Silentways - Aeon

LetraLeave your lipsOn my neckUtterly sweetTempting tasteYour honeyGive meLeave your handsOn my backTouching meThoroughlySo smoothlyGive meCaptivating invitation
Pull me towards youDominating explorationPull me towards youStimulating timeless pacingPull me towards youFascinating liberationPull me towards you
Significado da cançãoO significado da canção "Aeon" (termo que remete para um éon, um período de tempo imensurável ou eterno) reside na exploração da dualidade entre o desejo físico e a transcendência temporal. Numa primeira fase, a composição descreve uma entrega e uma intimidade pautadas por uma atração física quase magnética, focando-se explicitamente no toque e no magnetismo dos corpos através de versos como "Leave your lips on my neck" e "Leave your hands on my back". Posteriormente, surge o efeito do tempo através da expressão "timeless pacing", momento em que o refrão transforma essa urgência carnal numa experiência hipnótica e espiritual. O uso da palavra "Aeon" e a alusão a um ritmo estimulante que desafia o tempo sugerem que, perante uma conexão profunda com o outro, a perceção temporal simplesmente desaparece. Deste modo, o plano físico transmuta-se em algo eterno, criando um espaço abstrato onde o tempo exterior deixa de importar e os indivíduos se fundem por completo na melancolia e no transe da música.

Dia de Mísia - "Ausência"

Letra

Namorei a tua ausência

Por tantas noites vazias

Que agora pede à prudência

Que eu te ausente dos meus dias

É que a ausência de ti

É uma noite tão escura

Que eu não sei sair dali

Sem ir à tua procura

O corpo senta-se ausente

Na cama onde não se deita

E sabe o melhor presente

Que a noite não aceita

Meu amor, chegou a hora

De o tempo negar o espaço

Em que o corpo se namora

Por ausência ou por cansaço

Meu amor, choras?

No entanto és sempre tu

Sempre que canto o meu fado

É quase o teu corpo nu

Que quase que tenho ao lado

Tenho a noite por exílio

A tua ausência por lei

Vem em meu auxílio

Ou nunca mais cantarei

O corpo senta-se ausente

Na cama onde não se deita

E sabe o melhor presente

Que a noite não aceita

Meu amor, chegou a hora

De o tempo negar o espaço

Em que o corpo se namora

Por ausência ou por cansaço

Meu amor, chegou a hora

Significado da canção

A letra explora o vazio psicológico e físico deixado pela perda do ser amado. O eu lírico descreve uma relação quase obsessiva com a própria solidão, chegando a dizer que "namorou a ausência" durante tantas noites que agora precisa de fazer um esforço consciente para afastar essa sombra dos seus dias. A falta da outra pessoa é comparada a uma noite escura e intransitável, um labirinto de onde não se consegue sair sem ceder à tentação de ir à procura de quem partiu.

Há uma forte presença do corpo e do espaço físico: a cama vazia onde o corpo já não se deita e o exílio da noite. No final, a ausência funde-se com a própria arte da fadista. Ela confessa que o seu fado será sempre sobre essa pessoa e lança um apelo desesperado: se o amor não vier em seu auxílio para quebrar este silêncio, a dor será tão grande que a impedirá de voltar a cantar.

Pequena homenagem

Filha de pai português e mãe catalã (bailarina de cabaré), Mísia trouxe para o fado muita inovação, maior projecção universal, uma sensualidade provocadora, uma ginga malandra e uma alegria solar.

A genuína essência de Mísia reside na audácia de ter sido a grande anarquista e esteta do fado, uma artista singular que habitou a fronteira exacta entre a tradição mais visceral e a vanguarda mais culta.

Longe de se fechar no purismo das tascas ou no fado-destino resignado, Mísia limpou o género do bafio do passado e elevou-o ao estatuto de alta literatura, desafiando os maiores escritores contemporâneos — como José Saramago, Agustina Bessa-Luís, Lídia Jorge e António Lobo Antunes — a escreverem para a sua voz. Havia na sua presença uma solenidade aristocrática misturada com uma atitude punk e até gótica, mas reduzir a sua obra à dor é ignorar a sua vibrante veia artística.

Mísia apoiava muito o seu canto no registo de peito, o que conferia à sua música uma ressonância profunda, noturna e ligeiramente rouca - características muito valorizadas tanto no fado clássico como no ambiente de cabaré que ela tanto adorava.

Mísia avant-garde introduziu instrumentos "proibidos" no fado tradicional - como o violino, o violoncelo, o piano e o acordeão - criando uma atmosfera de fado de câmara.

A sua melancolia não era de resignação (o típico "fado-destino"); era uma melancolia de combate, sensual, visceral e assumidamente trágica.

No fundo, Mísia libertou o fado das suas próprias amarras, provando que a tradição também se faz com pele, desejo, fragilidade humana, muita sensualidade, uma pitada de humor, festa e uma enorme liberdade criativa.

clubdrugs - Heart 2 Break

A banda clubdrugs é um duo originário de Chicago, nos Estados Unidos, composto pelos músicos Maria Reichstadt e John Regan. Fundado oficialmente por volta de 2019, o projeto consolidou-se rapidamente na cena underground norte-americana. O seu estilo musical é uma fusão magnética de Goth Pop, Darkwave e Synthpop, caracterizado pelo uso de sintetizadores densos, batidas eletrónicas pulsantes e vocais etéreos que evocam uma nostalgia sombria dos anos 90.

Após alguns anos a lançar singles independentes e a construir uma base de fãs sólida em festivais de música alternativa, a banda atingiu um marco importante na sua carreira no início de 2026. Com o lançamento do seu álbum de estreia, "Lovesick", em março desse mesmo ano pela editora Artoffact Records, os clubdrugs afirmaram-se como uma das vozes mais promissoras da música eletrónica gótica contemporânea, equilibrando temas de melancolia e desejo com uma estética visual e sonora polida.

Melhor som do álbum Lovesick (2026) aqui

Curiosidade (e talvez crítica social por parte da banda)

O termo "club drugs" é muito utilizado para se referir a substâncias recreativas comuns em raves (como MDMA ou Ketamina)

Feliz Dia do Amor - Jakub Józef Orliński sings "L'amante consolato"

Son tanto ito cercandoche pur alfin trovaicolei che desiaiduramente penando,Oh questa volta sì ch'io non m'inganno,s'io non godo mio danno!
Son tali quei contentiche pur alfin io provoche tutto mi rinovodoppo lunghi tormenti.Ma tutti com'io fo far non saprannochi non gode suo danno.

English

I searched for so long

that I finally found

the one that I desired,

after rigorous suffering.

Oh, this time let me not fool myself,

let me not be rejoicing in my own downfall.

The delights that I feel

at last are such

that everything renews me,

after prolonged agony.

But not everyone would be able to do as I do,

not being able to rejoice in their own downfall.

Barbara Strozzi

Smashing Pumpkins - Ava Adore

Ainda com a musa D'Arcy Wretzky
Realizado por Dom e Nic, o videoclipe de "Ava Adore" ganhou o prémio de "vídeo mais elegante" nos VH1 Fashion Awards de 1998
Ava AdoreThe Smashing Pumpkins
It's you that I adoreYou'll always be my whoreYou'll be the mother to my childAnd a child to my heart
We must never be apartWe must never be apart
Lovely girlYou're the beauty in my worldWithout you, there aren't reasons left to find
And I'll pull your crooked teethYou'll be perfect just like meYou'll be a lover in my bedAnd a gun to my head
We must never be apartWe must never be apart
Lovely girlYou're the murder in my worldDressing coffins for the souls I've left to dieDrinking mercuryTo the mystery of all that you should ever leave behindIn time
In you, I see dirtyIn you, I count starsIn you, I feel so prettyIn you, I taste GodIn you, I feel so hungryIn you, I crash cars
We must never be apart
Drinking mercuryTo the mystery of all that you should ever seek to findLovely girlYou're the murder in my worldDressing coffins for the souls I've left behindIn time
We must never be apart
And you'll always be my whore'Cause you're the one that I adoreAnd I'll pull your crooked teethYou'll be perfect just like me
In you, I feel so dirtyIn you, I crash carsIn you, I feel so prettyIn you, I taste God
We must never be apart
Contradições do amor obsessivo em “Ava Adore” dos Smashing Pumpkins

Em “Ava Adore”, do The Smashing Pumpkins, a letra explora a linha tênue entre devoção e possessividade. O eu lírico alterna entre declarações de adoração intensa, como “It’s you that I adore” (“É você que eu adoro”), e imagens sombrias, como “You’ll always be my whore” (“Você sempre será minha prostituta”) e “You’ll be a lover in my bed / And a gun to my head” (“Você será um amante na minha cama / E uma arma apontada para minha cabeça”). Essas frases mostram como amor e obsessão podem se misturar, criando relações apaixonadas, mas também destrutivas. Metáforas provocativas, como “pull your crooked teeth” (“arrancar seus dentes tortos”), sugerem um desejo de controlar ou moldar o outro, revelando traços de idealização e dominação.

O título “Ava Adore” traz um duplo sentido: além de ser um nome feminino, faz referência à frase francesa “il va adorer” (“ele vai adorar”), reforçando a ideia de adoração quase ritualística. A influência das vogais francesas, inspirada por Françoise Hardy, contribui para o tom etéreo e misterioso da música. A letra também destaca a dualidade da amada, vista como fonte de beleza e destruição: “You’re the beauty in my world” (“Você é a beleza no meu mundo”) e “You’re the murder in my world” (“Você é o assassinato no meu mundo”). Imagens como “drinking mercury” (“bebendo mercúrio”) e “dressing coffins for the souls I’ve left to die” (“preparando caixões para as almas que deixei morrer”) intensificam o clima sombrio, sugerindo sacrifício, culpa e a presença constante do fim. A repetição de “We must never be apart” (“Nunca devemos nos separar”) funciona como um mantra obsessivo, reforçando o medo da separação e a busca por fusão total. Assim, “Ava Adore” se destaca como um retrato intenso das contradições do amor obsessivo, marcado por ambiguidade e tensão.

Brigitte Bardot: polémicas, grandes paixões, drogas e lutas. Recorde a lenda do cinema francês, que acabou sozinha e abandonada pelo filho

"A Fundação Brigitte Bardot anuncia com profunda tristeza a morte da sua fundadora e presidente, Madame Brigitte Bardot, atriz e cantora mundialmente reconhecida, que escolheu abandonar a sua prestigiada carreira para dedicar a sua vida e energia ao bem-estar animal e à sua fundação".

Foi assim que o mundo soube, este domingo, dia 28, da morte de Brigitte Bardot, aos 91 anos de idade.

Musa dos maiores cineastas e músicos franceses, de Godard a Gainsbourg, BB, como era conhecida, foi símbolo de libertação sexual e da emancipação da mulher e ícone da sétima arte, tendo participado em 47 filmes em pouco mais de duas décadas.

Nascida em 1934 numa família parisiense rica e educada numa escola católica, a jovem Brigitte recebeu uma educação particularmente rigorosa. Desde a infância, foi incentivada a dançar pela sua mãe, Anne-Marie. A dança viria a 'esculpir' o seu famoso corpo, a sua graça e elegância, mas foi diante das câmeras que BB encontrou a sua vocação.

Com apenas 15 anos, foi capa da revista 'Elle', graças a um pedido especial da sua mãe a uma amiga, que era editora da revista. Foi assim que conseguiu a sua primeira audição para um filme do realizador Marc Allégret, onde viria a conhecer e a apaixonar-se pelo seu assistente, Roger Vadim.

Os dois casaram em 1952, quando BB tinha 18 anos, e separaram-se em 1956. Foi Vadim quem deu a BB o seu primeiro grande papel - e um dos mais icónicos da sua carreira - depois de algumas participações menores: 'E Deus Criou a Mulher', que foi um sucesso mundial que catapultou a carreira da jovem atriz.

Provocativa e moderna, livre e sensual, num piscar de olhos Brigitte Bardot tornou-se um símbolo sexual, uma estrela de cinema e um dos rostos mais famosos do planeta.

Depois de 'Une Parisienne' e 'Babette s'en va-t-en guerre', BB protagonizou 'La Vérité' em 1960, uma produção extremamente desgastante durante a qual foi maltratada pelo realizador, Henri-Georges Clouzot. O filme foi um sucesso, mas terá sido o início do desencanto de BB com o mundo do cinema. Em apenas três anos, a atriz fora alvo de todo o tipo de comentários, tanto admirada como insultada.

A tentativa de pôr fim à vida

No meio do turbilhão que foram os primeiros anos da sua carreira, com a fama súbita e as más-línguas sobre os seus inúmeros 'affairs' e a sua imagem sexual, BB chegou mesmo a tentar o suicídio e também recorreu às drogas, tendo tido uma overdose em 1958.

A própria atriz admitiu que as suas relações nunca duravam muito porque fartava-se rapidamente. "Sempre procurei paixão. Era por isso que era muitas vezes infiel. Quando a paixão começava a desaparecer, ia fazer as malas", contou.

Depois de Vadim, BB foi casada mais três vezes, com Jacques Charrier - o pai do seu único filho, Nicolas-Jacques, com quem nunca teve uma relação próxima por nunca ter realmente querido ser mãe - com o milionário Gunter Sachs e com Bernard d'Ormale, a sua relação mais duradora. Pelo meio ficaram inúmeros romances e affairs extraconjugais, entre os quais com o ator Alain Delon ou o músico Sacha Distel. Relações "oficiais" terão sido 17, segundo contas da própria atriz.

BB chegou também a fazer carreira na música, com êxitos como 'Harley-Davidson' e 'Bonnie and Clyde' e, em 1973, decidiu abandonar de vez o mundo do cinema, com apenas 38 anos. No set do seu último filme, a atriz, prestes a reformar-se, resgatou uma cabra. E os animais tornaram-se então a sua maior paixão.

Em 1976, dedicou-se integralmente à defesa das focas, abatidas por sua pele, um produto de luxo que Brigitte Bardot conseguiu banir em França e, posteriormente, na Europa.

Em 1986, criou então a Fundação Brigitte Bardot, à qual dedicaria todo o seu tempo e fortuna, envolvendo-se nas mais variadas campanhas de bem-estar animal, por vezes de forma radical.

Nas últimas décadas, BB escolheu retirar-se da vida pública e viver em reclusão na sua propriedade em Saint-Tropez.

A aproximação à extrema-direita

Os seus últimos anos ficaram marcados por posicionamentos controversos, entre os quais o seu apoio público a Marine Le Pen. Mas estas polémicas também faziam parte da liberdade de Bardot.

Fonte

School of Seven Bells - Kiss Them for Me

Donatella Marraoni

Donatella Marraoni (pintora Italiana, nascida em 1972) - "Nothing like me", 2022

Pintora contemporânea, Donatella é conhecida por um estilo expressivo e emocional que emerge do caos e da confusão.

As suas obras apresentam linhas fortes, rápidas e inacabadas, que criam texturas marcantes e transmitem emoção crua.

Donatella utiliza uma variedade de materiais como óleo, tinta, pigmentos, vidro, cimento e até café para compor retratos e paisagens com camadas e arranhões.

A figura da mulher é um tema central nas suas pinturas, explorando emoções e situações de vida como amor, espera, paixão, dor, abandono, desejo e até perversão.

O estilo pode ser descrito como contemporâneo e figurativo com elementos gestuais e narrativos fortes, muitas vezes buscando evocar sentimentos intensos no espectador.

O Avesso das Coisas

Um livro que anda (quase) sempre comigo: O Avesso das Coisas. Livro de aforismos publicado postumamente. Nele, Carlos Drummond de Andrade mostra um quotidiano lírico, curioso, imprevisível e insólito falando de assuntos como paciência, circo, ciúme, natureza, eternidade e literatura.

Por exemplo este: "O tempo consumido em aprender coisas que não interessam, priva-nos de descobrir as interessantes."

"Assim como os antigos moralistas escreviam máximas, deu-me vontade de escrever o que se poderia chamar de mínimas, ou seja, alguma coisa que, ajustada às limitações do meu engenho, traduzidas um tipo de experiência vivida, que não chega a alcançar a sabedoria mas que, de qualquer modo, é resultado de viver.

Andei reunindo pedacinhos de papel em que estas anotações vadias foram feitas e ofereço-as ao leitor, sem que pretenda convencê-lo do que penso nem convidá-lo a repensar suas idéias. São palavras que, de modo canhestro, aspiram e enveredar pelo avesso das coisas, admitindo-se que elas tenham um avesso, nem sempre perceptível mas às vezes curioso ou surpreendente."

E-Livro: aqui

The Stone Roses - She Bangs the Drums

She Bangs The DrumsThe Stone Roses
can feel the earth begin to moveI hear my needle hit the grooveAnd spiral through another dayI hear my song begin to sayKiss me where the sun don't shineThe past was yoursBut the future's mineYou're all out of time
I don't feel too steady on my feetI feel hollow I feel weakPassion fruit and holy breadFill my guts and ease my headThrough the early morning sunI can see her here she comes
She bangs the drums
Have you seen her have you heardThe way she plays there are no wordsTo describe the way I feel
How could it ever come to passShe'll be the first she'll be the lastTo describe the way I feelThe way I feel
Have you seen her have you heardThe way she plays there are no wordsTo describe the way I feel
How could it ever come to passShe'll be the first she'll be the lastTo describe the way I feelThe way I feel
Have you seen her have you heardThe way she plays there are no wordsTo describe the way I feel
How could it ever come to passShe'll be the first she'll be the lastTo describe the way I feelThe way I feel
Em “She Bangs The Drums”, do The Stone Roses, a frase “O passado foi seu, mas o futuro é meu” expressa a confiança e o desejo de renovação que marcaram a banda e o movimento Madchester no final dos anos 1980. Essa linha mostra uma geração que quer se desvincular do passado e construir algo novo, refletindo o espírito de ambição e mudança da época.
A repetição do verso “She bangs the drums” serve como uma metáfora central. Ela pode ser interpretada tanto como uma homenagem a uma mulher inspiradora quanto como uma referência à energia contagiante da música e à cultura dos clubes, onde a batida era fundamental para a experiência coletiva. A letra mistura sensações físicas e emocionais, como em “I don't feel too steady on my feet / I feel hollow I feel weak” (Não me sinto muito firme nos pés / Me sinto vazio, me sinto fraco), sugerindo o impacto intenso de uma paixão ou de um momento de êxtase musical. Trechos como “Kiss me where the sun don't shine” (Me beije onde o sol não brilha) trazem irreverência, enquanto “Passion fruit and holy bread / Fill my guts and ease my head” (Maracujá e pão sagrado / Enchem meu estômago e acalmam minha mente) misturam sensualidade e espiritualidade. Assim, a música se destaca como uma celebração da juventude, da liberdade e do poder transformador da música.

Ally Nicholas - Killing

A canção “Killing” fala sobre um amor intenso e profundamente contraditório, em que a narradora sente uma mistura de atração e autodestruição. Ela está presa a alguém que a fascina e machuca ao mesmo tempo, como se a relação fosse um vício difícil de largar. 

Mesmo percebendo que esse envolvimento consome sua energia emocional e a leva a um ciclo tóxico, ela continua voltando, movida pelo desejo e pela sensação de inevitabilidade. 

A letra transmite vulnerabilidade, confusão e uma luta interna entre razão e emoção, mostrando uma pessoa consciente do dano que a relação causa, mas ainda incapaz de se afastar.

Ally Nicholas

Hilda Hirst

Dez chamamentos ao Amigo

"Se te pareço noturna e imperfeita

Olha-me de novo. Porque esta noite

Olhei-me a mim, como se tu me olhasses.

E era como se a água

Desejasse

Escapar de sua casa que é o rio

E deslizando apenas, nem tocar a margem.

Te olhei. E há tanto tempo

Entendo que sou terra. Há tanto tempo

Espero

Que o teu corpo de água mais fraterno

Se estenda sobre o meu. Pastor e nauta

Olha-me de novo. Com menos altivez.

E mais atento." ~ Hilda Hirst

Foto minha.

Música do BioTerra: Zanias - Unraveled

I had you done,I had you figured out.Are you too full of fear for me now? Are you too full of fear for me now? I wish I could be what you needto feel alive for a change.I think I might be everything you're running from. 
I wish you could see what I see,to feel what I feel.
If only I were enoughto deserve your wounded love. If only I were enough.
Interpretação geral

1. Conflito emocional: A letra reflete o peso da expectativa de atender às necessidades do outro e a frustração de se sentir inadequado.
2. Medo e fuga: "I think I might be everything you’re running from" indica uma dinâmica em que o medo do parceiro provoca distanciamento, talvez por esse sentir-se “demais” ou assustador.
3. Crise interna: O refrão repetido “If only I were enough” simboliza o autoquestionamento e a autocrítica, típicos de alguém que se sente emocionalmente insuficiente.

Música do BioTerra: Brian Eno - Baby's on Fire

Baby's on fire

Better throw her in the water

Look at her laughing

Like a heifer to the slaughter

Baby's on fire

And all the laughing boys are bitching

Waiting for photos

Oh the plot is so bewitching

Rescuers row, row

Do your best to change the subject

Blow the wind blow, blow

Lend some assistance to the object

Photographers snip snap

Take your time, she's only burning

This kind of experience

Is necessary for her learning

If you'll be my flotsam

I could be half the man I used to

They said, "You were hot stuff

And that's what baby's been reduced to"

Juanita and Juan

Very clever with maracas

Makin' their fortunes

Selling second-hand tobaccos

Juan dances at Chico's

And when the clients are evicted

He empties the ashtrays

And pockets all that he's collected

But baby's on fire

And all the instruments agree that

Her temperature's rising

But any idiot would know that 

A música "Baby's on Fire" de Brian Eno, lançada em 1974 no álbum Here Come the Warm Jets, é uma das suas composições mais emblemáticas e enigmáticas. O seu significado pode ser interpretado de várias formas, mas aqui estão algumas das principais leituras possíveis:

🧠 1. Surrealismo e ironia

"Baby's on Fire" é construída com uma narrativa surrealista, onde uma jovem (a "Baby") literalmente está a arder, mas os presentes preferem tirar fotografias em vez de a ajudar. A letra carrega uma ironia cruel sobre o comportamento humano — o fascínio pelo desastre e a apatia perante o sofrimento real.

"Photographers snip snap / Take your time, she's only burning."

Este verso exemplifica bem o comentário social: há uma crítica implícita à forma como as pessoas preferem espetacularizar a tragédia em vez de intervir.

🔥 2. Metáfora da rebeldia e do desejo

Outra interpretação possível é a da "Baby" como símbolo de juventude rebelde e sexualidade descontrolada. Estar "on fire" pode ser entendido como estar no auge da paixão, da loucura, da autodestruição — uma metáfora comum no rock para estados emocionais extremos.

🎸 3. Colagem sonora e narrativa absurda

Brian Eno afirmou que muitas das suas letras nessa fase eram colagens de imagens e frases sem sentido literal, escolhidas mais pelo som das palavras do que pelo seu conteúdo. A música é muitas vezes interpretada como um exercício de estilo e atmosfera, não de mensagem.

Além disso, a canção inclui um longo solo de guitarra de Robert Fripp, que contribui para o tom caótico e intenso da música.

🧪 4. Experimento artístico

Eno era fortemente influenciado pela arte experimental, como o Dadaísmo e o Surrealismo. Portanto, a letra pode ser uma paródia de convenções narrativas, brincando com as expectativas do ouvinte. Ele próprio disse que o título do álbum Here Come the Warm Jets é uma referência ambígua com conotações sexuais e cómicas.

Música do BioTerra: Chelsea Wolfe - Everything Turns Blue

I've been living without you here and it's alrightI'd been looking for a way out a long timeI've been living without you here and I can fightI've been living softly my whole life
To smoke, to dance, to flyTo breathe into the nightIt falls and everything turns blueTo fuck, to feel the same in the endTo hurt, to stealYou were so unreal
I've been thinking about you, heavy on my mindI've been losing days here, do you know what that's like?I've been thinking about you, fucked me up in my dreamsWhat do I have to do to heal you out of me?
You were, you were so unrealYou were, you were, you were so unreal
A música "Everything Turns Blue" faz parte do álbum She Reaches Out to She Reaches Out to She (2024)A canção foi inspirada no processo de cura após o fim de relacionamentos tóxicos, o que explica a sensação de "renascimento" misturada à melancolia da letra.

Música do BioTerra: The Mission - Garden of Delight

Studio Version
I see your dancing, laughing, naked
Sweet and pretty face
And the promise, burning brightly
In your crystal-shot eyes

Your savage, and violent flesh,
The cut that bleeds, the kiss that stings
We're shooting up stars and desperate snows
That fall from shimmering skies, So

Take my hand and lead me
To the Garden of Delight
Take my hand and lead me
To the Garden of Delight

Revelation is laid, and reflects
On the windswept liquid mirror
Of this breathless world, this Happy Death
This elegance in charm

The treasured first fleeting touch of a gracious stranger
In-charmed me and entranced me
I know you can do me no harm, so

We're playing with fire, dancing in the flames
And we're covered in burns that may never heal
And angels may come, and angels may go
But it's heaven on earth when you

Live version

BiografiaThe Mission
Página OficialThe Mission
YoutubeThe Mission

Música do BioTerra- Sisters of Mercy- Nine While Nine

Esta linda música, em especial, conta como é doloroso nos separarmos, principalmente quando a história era intensa.Esta música marca o fim de uma história de amor e paixão, fala da separação de Andrew e Claire.Claire Shearsby, famosa DJ de Leeds nos anos 80, ela também participou muito da criação do Sisters of Mercy, muitas vezes presente nos primeiros anos para gerir o som e luzes.
Entrevista a Claire Shearsby
Poema aqui

TOM And His Computer: Lovers And Gasoline (feat. Roxy Jules)

Lovers And Gasoline

Eyes of emerald green

Young lovers equipped with gasoline

In the sun

Covered in ashes

Saturated with desire

The ashes dancing

Falling asleep in the sun

Covered in ashes of what can’t be undone

Música do BioTerra: Siouxsie and The Banshees , Velvet Underground e Beck - Venus In Furs

Siouxsie and The Banshees

Velvet Underground

Beck

Shiny, shiny, shiny boots of leatherWhiplash girlchild in the darkComes in bells, your servant, don't forsake himStrike, dear mistress, and cure his heart
Downy sins of streetlight fanciesChase the costumes she shall wearErmine furs adorn the imperiousSeverin, Severin awaits you there
I am tired, I am wearyI could sleep for a thousand yearsA thousand dreams that would awake meDifferent colors made of tears
Kiss the boot of shiny, shiny leatherShiny leather in the darkTongue of thongs, the belt that does await youStrike, dear mistress, and cure his heart
Severin, Severin, speak so slightlySeverin, down on your bended kneeTaste the whip, in love not given lightlyTaste the whip, now bleed for me
I am tired, I am wearyI could sleep for a thousand yearsA thousand dreams that would awake meDifferent colors made of tears
Shiny, shiny, shiny boots of leatherWhiplash girlchild in the darkSeverin, your servant comes in bells, please don't forsake himStrike, dear mistress, and cure his heart
Baseado na obra A Vénus das Peles de Leopold von Sacher-Masoch

Música do BioTerra: Kristin Hersh feat. Michael Stipe - Your Ghost (1994)

If I walk down this hallway
Tonight it's too quiet
So I pad through the dark
And call you on the phone
Push your old numbers
And let your house ring
'Til I wake your ghost

Let him walk down your hallway
It's not this quiet
Slide down your receiver
Sprint across the wire
Follow my number
Slide into my hand

It's the blaze across my nightgown
It's the phone's ring

I think last night
You were driving circles around me
I think last night
You were driving circles around me
I think last night
You were driving circles around me

I can't drink this coffee
'Til I put you in my closet
Let him shoot me down
Let him call me off
I take it from his whisper
You're not that tough

It's the blaze across my nightgown
It's the phone's ring

You were in my dream (I think last night)
You were driving circles around me