And kick into the starthole
To risk all is the end all and the beginning all

A música “Moon”, de Björk, explora como o fracasso e a vulnerabilidade são partes fundamentais do processo de renovação pessoal, conectando essa ideia ao ciclo lunar. No trecho “Best way to start-a-new / Is to fail miserably / Fail at loving / And fail at giving / Fail at creating a flow / Then realign the whole / And kick into the starthole” (“A melhor forma de recomeçar / É fracassar miseravelmente / Fracassar ao amar / E fracassar ao doar / Fracassar ao criar um fluxo / Então realinhar tudo / E dar o pontapé inicial”), Björk sugere que só é possível recomeçar de verdade ao aceitar os próprios erros e limitações. Essa mensagem se relaciona ao simbolismo da lua, que passa por fases de morte e renascimento, oferecendo sempre uma nova oportunidade de começar de novo.

A artista também utiliza imagens como “adrenalin pearls” (“pérolas de adrenalina”) sendo colocadas “na boca dos deuses”, evocando referências mitológicas e a ideia de que forças superiores participam desse processo de purificação e renovação. Para Björk, a lua representa um espaço de imaginação, melancolia e regeneração, o que se reflete na atmosfera contemplativa da música. A repetição de “All birthed and happy” (“Todos nascidos e felizes”) reforça o sentimento de renascimento após enfrentar o medo e o risco. Já a frase “To risk all is the end all and the beginning all” (“Arriscar tudo é o fim de tudo e o começo de tudo”) resume a mensagem central: arriscar-se é essencial para encerrar um ciclo e iniciar outro, assim como acontece com as fases da lua. A estrutura musical, marcada por sequências de harpas que acompanham as fases lunares, reforça a ideia de transformação constante.

Fleet Foxes - White Winter Hymnal

Esta é uma canção evocativa em estilo de harmonia vocal fechada da banda indie-folk americana Fleet Foxes, originária de Seattle, no estado de Washington, EUA. O título é "White Winter Hymnal". A canção não é explicitamente espiritual, mas possui um forte impacto espiritual. A sua letra é propositadamente misteriosa para permitir ao ouvinte criar o seu próprio significado. A música conquistou uma enorme base de fãs nas redes sociais e nos serviços de streaming desde o seu lançamento, há cerca de 15 anos. O videoclipe explora o tema das esperanças (carinhosas) perdidas, mas que continuam a persistir no espírito natalício.
I was following the, I was following the
I was following the packAll swallowed in their coatsWith scarves of red tied 'round their throatsTo keep their little headsFrom fallin' in the snowAnd I turned 'round and there you goAnd, Michael, you would fallAnd turn the white snow red as strawberriesIn the summertime
Em “White Winter Hymnal”, do Fleet Foxes, a repetição do verso “I was following the pack” (“Eu estava seguindo o grupo”) e a imagem dos “scarves of red tied 'round their throats” (“lenços vermelhos amarrados em seus pescoços”) criam um clima de infância protegida, mas também sugerem uma sensação de uniformidade e vulnerabilidade compartilhada. O vocalista Robin Pecknold explicou que a música foi inspirada pela experiência de ver amigos de infância se afastarem e, às vezes, seguirem caminhos autodestrutivos. Isso dá um significado mais profundo ao trecho em que “Michael” cai e mancha a neve branca de vermelho, simbolizando a perda da inocência e o impacto das escolhas difíceis que surgem com o amadurecimento.
Embora Pecknold tenha dito que a letra é “bastante sem sentido” e foi criada como uma introdução ao álbum, a canção desperta sentimentos de nostalgia e melancolia, reforçados pelo arranjo vocal suave e pela repetição das imagens. A neve branca, tradicionalmente ligada à pureza e à infância, sendo manchada de vermelho, pode ser vista como uma metáfora para a transição da inocência para a experiência e para as mudanças e perdas inevitáveis da vida. O fato de “White Winter Hymnal” ter se tornado um hino não oficial das festas de fim de ano, mesmo sem citar o Natal, mostra seu apelo universal à memória, à passagem do tempo e à saudade de tempos mais simples.
O trabalho do grupo tem sido consistentemente elogiado pela crítica musical, que destacou o lirismo e o estilo de produção, para além de mencionar frequentemente o uso de instrumentação refinada e harmonias vocais. O álbum de estreia da banda foi classificado pela Rolling Stone como um dos melhores da década e foi também incluído no livro "1001 Álbuns Para Ouvir Antes de Morrer". A banda foi nomeada para dois prémios Grammy: o primeiro na categoria de Melhor Álbum Folk em 2012, com "Helplessness Blues", e o segundo na categoria de Melhor Álbum de Música Alternativa em 2022, com "Shore".

The Chameleons - Nathan's Phase

Em estúdio
Ao vivo

Of all the faces that you wear

Sometimes joy, sometimes despair

The mask has gone, no mystery

Replaced by vague transparency

Oh, it's just a phase you're going through

It's you

It's just a phase you're going through

The streets of London paved with lead

Just as my lungs are paved with Leb

Brush the cobwebs from my head

Feels like I'm stapled to this bed

Oh, it's just a phase you're going through

It's you

It's just a phase you're going through

The streets of London paved with lead

Just as my lungs are paved with Leb

Brush the cobwebs from my head

Feels like I'm stapled to this bed

Oh, it's just a phase you're going through

It's you

It's just a phase you're going through

Out of tune

Yeah, with this phase you're going through

A canção Nathan's Phase da banda britânica The Chameleons foi lançada no álbum Strange Times (1986), e, como muitas das músicas da banda, a letra pode ser interpretada de maneira subjetiva e aberta a diferentes análises.

Nathan's Phase do The Chameleons é uma canção que fala sobre uma fase de confusão e transição na vida de alguém, provavelmente o personagem chamado Nathan. A letra sugere um momento de introspecção, no qual ele se encontra em um processo de autoexploração ou até crise pessoal. A ideia de uma "fase" simboliza que essa situação é passageira, uma etapa que ele precisa atravessar para entender melhor a si mesmo ou seu lugar no mundo. Esse sentimento de transição também se conecta ao tema comum na obra da banda, que é a alienação — a sensação de estar desconectado ou perdido em relação ao que acontece ao redor. A música pode ser interpretada como uma reflexão sobre como as pessoas mudam e se reinventam ao longo do tempo, enfrentando desafios internos e externos que, muitas vezes, são difíceis de compreender ou de expressar. Além disso, a melodia melancólica da música complementa a ideia de uma fase de busca, de distanciamento emocional e de nostalgia, que faz parte da experiência humana de crescimento e transformação. Como muitas das músicas do The Chameleons, Nathan's Phase oferece uma visão aberta e poética sobre o dilema da identidade e da evolução pessoal, temas que são universais e que falam com cada ouvinte de uma forma única.

Victorian Darkwave - Transcendent

“Victorian Darkwave - Transcendent” representa a elevação espiritual e estética através da escuridão e da nostalgia vitoriana. É uma ideia ou conceito artístico que une a beleza melancólica e o misticismo do passado com uma busca interior por transcendência e profundidade emocional.
You are the better part of me 

and you see things that I can't see 

Sometimes I am blind 

And I can be unkind 

But my love for you will transcend time. 

In this world we're hand in hand 

In good times and bad, its our last stand 

The end of the road seems so near... 

and together, we will face our fears

Ane Brun - To Let Myself Go

To let myself go
To let myself flow
Is the only way of being?

There′s no use telling me
There's no use taking a step back
A step back for me

A música "To Let Myself Go" de Ane Brun trata, de forma poética e emocional, da libertação interior e do processo de aceitação de si mesmo. A canção fala sobre o desafio de baixar as defesas, permitir-se sentir, e abandonar o controlo — não como sinal de fraqueza, mas como um passo necessário para encontrar paz ou amor verdadeiro.

Libertar-se emocionalmente

O refrão "To let myself go, to let myself flow" sugere o desejo de se libertar de amarras internas — de expectativas, medo ou dor — e simplesmente "fluir" com a vida, aceitar o que vem.

Dor e Cura

Há uma nota de vulnerabilidade: a letra expressa a dificuldade de se entregar emocionalmente, especialmente após experiências dolorosas. Isso pode ser interpretado como alguém que aprendeu a se proteger demais, e agora tenta reaprender a confiar e se abrir.

Entrega e Transformação

"To just be me" (ser apenas eu) mostra que a música também fala de autenticidade — parar de se esconder atrás de máscaras e permitir-se ser quem se é, sem medo. É um tipo de transformação espiritual ou pessoal.

Música do BioTerra: Love and Rockets - Express Kundalini

[Verse 1]This is an announcementFor the transcendental runThe train now standingLeaves for higher planesDue to a derailmentThere will be no other trainSo why not hop on this one?Hear the porter's glad refrain
Each carriage is connectedAs is every single trainThe rails all form a trackWhich is a link within a chainThe chain's connectedTo another chain nowYou will need no ticketIf you wish to ride on this train
[Chorus]Woot woo!Woot woo!Woot woo!Woot woo! Woot woo!All aboard the express KundaliniAll aboard the express KundaliniAll aboard the express KundaliniYou might also like
[Bridge]The song is in your heartYour heart is in the songThe song is of the earthThe song is of the sky
[Verse 2]You are disintegratingInto everything aroundReintegratingThe worm we dug from higher groundYou have let go of egoEgo is no longer youCloser to nirvanaSince the porter's whistle blew
[Chorus]All aboard the express KundaliniAll aboard the express KundaliniAll aboard the express KundaliniWoot woo!

A energia Kundalini, conhecida também como Shakti, é uma energia espiritual que está localizada na base da coluna. O conceito de energia Kundalini existe há séculos e foi mencionado em antigos textos védicos de 1.000 aC.

A Kundalini Shakti é considerada a consciência divina presente no corpo, dividida entre a parte superior e inferior do corpo, ao ativar a energia Kundalini de forma segura, ela ajuda a equilibrar os chakras, aumentar o nível de consciência e bem-estar.

Quando a energia Kundalini Shakti é despertada e se eleva dentro de nós, toda a nossa vida se torna uma dança de alegria e bem-aventurança.

O que é Kundalini

O termo Kundalini vem da palavra em sânscrito kundal, que significa circular. Também se refere a uma cobra enrolada. Essa energia se manifesta no corpo através dos chakras, subindo ou descendo, provocando diferentes emoções.

Quando a kundalini se move para o topo da cabeça, no chakra coronário, é possível experimentar o estado de plenitude e bem-aventurança. Sentimentos de conexão começam a surgir com tudo e todos. Os antigos Rishis retratam cada um dos sete Chakras na forma de uma lótus ou de diferentes pétalas de flores, representando a consciência sutil, fresca e delicada.

Kundalini e os Chakras

A energia kundalini flui através dos chakras, num movimento ascendente ou descendente, provocando diferentes emoções, sentimentos ou sensações. É uma energia que se manifesta de diferentes maneiras nas diferentes regiões do corpo.

Os sete chakras ou sete centros nervosos estão conectados com diferentes glândulas do corpo – glândula tiróide, glândulas adrenal, glândula pituitária, glândula pineal, etc.

A ciência prova o que os antigos Rishis, sábios espirituais, afirmavam nas escrituras sagradas há milhares de anos atrás – cada uma dessas glândulas são responsáveis ​​por diferentes tipos de emoções.

Quando a energia kundalini está adormecida nos chakras é comum sentir sensações como inércia, raiva, apego, preguiça, etc. Quando ela é ativada, a inércia se transforma em entusiasmo, depois em criatividade. Do sentimento criativo, surge a alegria, e quando estamos felizes naturalmente surge a generosidade.

Então a energia se move para o chakra do coração, onde é possível sentir amor por todos ao redor, desencadeando o sentimento de gratidão e logo após, o estado de alerta. Trazendo expansão da consciência e bem-aventurança.

O perigoso despertar de Kundalini

É importante salientar sobre a prática correta da meditação kundalini pois o uso de forças e técnicas erradas, podem causar inúmeras consequências. É como se o fusível da lâmpada explodisse, devido ao excesso e surto descontrolado de energia.

Somente com a orientação correta sobre as técnicas, dieta e descanso, o corpo se torna sintonizado e propício para vivenciar esse fenômeno sutil. É importante respeitar o tempo de cada um, pois ao tentar despertar a kundalini shakti pela força, há grandes chances de perder o equilíbrio mental. Só quem tem anos e anos de prática de yoga e profundo conhecimento sobre isso é capaz de realmente praticar essas técnicas de forma adequada sem nenhum efeito colateral.

Meditação Kundalini

Quando a energia sobe naturalmente e através da técnica adequada, experimenta-se tanto entusiasmo, alegria e pertencimento. Todos estes são sinais de um verdadeiro despertar de shakti (energia).

Só é possível meditar quando a kundalini está desperta. Sempre que acontece a meditação, toda essa energia cintilante flui por todo o seu ser. Isso é o que é Kundalini.

O despertar da energia acontece muito naturalmente durante o Sudarshan Kriya, técnica de respiração da Arte de Viver. Por ser uma prática segura é possível sentir, de forma muito natural, cada célula do corpo desperta e viva.

Não tente fazer tudo isso à força, caso contrário você perderá perder o sono.

Kundalini e a serpente – Compreensão mitológica

A energia kundalini foi simbolicamente comparada a uma serpente. Nas histórias mitológicas, diz-se que a Mãe Terra repousa sobre os capuzes da serpente – Shesha Naag, que simboliza a força centrípeta e a força centrífuga. O planeta Terra é sustentado por esses dois tipos de forças. Essas forças não atuam em uma direção linear. Essas forças atuam de forma circular. Uma cobra também nunca viaja em linha reta. Uma cobra se enrola de maneira quase circular à medida que avança. O movimento da serpente é impulsionado por forças centrípetas e centrífugas.

O Shesha Naag simboliza as duas forças – centrípeta e centrífuga, que sustentam a Terra em sua revolução ao sol, da mesma forma o simbolismo da serpente kundalini representa a força vital que nos sustenta. Isso não significa que você deve procurar uma cobra dentro do seu corpo ou nem que você precise procurar uma flor de lótus.

Kundalini Yoga

O kundalini yoga é praticado para ativar a energia shakti, o que permite que ela se mova para cima e através dos chakras ao longo da coluna. A prática de kundalini yoga combina canto, posturas de yoga e respiração:

Canto de abertura: Cada aula começa com um mantra de abertura.Pranayama ou aquecimento: É comum realizar exercícios de respiração, chamados pranayamas, e às vezes movimentos para alongar a coluna. O objetivo do pranayama é praticar o controle da respiração.Kriya: Palavra em sânscrito que significa purificação, é uma sequência de posturas, pranayama ou mudras – posições das mãos. A duração e intensidade do kriya depende do professor.Relaxamento: Permite que seu corpo e mente absorvam os efeitos de um kriya.Meditação: O professor pode guiar uma meditação para cultivar a expansão da consciência.Canto de encerramento: A aula termina com um mantra de encerramento.

Efeitos do kundalini no corpo

À medida que a energia kundalini desperta, é muito comum se sentir mais conectado espiritualmente consigo mesmo e com os outros, e surgir sentimentos como:

1. mais empatia
2. aumento da criatividade
3. carisma
4. aumento de energia
5. paz interior

Mensagem de Ano Novo

"Para ganhar um Ano Novo

que mereça este nome,

você, meu caro, tem de merecê-lo,

tem de fazê-lo novo, eu sei que não é fácil,

mas tente, experimente, consciente.

É dentro de você que o Ano Novo

cochila e espera desde sempre." - Carlos Drummond de Andrade   

          

Paz, construir pontes como dizia o meu grande amigo Miguel Portas. 

Música do BioTerra: CocteauTwins - Musette And Drums

Did it again
We're fast follow trained, yes
Money and
Watching gets too hard
Writes a song
The favor of Juliet's
Somebody's
She turned thirteen oh

Tragedy end
Am I pretty enough

Musette and drums
Our answer Juliet's
Somebody's
She turned thirteen oh

Writes a song
The favor of Juliet's
Somebody's
She turned thirteen oh

Tragedy end
Am I pretty enough

Musette and drums
Watching is too

Musette

"Musette and Drums" é a peça que encerra o álbum Head Over Heels (1983) com uma grandiosidade quase esmagadora, marcando um ponto de viragem crucial na identidade dos Cocteau Twins. Musicalmente, a faixa é um dos pilares do que viria a ser o Dream Pop e o Shoegaze, fundindo a herança sombria do Post-Punk com uma parede de som densa e atmosférica. A guitarra de Robin Guthrie não funciona aqui apenas como um instrumento melódico, mas como uma massa sonora saturada de reverb e delay, criando uma textura que parece uma orquestra eléctrica em combustão. A bateria, como o próprio título sugere, tem um papel fulcral: é tribal, pesada e propulsiva, conferindo à canção uma urgência que contrasta com a natureza etérea da voz.

No que toca ao significado, entrar no universo de Elizabeth Fraser exige que abandonemos a procura por uma narrativa linear. Nesta fase da carreira, a vocalista já explorava a glossolalia e a fonética pura, escolhendo palavras mais pelo seu impacto sensorial e textura sonora do que pelo seu valor semântico. O título "Musette and Drums" sugere uma dualidade fascinante: a musette (um instrumento de sopro delicado, pastoral) em colisão com a força bruta da percussão. Esta tensão entre o frágil e o monumental é o coração da música. A letra evoca imagens fragmentadas de desorientação e êxtase, funcionando como uma catarse emocional onde o sentimento de urgência e deslumbramento sobrepõe-se a qualquer mensagem literal. No fundo, é uma canção sobre a intensidade da experiência humana, capturada num momento de pura tempestade sonora.

Análise do álbum no wikipedia e no site da banda

Kristin Vestgård

Kristin Vestgård (pintora Norueguesa, nascida em 1976)

Estilo Artístico:

O trabalho de Vestgård é caracterizado por:

• Abordagem intuitiva e poética: ela pinta buscando atmosferas e significados interiores, emergindo de camadas de pintura e de um processo sensível e intuitivo. 
• Figuração atmosférica: geralmente figuras — muitas vezes femininas — que não são retratos, mas expressões de estados de humor, presença e introspeção. 
• Ambientes etéreos e silenciosos: equilíbrio entre calma e inquietação, luz e sombra, sugerindo espaços além do tempo e da narrativa literal. 
• Fluxo entre real e onírico: as obras oscilam entre o mundo real e o imaginário, como uma espécie de “diário sem palavras”. 

Temas:

Os temas recorrentes incluem:

• Estados interiores e emoções humanas — nostalgia, silêncio, presença e reflexão. 
• Silêncio, poesia e segredo — as figuras carregam uma “vida interior” que evoca mistério e introspecção. 
• Lugar e pertencimento — busca por atmosferas onde se possa “pertencer”, entre calmaria e incerteza. 
• Tensão entre luz e escuridão — muitas obras exploram esse contraste emocional e visual. 

Técnicas e Processos:

• Óleo sobre tela: o meio principal das suas obras. 
• Construção por camadas: aplica e raspa camadas de tinta, preservando e alterando marcas anteriores para construir atmosferas e narrativas visuais. 
• Processo intuitivo: o trabalho flui de sensações, memórias e experiências, quase como uma escrita visual de um diário interno. 

In her own words…..

“It’s an intuitive process. In chaos, I play with figures, altering their spaces, wiping off and keeping marks from previous layers. While creating new spaces over others until I obtain a certain atmosphere and the expression that I want…which is something I find while going along…a history is built into the canvas, and adds weight and poetry to the final image... I paint out of my inner world with all the sights, emotions, thoughts, people, things, atmospheres and the history that runs through me. It all shapes what happens on the canvas…almost like a diary with no words, based in a reality seen through my eyes. It has dreams, fantasies and sort of inner adventures tangled in between the pure reality, playing between the restless and standing still, always in a flux…a playfulness running in and out of the layers of oil paint, with a deep sincere essence holding it together. To me my paintings hold many secrets…and I like it that way. It gives them space to breathe and live their own lives; just like people…they have a sea of secrets too...”

Sofa Surfers - See The Light

“See The Light”, dos Sofa Surfers, é uma canção que aborda o tema da consciência e da transformação interior, usando a “luz” como metáfora para a clareza emocional e mental que surge após um período de confusão, alienação ou sofrimento. Em vez de contar uma história linear, a música cria um estado introspectivo, sugerindo um momento de despertar, de reconhecimento da verdade sobre si próprio ou sobre uma situação vivida. A atmosfera densa e contemplativa reforça essa ideia de passagem da sombra para a lucidez, tornando a faixa profundamente emocional e quase cinematográfica. A música foi lançada em 2002, integrando o álbum Encounters, um dos trabalhos mais marcantes da banda austríaca, onde se evidencia uma sonoridade madura, experimental e muito eficaz na criação de ambientes reflexivos.

Sofa Surfers - see the light feat. Junior Delgado

Black Space Riders - Leaves of life (falling down)

Tearing and dragging at night - leaves of life
Waiting to give up the fight - falling down
Many before (have) been released - leaves of love
(they) turned into life when deceased – falling down

Falling but feeling secure – leaves of life
Our rebirth will follow for sure – falling down
Resurrection back to life – falling down
Changeling while changing the sides – leaves of love

Like a leaf that's floating downward - falling down
Gently moving down to earth – falling down
Seeds of hope deliver new life – falling down
Giving birth on fields of joy – falling down

Reaching the edge of belief – falling down
(A) mission with hope brings relief - falling down
Glowing and breeding new life – leaves of love
A tearing and dragging at night – leaves of life

Mudança de Comportamento para a Sustentabilidade

Behaviour Change Program

Texto de Isabel Correia (adaptado)

“It’s the behaviour, dear!”

O desenvolvimento sustentável parece um caminho longo, lento e laborioso. Infelizmente, muitas medidas e ações não têm em conta o nosso comportamento. As mudanças necessárias para um mundo mais justo e respeitando os limites planetários e os ecossistemas, não têm muito a ver com ‘mais uma tecnologia’, ou melhor indicadores para ser mais performativos.

Pelo contrário, tem tudo a ver com o próprio ser-humano e como é que nos podemos mudar e mostrar comportamentos sustentáveis!

Como é que podemos então facilitar melhor esse caminho da mudança?!

O esquema (clique na imagem para ampliar) permite uma compreensão clara dos ‘behavioural insights’ e fornece pistas concretas como aplicar isso no vosso contexto e como alcançar as mudanças desejadas de maneira mais eficaz. 

Mais informações
Uma vasta lista de publicações sobre Behaviour Change Program e exemplos práticos em países da CEE